L'expressionnisme en relation avec la littérature est compris comme un ensemble de tendances et de tendances de la littérature européenne du début du XXe siècle, incluses dans les tendances générales du modernisme. L'expressionnisme littéraire s'est répandu principalement dans les pays germanophones : Allemagne et Autriche, même si cette direction a également eu une certaine influence dans d'autres pays européens : Pologne, Tchécoslovaquie, etc.
Dans la critique littéraire allemande, le concept de « décennie expressionniste » est mis en avant : 1914-1924. C’est l’époque de la plus grande floraison de ce mouvement littéraire. Même si sa périodisation, ainsi qu’une définition claire du concept même d’« expressionnisme », restent encore plutôt conditionnelles.
En général, cette tendance littéraire est principalement associée aux activités des auteurs germanophones d’avant-guerre. En Allemagne, le centre du mouvement était Berlin (bien qu'il y ait des groupes distincts à Dresde et à Hambourg), en Autriche-Hongrie - Vienne. Dans d’autres pays, l’expressionnisme littéraire s’est développé d’une manière ou d’une autre sous l’influence directe ou indirecte de la littérature de langue allemande.
En Allemagne et en Autriche, cette tendance a pris une ampleur considérable. Ainsi, le « Répertoire des auteurs et livres d’expressionnisme » de P. Raabe recense les noms de 347 auteurs. Dans la préface, son auteur qualifie l’expressionnisme de « phénomène général, rare en Allemagne », de « mouvement spirituel panallemand » d’une telle puissance et d’un tel attrait que « nulle part aucune sorte de contre-mouvement ou d’opposition n’est apparue ». Cela permet aux chercheurs d'affirmer que la profondeur de ce phénomène littéraire n'est pas encore complètement épuisée :
« Les mêmes textes et noms d'auteurs canoniques sont entendus et en œuvre : Trakl, Benn, Heim, Stramm, Becher, Werfel, Stadler, Lasker-Schüler, Kafka, Döblin, Kaiser, Barlach, Sorge, Toller, van Goddis, Lichtenstein, Atelier, Rubiner, Leongard, Lörke. C'est peut-être tout. Les autres sont généralement appelés poetae minores. Et parmi eux se trouvent des auteurs remarquablement talentueux qui restent en dehors de la sphère de l'expressionnisme russe : F. Hardekopf, E. V. Lotz, P. Boldt, G. Ehrenbaum-Degele, W. Runge, K. Adler, F. Janowitz - ce n'est qu'un cercle voisin, et il y a des dizaines d'autres auteurs de merveilleuses anthologies expressionnistes, la série « Judgment Day » (« Der jungste Tag »), des centaines d'autres périodiques... »
Premier expressionnisme (avant 1914)
La période d'avant-guerre (1910-1914) est considérée comme la période du « premier expressionnisme » (en allemand : « Der Frühexpressionismus »), associée au début des activités des premières revues expressionnistes (« Der Sturm », « Die Aktion »). ) et clubs (« Cabaret Néopathique », « Cabaret Wildebeest »). Cela est principalement dû au fait qu’à cette époque le terme lui-même n’avait pas encore pris racine. Au lieu de cela, ils ont opéré avec diverses définitions : « Nouveau pathétique » (Erwin Löwenson), « Activisme » (Kurt Hiller), etc. Les auteurs de cette époque ne se disaient pas expressionnistes et n’ont été classés parmi eux que plus tard.
Le premier organe de presse des expressionnistes fut la revue « Der Sturm », publiée par Herwart Walden en 1910-1932. Un an plus tard paraît la revue « Die Aktion », qui publie principalement des œuvres d’expressionnistes « de gauche », proches dans l’esprit du socialisme et de « l’activisme » de Hiller. Dans l’un des premiers numéros de « Die Aktion » en 1911, le poème expressionniste programmatique de Jacob van Goddis « La fin du monde » (en allemand : « Weltende ») fut publié, ce qui apporta à son auteur une grande renommée. Il reflétait des motifs eschatologiques caractéristiques de l’expressionnisme, qui prédisaient la mort imminente de la civilisation petite-bourgeoise.
Les premiers auteurs expressionnistes ont connu diverses influences. Pour certains, la source était une symbolique créative repensée française et allemande (Gottfried Benn, Georg Trakl, Georg Heim), notamment Arthur Rimbaud et Charles Baudelaire. D'autres s'inspirent du baroque et du romantisme. Ce qui était commun à tous était une attention concentrée sur la vie réelle, non pas dans sa compréhension réaliste et naturaliste, mais en termes de fondements philosophiques. Le légendaire slogan expressionniste : « Ce n’est pas une pierre qui tombe, mais la loi de la gravité. »
Outre les magazines, les premières associations expressionnistes créatives sont apparues très tôt : le « Nouveau Club » et le « Cabaret néopathique » associé, ainsi que le « Cabaret Gnu ». Les figures les plus importantes de cette période sont Georg Heim, Jacob van Goddis et Kurt Hiller.
« Les premiers magazines et auteurs expressionnistes tels que Heim, Van Goddis, Trakl et Stadler étaient aussi peu conscients d'eux-mêmes en tant qu'expressionnistes que l'étaient plus tard Stramm ou Hasenclever. Dans les cercles littéraires d'avant la Première Guerre mondiale, des synonymes tels que « jeunes Berlinois », « néopathiques », « jeune littérature » circulaient. De plus, les jeunes mouvements progressistes étaient qualifiés de « futurisme ». Hillier a donné « activisme » comme nouveau mot de passe. En revanche, le terme étranger « expressionnisme » suggère une unité de style de l’époque ou des programmes esthétiques et sert pourtant de désignation collective à une variété de mouvements et d’avant-gardes. techniques littéraires, dont la principale caractéristique réside dans leur acuité polémique : anti-traditionalisme, anti-réalisme et anti-psychologisme.
L'un des traits caractéristiques des débuts de l'expressionnisme est son pathos prophétique, incarné le plus souvent dans les œuvres de Georg Heim, décédé dans un accident deux ans avant le déclenchement de la Première Guerre mondiale. Dans les poèmes « La guerre » et « Une grande mort arrive… », inspirés par les événements de la crise marocaine, beaucoup ont vu plus tard des prédictions d'une future guerre européenne. De plus, peu de temps après sa mort, les journaux du poète ont été découverts, dans lesquels il enregistrait ses rêves. L’une de ces entrées décrit presque exactement sa propre mort.
En Autriche, le personnage le plus important était Georg Trakl. L'héritage poétique de Trakl est petit en volume, mais a eu une influence significative sur le développement de la poésie de langue allemande. L'attitude tragique qui imprègne les poèmes du poète, la complexité symbolique des images, la richesse émotionnelle et le pouvoir suggestif du vers, l'appel aux thèmes de la mort, de la décadence et de la dégradation nous permettent de classer Trakl parmi les expressionnistes, bien qu'il l'ait lui-même fait. n'appartiennent formellement à aucun groupe poétique.
« Décennie expressionniste » (1914-1924)
L'apogée de l'expressionnisme littéraire est considérée comme 1914-1924. A cette époque, Gottfried Benn, Franz Werfel, Albert Ehrenstein et d'autres travaillèrent dans cette direction.
Une place importante dans cette période est occupée par les « poèmes de première ligne » (Ivan Goll, August Stramm, etc.). La mort massive de personnes a conduit à une montée des tendances pacifistes dans l'expressionnisme (Kurt Hiller).
En 1919 est publiée la célèbre anthologie « Le Crépuscule de l’humanité » (en allemand : « Die Menschheitsdämmerung »), dans laquelle l’éditeur Kurt Pintus rassemble sous une seule couverture les meilleurs représentants de cette tendance. L'anthologie est devenue par la suite un classique ; au XXe siècle, il fut réimprimé plusieurs dizaines de fois.
L’expressionnisme « de gauche » politiquement chargé (Ernst Toller, Ernst Barlach) est devenu populaire. A cette époque, les expressionnistes commencent à prendre conscience de leur unité. De nouveaux groupes émergent, des revues expressionnistes et même un journal (Die Brücke) continuent de paraître. Kurt Hiller devient le chef de l’aile « gauche ». Il publie les annuaires "Ziel-Jahrbücher" (allemand : "Ziel-Jahrbücher"), dans lesquels est discuté l'avenir d'après-guerre.
Certains chercheurs de l'expressionnisme s'opposent à sa division en « gauche » et « droite ». D’ailleurs, dans Dernièrement Il y a eu une réévaluation de l'importance des premiers stades du développement de l'expressionnisme. Par exemple, N.V. Pestova écrit :
« Attention accrue L'aspect politique de l'expressionnisme de la part des chercheurs s'explique plutôt par les tentatives de réhabilitation après la Seconde Guerre mondiale (dont il n'avait guère besoin) et par la tendance générale à la politisation et à l'idéologisation de l'art expressionniste. La division de l’expressionnisme entre gauche et droite ne se justifie pas et n’est pas confirmée par la pratique poétique. »
Écrivains expressionnistes
§Hugo Ball (1886-1927)
§Ernst Barlach (1870-1938)
§ Gottfried Benn (1886-1956)
§Johannes Becher (1891-1958)
§ Max Brod (1884-1968)
§ Ernst Weiss (1884-1940)
§ Frank Wedekind (1864-1918)
§ Franz Werfel (1890-1945)
§Walter Hasenclever (1890-1940)
§ Georg Heim (1887-1912)
§Ivan Goll (1891-1950)
§ Richard Huelsenbeck (1892-1974)
§Alfred Döblin (1878-1957)
§ Théodore Deubler (1876-1934)
§ Georg Kaiser (1878-1945)
§ Franz Kafka (1883-1924)
§ Klabund (1890-1928)
§Alfred Kubin (1877-1959)
§Elsa Lasker-Schüler (1869-1945)
§Alfred Lichtenstein (1889-1914)
§ Gustav Meyrink (1868-1932)
§ Minona (1871-1946)
§ Rainer Maria Rilke (1875-1926)
§Ernst Toller (1893-1939)
§ Georg Trakl (1887-1914)
§Fritz von Unruh (1885-1970)
§ Léonhard Frank (1882-1961)
§Jacob van Goddis (1887-1942)
§Kurt Schwitters (1887-1948)
§ Ernst Stadler (1883-1914)
§ Karl Sternheim (1878-1942)
§ Août Stramm (1874-1915)
§ Casimir Edschmid (1890-1966)
§ Carl Einstein (1885-1940)
§Albert Ehrenstein (1886-1950)
§Kurt Hiller (1885-1972)
§ Zénon Kosidovsky (1898-1978)
§Karel Capek (1890-1938)
§ Géo Milev (1895-1925)
Expressionnisme occupe une place particulière dans la culture allemande du premier tiers du XXe siècle. Si le développement du naturalisme et de l'impressionnisme allemands a été largement stimulé par l'influence étrangère, principalement française, alors expressionnisme alors qu'un mouvement artistique particulier émerge, conforme au système esthétique allemand et, pour la première fois après une rupture significative, commence à influencer activement l'art européen dans les premières décennies du 20e siècle.
Expressionnisme- une orientation particulière parmi les mouvements artistiques du début du XXe siècle. Sa spécificité est qu'il est émotionnel, éthique "explosion", "cri", générée par la crise profonde du début du siècle et la veille des bouleversements militaires et révolutionnaires. Cette caractéristique a été clairement reconnue à la fois par les théoriciens de la nouvelle direction et par les « activistes » ordinaires (terme utilisé parmi les expressionnistes. - T.Sh.). Parmi les précurseurs des expressionnistes, on cite généralement les dramaturges Sturm und Drang, F. Hölderlin, Kleist, Buchner, A. Rimbaud, G. Apollinaire, Husserl et Nietzsche.
Les prédécesseurs directs des expressionnistes sont généralement appelés le Néerlandais Van Gogh, le Belge Ensor et le Norvégien E. Munch (1863-1944). La gravure de ce dernier « Le Cri » (1893) pourrait être choisie comme une sorte d'emblème de ce mouvement, puisqu'elle est en fait la quintessence de l'expressivité expressionniste. Les toiles de Munch transmettent moins la réalité de l'environnement de l'artiste que des impressions sensuellement colorées. Les paysages de Munch sont inconfortables, pleins de mélancolie et de douleur. Les personnages sont tourmentés par la peur, la solitude et la mort et incarnent la souffrance et le chagrin de toute l'humanité. Dans la gravure "Le Cri", le sentiment de l'Apocalypse qui approche inexorablement est véhiculé non seulement par l'image de la figure hurlante sur le pont lui-même, mais aussi par l'ensemble du système d'organisation compositionnelle et graphique de la surface de la feuille.
Cependant, la technique même d'expression expressive à l'aide de la couleur et de la forme de certains états extrêmes de la psyché humaine, des états les plus profonds de l'âme et de l'esprit de l'humanité, se retrouve dans l'histoire de l'art depuis l'Antiquité. Les manifestes expressionnistes ont souligné à plusieurs reprises que leur mouvement internationalement et porte caractère intemporel. Des techniques d'une telle expression de soi peuvent être trouvées dans l'art africain et le gothique allemand médiéval, El Greco, Goya, Gauguin, représentants du symbolisme européen et du style Art nouveau. Comme le montrent clairement les déclarations des expressionnistes (Kazimir Edschmidt), la parenté des quêtes créatrices est réinterprétée par eux comme une parenté d'âmes, non liée ni par le temps ni par les traditions nationales : « Leurs origines ne se trouvent pas dans la génération précédente, d'où cet art est dissocié de tout. L'histoire de l'âme ne se déroule pas aussi simplement et de manière cohérente sur un tapis roulant du passé. La parenté n'est pas limitée. La tradition n’est pas une question nationale et n’est liée à l’histoire d’aucune période. L’expressionnisme a toujours existé.
Ainsi, pour les théoriciens de l'expressionnisme, ce phénomène n'est pas artistique, mais idéologique. Cela se manifeste partout où de grandes choses se produisent. révolutions spirituelles. Ce n'est pas un hasard si nombre de leurs représentants étaient des espérantistes. Les désastres de la Première Guerre mondiale ont semé le doute sur la possibilité de progrès et ont exacerbé la crise de conscience publique. Les chercheurs ont noté que le mouvement qui s'est développé et renforcé pendant la guerre a été créé par la jeunesse allemande qui, avant la guerre et avant la révolution, aspirait à une purification spirituelle. Les œuvres des expressionnistes se caractérisent avant tout non pas par un pathos politique, mais par un pathétique humain universel, même si en général cet art se conçoit lui-même comme c'est rebelle, anti-bourgeois. Pathétique un nouveau mouvement artistique a été déterminé souvent avec une explosion émotionnelle, une rébellion contre les normes morales coutumières et établies et les institutions publiques et sociales - le système politique et gouvernemental, l'injustice et la cruauté de l'existence humaine. Les représentants de ce mouvement espéraient la renaissance spirituelle et l'unification de l'humanité qui a survécu aux tranchées de la Première Guerre mondiale ; ils voulaient changer l'homme, contribuer à son émergence ; nouveau, spirituellement libéré personne:
«Il y avait un sentiment renouvelé que le lien qui unissait l'Europe et scellé par la guerre était si fort que pour ses habitants il n'y aurait désormais d'autre destin que le destin commun, et que l'apparition du nouveau monde émergeant de ses cendres ne serait ni russe, ni allemand, ni latin, mais que cette partie du monde allait désormais donner naissance, des brumes sanglantes, à ce « je » humain, qui grandirait dans les millénaires à venir, se développerait, créerait une culture, jouirait, souffrirait. et meurs encore. Ce qui se prépare n’est pas l’ère de la technologie où ceux qui sont intoxiqués par leur découvertes du XIX siècle, mais l’âge de l’esprit, où l’homme plantera de ses propres mains un jardin pieux sur la terre.
Nous pouvons à juste titre qualifier l’expressionnisme allemand de mouvement le plus « humaniste » du début du XXe siècle. Quand nous parlons d’expressionnisme, nous n’entendons pas seulement et pas tellement un mouvement artistique. Comme il l'a dit à juste titre Ivan Goll(1891 -1950), nous entendons « un état d'esprit qui s'est étendu, comme une épidémie, à tous les types d'activité intellectuelle : non seulement à la poésie, mais aussi à la prose, non seulement à la peinture, mais aussi à l'architecture et au théâtre, musique et science, enseignement universitaire et réforme lycée» .
Le début de l'activité artistique des expressionnistes est considéré comme la formation par des artistes allemands en 1905 à Dresde du groupe « Bridge » (« Die Braiske »). Ils prônaient des formes simples, des rythmes nouveaux et des couleurs riches. Il comprenait E.L. Kirchner, E. Heckel, E. Nolde, O. Müller et M. Pechstein, après avoir déménagé à Berlin, ce groupe s'est dissous. En 1911, la deuxième association expressionniste est créée à Munich : le groupe Blue Rider (Der Blaue Reiter). Parmi ses figures figurent Franz Marc, August Macke, Wassily Kandinsky, Paul Klee et d'autres.
Il convient de noter la composition internationale de ce groupe, d'autant plus importante que l'Europe de cette époque était déjà plongée dans une frénésie nationaliste d'avant-guerre. Les expressionnistes voulaient détruire toutes les barrières existantes entre les hommes afin de trouver quelque chose de commun dans l'essence spirituelle de l'humanité qui servirait à l'unification universelle des hommes. Un rôle important dans le développement des principes esthétiques du nouveau mouvement a été joué par la pratique artistique des artistes russes, en particulier V. Kandinsky, qui tentaient de libérer l'image du pouvoir de l'objet. C'est son image du Cavalier Bleu qui figurait sur la couverture de l'almanach du même nom, qui contenait les déclarations programmatiques des expressionnistes.
Le contenu sémantique du terme « expressionnisme » est caractéristique. Il vient du français « expressionisme expression », « expressivité » et du latin « expressio » - « expressivité », « le pouvoir de manifestation de l'expérience sensorielle ». Du coup, pour les expressionnistes, « l’impression extérieure » était réprimée. "expression" de l'idée de l'auteur, les positions et l'image de la réalité ont été remplacées expression de l'individualité, le monde spirituel du créateur. Niant la passivité et l'esthétisme de la plupart des mouvements artistiques du tournant du XXe siècle, les représentants du mouvement en question se considéraient comme responsables du sort de l'humanité. Une caractéristique spécifique des manifestes et de la pratique créatrice des expressionnistes était le rejet délibéré de toute la tradition artistique antérieure, si peu caractéristique de la pensée esthétique allemande. Rejetant le cadre et les normes de vie habituels et étroits, les représentants de l'intelligentsia créatrice allemande rejettent également l'art du passé, s'il n'a qu'une valeur esthétique. Durant les années de crise d’avant-guerre, de guerre et de révolution, la moralité, la religion et l’esthétique coutumières ont « explosé ». Les représentants de ce mouvement ont vu leur tâche dans révélant l'essence de l'existence, négligeant les détails, les demi-teintes, « l'apparence » : « …L'espace tout entier de l'artiste expressionniste devient une vision. Il ne regarde pas – il regarde. Il ne décrit pas – il sympathise. Il ne réfléchit pas, il dépeint. Il ne prend pas, il cherche. Et maintenant, il n’y a plus de chaîne de faits : usines, maisons, maladies, prostituées, cris et faim. Il n'y en a qu'une vision, un paysage d'art<...>Tout devient lié à l’éternité… »
L'histoire de l'émergence du terme lui-même dans la critique littéraire est couverte de manière ambiguë. Certains chercheurs le considèrent comme l'auteur de Wilhelm Worringer, critique d'art, auteur des célèbres ouvrages « Abstraction et empathie » (1911) et « Problèmes de forme ». art gothique" Ces œuvres posent d’une manière nouvelle la question de l’essence de l’art. Du point de vue de Worringer, dans les époques de crise de l’existence, naît toujours une attitude méfiante d’une personne envers le monde, à la suite de laquelle naît un art qui refuse de représenter le concret incompréhensible et hostile de la vie. L'abstraction à tous les niveaux de représentation artistique devient une caractéristique déterminante du style :
"Les heureuses possibilités de l'art consistaient... à arracher l'objet du monde extérieur à sa contingence arbitraire apparente, à le perpétuer en se rapprochant de la forme abstraite et à trouver ainsi la paix."
Dans le chaos de la vie quotidienne et les catastrophes mondiales, du point de vue de Worringer, seules les formules mathématiques et les impulsions de l’esprit humain restent inébranlables. C'est ainsi que naît le célèbre "l'art des lignes droites": Le gothique et les pyramides « sont nés de la disharmonie du monde extérieur ». La critique a souligné à plusieurs reprises l’influence fructueuse de l’esthétique expressionniste sur l’art théâtral et cinématographique mondial. Des contrastes simples et révélateurs de noir et blanc, de lumière et d'obscurité, des lignes géométriques coupant les plans, les paysages et l'espace ont été utilisés avec beaucoup de succès dans le cinéma muet. Un mouvement unique, le « Caligarisme », est même apparu, tirant son nom du film acclamé du réalisateur Robert Wiene « Le Cabinet du docteur Caligari » (1919). Tout le système visuel du film reposait sur l'utilisation unique de détails et de figures géométriques simples : verticales, diagonales, triangles, etc. Même les images de héros étaient associées aux personnages correspondants. L'esthétique de l'expressionnisme allemand a été utilisée par Sergueï Eisenstein lors de la création des films Cuirassé Potemkine et Ivan le Terrible.
Comme le souligne à juste titre N.S. Pavlova, « dans l'expressionnisme, la vie n'est plus perçue directement. Elle n’est perceptible que comme sujet d’interprétation, de réflexion difficile de l’artiste. Ceci est confirmé par le discours d'ouverture de Casimir Edschmid (Eduard Schmid), prononcé le 17 décembre 1917, « L'expressionnisme dans la poésie ». Dans une frénésie polémique, l'auteur soutient que même l'image d'une simple maison ordinaire sous la plume d'un expressionniste perd son caractère concret. De l’attribut de l’existence humaine, « libérée de la dépendance moisie de la réalité », la maison apparaît dans son « essence de l’essence ». L'artiste est appelé à révéler sens caché, le but caché et le but des choses. En conséquence, une déformation de l'objet représenté est possible afin d'atteindre l'objectif. Ainsi, la maison, « même au risque de son apparence habituelle », « sera prête à révéler son caractère jusqu’à ce qu’elle s’envole ou s’effondre, jusqu’à ce qu’elle se mette à bouger ou se fige, jusqu’à ce que tout ce qui y dort s’accomplisse ».
Ce n'est pas un hasard si la dramaturgie de l'expressionnisme est inscrite dans l'histoire de la littérature sous le nom "crier des drames" La déformation qu'il contient couvre non seulement la conception scénique des spectacles, mais l'essence des images elles-mêmes, les lois de la grammaire du langage. L'idée de l'auteur devient la norme régulatrice de l'expression expressionniste. Selon Edschmead, sujet de l'image dans l'art, il ne devrait pas y avoir de héros pensant, mais processus de réflexion. C'est cette approche, et le point de vue des théoriciens de l'expressionnisme, qui « disciplinent la structure » de l'œuvre : « Les phrases s'inscrivent dans le rythme différemment de ce qui se fait habituellement. Ils sont soumis à la même intention, au même flux d’esprit, ne donnant naissance qu’au vrai. Ils sont à la merci de la mélodie et de la création de mots, mais cela n'a pas de fin en soi. Les phrases réunies en une longue chaîne unique servent l'esprit qui les façonne<...>De même, la parole reçoit un pouvoir différent. Le descriptif, aspirant l'objet de toutes parts, disparaît. Il n'y a plus de place pour lui. Le mot est devenu une flèche. Il frappe l'intérieur de l'objet et s'en inspire. La véritable image de la chose se cristallise<...>L'adjectif se confond en un seul alliage avec le porteur de la pensée verbale. Cela ne devrait pas non plus décrire. Il doit exprimer l’essence, et seulement l’essence, de la manière la plus concise. Et rien de plus" .
En relation avec ce qui précède, l'importance croissante du symbole dans le système artistique de l'expressionnisme et, par conséquent, l'appel aux sujets et aux images mythologiques, bibliques et grecs anciens, devient claire.
Le cadre chronologique de l'expressionnisme en tant que mouvement est assez étroit et sans commune mesure avec l'influence qu'il a eu sur la pensée artistique du XXe siècle. - environ de 1910-1912 à 1924-1925. Cependant, la durée de vie de ce flux peut être divisée en trois étapes. Le premier est associé à la période de sa conception - du début des années 1910 à la Première Guerre mondiale. C'est l'apogée des paroles expressionnistes. L'essence et le nerf de la vision expressionniste du monde s'exprimaient dans les genres poétiques de cette époque. En 1919, les célèbres anthologies de poésie expressionniste « Crépuscule de l'humanité » (« Menschheitsdammerung ») et « Camarades de l'humanité » (« Kameraden der Menschheit ») furent publiées, brûlées en 1933 par les nazis et republiées telles quelles comme les documents les plus importants de l'histoire. ce mouvement vibrant. Les titres des collections eux-mêmes sont ambigus. Comme on le sait, le monde était perçu par les expressionnistes selon une sorte de dialectique : il est non seulement en train de périr, mais aussi capable de se renouveler. Le crépuscule sera certainement suivi par l’aube d’une humanité spirituellement renaissante.
La deuxième étape - les années de guerre et de révolution (1914-1923) - est l'apogée du théâtre et de la prose, la moins développée selon cette tendance. En 1917, presque simultanément, paraissent deux œuvres phares de l’expressionnisme : le célèbre livre de nouvelles de Leonhard Frank « A Good Man ! » (« DerMensch ist gut ! ») et le programme de l'éminent théoricien de l'expressionnisme de gauche Ludwig Rubiner « L'homme au centre » (« Der Mensch in der MSe »). Les noms mêmes de ces œuvres soulignent l'aspiration humaniste. de l'expressionnisme et de son pathos anti-guerre.
La dernière étape de l'expressionnisme est 1923-1925, une période de fermentation, une transition vers d'autres positions esthétiques. Ce n'est que dans le théâtre que les principes développés par l'expressionnisme continuent d'être mis en œuvre avec succès.
Dans l'histoire de la formation et de l'épanouissement de l'expressionnisme, deux associations ont joué un rôle particulier. En 1910, le magazine commence à paraître à Berlin "La Tempête" ("Der Sturm"), l'éditeur Gerhart Walden, qui a réuni autour de lui de nombreux écrivains et artistes talentueux (August Stramm, Rudolf Blumner, etc.). Les figures de ce groupe se concentraient principalement sur problèmes artistiques, considérant l’art comme un phénomène intrinsèquement précieux et autonome.
Depuis 1911, une autre revue et une autre association débutent leurs activités dont le nom est "L'action" reflète leur essence - « Action ». La tâche centrale des « activistes » est d’affirmer la signification sociale de l’art. C'est dans la lignée de cette association que le célèbre slogan a été entendu pour la première fois : « L'homme au centre ! L'activité accentuée de la position humaniste a incité G. Mann à collaborer avec les expressionnistes de gauche. Parmi les participants de cette association figurent des personnalités aussi marquantes que Johannes Becher, Ernst Toller, Rudolf Leonhard. Les associations « Sturm » et « Aktsion » étaient constamment controversées, mais les mêmes auteurs étaient souvent publiés dans les deux publications. Par la suite, les destins des expressionnistes divergent à bien des égards. J. Becher et F. Wolf, R. Leonhard sont devenus communistes, L. Frank, G. Kaiser, A. Zweig, E. Toller, W. Hasenclever sont devenus antimilitaristes et antifascistes, E. Muhsam anarchiste, F. Werfel pacifiste, antifasciste catholique A. Deblin. Et seul G. Noet, ayant abandonné les idéaux humanistes, prend le parti du fascisme.
Comme nous l’avons déjà noté, l’expressionnisme littéraire a commencé dans les œuvres de plusieurs poètes éminents. Ce Georg Trakl, 1887-1914), Georg Heim, 1887-1912), sinon Lasker-Schuler, 1869-1945), Ernst Schtadler (1883)-1914) et d'autres ont été grandement influencés par l'expérience du symbolisme français - Baudelaire, Verlaine, Mallarmé, Rimbaud. Comme l’écrit à juste titre N.S. Pavlova, Trakl et Geim ont introduit dans la poésie autrichienne et allemande ce que l'on peut appeler « métaphore absolue » : « Ces poètes n'étaient plus engagés dans la représentation figurative de la réalité - ils créaient une « seconde réalité » 1. Un exemple typique à cet égard est le poème Traklya "Paix et silence" dont le symbole central est les « funérailles du soleil » dans le monde mort (« forêt nue »). Le sentiment de l'inévitabilité d'une catastrophe est renforcé par le fait que le soleil est enterré par les bergers (« bergers »), ceux qui sont appelés à le rencontrer et à le protéger. Les images de bergers évoquent généralement des associations bibliques de bonheur, mais ce sont ces gens qui enterrent l'espoir de l'humanité (« le soleil »), et le pêcheur (également une image évangélique) d'un étang mort attrape le « mois » (ou la lune), qui dans de nombreuses mythologies du monde est associé à la mort et à la décadence :
Les bergers ont enterré le soleil dans la forêt nue. Pêcheur
J'ai sorti un mois d'un étang gelé avec un filet à cheveux.
Un homme pâle vit dans un cristal bleu, pressant sa joue
à tes étoiles.
Ou bien il baisse la tête dans un rêve violet.
Et ceux qui regardent sont à jamais touchés par le troupeau noir des oiseaux, la sainteté fleurs bleues Un signe avant-coureur du silence prochain de l’oubli, des anges disparus.
De nouveau, le front se transforme en pétrification lunaire.
Jeunesse brillante, sa sœur apparaît en plein automne et
carie noire.
(Traduction de A. Nikolaev // Trakl Georg.
Chanson du pays du coucher du soleil. M., 1995)
Comme le dit N.S. Pavlova, « La métaphore de Trakl embrasse le monde entier, recrée son état ; l’essence et l’essence sont mises en évidence, présentées visiblement. Dans l’œuvre des expressionnistes, tant en poésie qu’en peinture, il y a de véritables idées et des prévisions étonnantes. Le célèbre paysage apocalyptique de Ludwig Meidner apparaît bien avant la Première Guerre mondiale. En 1911, un poème d'un défunt fut publié Georg Heim (1887)-1912) « Guerre », dont les images visibles et pittoresques s'appuient non seulement sur des allusions bibliques (l'intrigue de la mort de Sodome et Gomorrhe), mais aussi sur des réminiscences picturales bien connues. Le lecteur voit littéralement le tableau « Colosse » de F. Goya (1808-1812), réalisé pendant les guerres napoléoniennes en Espagne.
Celui qui dormait profondément s'est réveillé.
Au réveil, il quitta le sous-sol voûté,
Il est sorti et s'est tenu, immense, au loin,
Couvert de fumée, le mois tenait dans sa main.
Il lâche un chien fougueux sur le terrain.
Les forêts sont pleines de bruits et d'aboiements.
Les ombres sautent sauvagement, se précipitent dans la lumière,
Le reflet de la lave lèche et ronge leurs bords.
Dans la fumée jaune, la ville est blanche comme un drap,
Un instant, regardant l'abîme, il se jeta au fond.
Mais il se tient devant la panne, déchirant la fumée,
Celui qui brandit sa torche vers le ciel.
Et dans l’éclair des éclairs, dans le clin d’œil des nuages.
Il y avait des racines sous les crocs,
Des clairières de cendres à un kilomètre à la ronde,
Il envoie du soufre à Gomorrhe de mains généreuses.
(Traduction de B. Pasternak // Poésie étrangère en traductions de B. Pasternak. M., 1990)
Les poèmes de Geim se caractérisent par une précision étonnante du sujet, atténuant la tristesse des images apocalyptiques et le sentiment d'horreur désespérée à l'heure de la mort de l'humanité, se jetant volontairement dans l'abîme d'une guerre future.
Le thème anti-guerre devient le thème phare de l'œuvre des poètes expressionnistes. C’est naturel, puisque la guerre a non seulement fait irruption dans leur vie, mais l’a également brisée et, pour beaucoup, l’a interrompue. Ainsi, l'un des poètes expressionnistes les plus éminents, Georg Trakl, n'a pas pu se remettre du traumatisme mental causé par sa participation à des événements militaires et s'est suicidé en prenant une dose excessive de drogue. Cependant, ils décrivent la guerre non pas de manière concrète, mais dans de vagues images symboliques et grandioses. Dans la préface de l'anthologie The Twilight of Humanity, le critique Curt Pintus note : « Même la guerre, la guerre qui a détruit nombre de ces poètes, n'est pas racontée de manière matériellement réaliste : elle est toujours présente comme une vision, enfle comme une l'horreur universelle, s'étend comme un mal inhumain" 1 .
Ils comparent la guerre à une catastrophe naturelle inexplicable, à un tremblement de terre, à une catastrophe naturelle qui fait rage, à une « nuit éternelle » qui s’abat sur l’Europe. Dans les poèmes de l'un des poètes les plus intéressants de cette période, A. Ersnshtsin, l'image d'un gigantesque ruisseau sanglant balayant le monde, une « mer sanglante » apparaît, parmi laquelle l'humanité perdue « erre », « stupéfiante » (« murs sont comme des vagues, les maisons sont comme des vagues »).
L’époque de l’essor du drame expressionniste coïncide avec la fin de la Première Guerre mondiale. Le thème anti-guerre détermine son contenu, ainsi que le contenu de la prose. En 1919, presque simultanément, furent mises en scène des pièces considérées comme le summum du drame expressionniste. Il s'agit de « Gas » de Georg Kaiser (1878-1945), l'un des écrivains les plus marquants de ce mouvement, « Kind » de Fritz von Upru (1885-1970), « Metamorphosis » d'Ernst Toller (1893-1939), « Antigone » de Walter Hasenklsvsr . En 1919, le Théâtre Tribune, spécialement adapté à la production de drames expressionnistes, ouvre ses portes. Le manifeste consacré à l’ouverture de cette scène indiquait clairement la vocation du nouveau théâtre : « Pas une scène, mais une chaire ». Ce slogan exprime clairement la position active de la majorité des expressionnistes, qui voyaient dans le théâtre avant tout un moyen d'influence idéologique.
L’élément le plus important de tous les drames expressionnistes est le cri généré par une vision apocalyptique du monde. Le cri était censé réveiller les masses du sommeil moral ; le cri exprimait les réactions et les sentiments instantanés des personnages. « Une telle réduction de l’expérience à un cri laisse caractéristique principale nouveau drame. La réalité apparaît aux auteurs de pièces de théâtre comme une sorte d'abstraction, et ils s'isolent dans le subjectivisme. Tout ce que les expressionnistes aspiraient à réaliser, c’était l’indépendance de l’art. Ils percevaient l'abstraction de la réalité comme un progrès esthétique qui, associé à une position sociale marginale, conduisait à la solitude et à une sorte d'émigration interne », affirme à juste titre l'Encyclopédie de l'expressionnisme. Pas par hasard derrière œuvres dramatiques expressionnistes, une caractéristique si révélatrice a été fixée - "crier drame" Dans la critique littéraire allemande, il existe une désignation tout aussi précise pour de telles œuvres, indiquant la source de tension morale dans ces pièces - « Ich-Drama » (drame du « moi lyrique »). Monde de la personnalité déchiré, déchiré et confus - un objet d'attention constante de la part des expressionnistes. Dans tous les drames expressionnistes, nous sommes confrontés à un détachement par rapport à des événements et des circonstances spécifiques de la réalité. Les mises en scène de leurs pièces sont caractéristiques à cet égard : « Le moment est venu aujourd'hui. Le lieu est le monde" ; « Le temps est mythique ; lieu - Mycènes - Olympe - « royaume des morts" Les expressionnistes s'intéressaient à l'homme à un moment de tension exceptionnelle de toutes ses forces morales, où tout ce qui était quotidien, privé, quotidien s'éloignait et où l'humanité éternelle et universelle apparaissait au grand jour. Pas par hasard l'un des personnages les plus courants des drames expressionnistes est le prophète , Messie , martyr et rédempteur de tous les péchés de l'humanité.
L'un des dramaturges les plus marquants de ce mouvement fut Walter Hasenclewer 1890 -1940), dont la pièce « Le Fils » (« Der Sohn ») lui apporta un succès extraordinaire en 1914 et ouvrit avec sa mise en scène « la plus belle heure » du drame expressionniste. Le conflit de la pièce est basé sur la lutte de deux générations - pères et enfants - un conflit caractéristique du drame allemand, à commencer par le drame des Stürmsr, et l'un des principaux des pièces expressionnistes. Un trait caractéristique de cette œuvre de Hasenclever est qu'il résout ce conflit non pas dans l'esprit de complexes freudiens, comme chez la plupart des expressionnistes, mais comme un affrontement entre la jeunesse progressiste et l'ancien ordre réactionnaire.
L'un des drames les plus marquants de Hasenclever, et de toute la dramaturgie expressionniste, est « Antigone » (« Antigone », 1917, publié en 1920),écrit au plus fort de la Première Guerre mondiale et mis en scène pour la première fois dans un bâtiment de cirque aménagé spécialement pour ce spectacle, pouvant accueillir jusqu'à trois mille personnes. La pièce de Hasenclever se distingue par une rébellion passionnée et un journalisme franc ; c'est un appel à une réorganisation révolutionnaire, mais surtout d'un point de vue moral, du monde. L'alignement politique des forces de classe est extrêmement exposé, les accents historiques semblent si précis que le spectateur et le lecteur détermineront sans équivoque le lieu de l'action - l'Allemagne, le moment de l'action - l'apogée de la Première Guerre mondiale et les éléments pré-révolutionnaires. Antigone de Hasenclever (version Messie) se sent comme la Mère de l'humanité, perdue et faible, mais digne de salut. Nous avons devant nous une symbiose intéressante entre un complot ancien et la tradition humaniste chrétienne. Le thème chrétien d’Antigone a aussi sa spécificité particulière. Le chemin du martyre chrétien, le chemin apostolique, est préparé non seulement pour la Mère éternelle Antigone, mais aussi pour toute l'intelligentsia - porteuse, selon Hasenclever, d'un principe spirituel élevé, parfois inaccessible à l'entendement de la foule. Le succès de la révolution spirituelle ne peut dépendre, selon le dramaturge, que de l'exploit moral de l'intelligentsia. L'idée de révolution de Hasenclever est très vague, comme le prouvent les scènes finales de la tragédie. Le départ du tyran Créon plonge la foule dans la confusion et la peur, les gens sont prêts à détruire et à voler. Seule la perspicacité mystique (un attribut indispensable des drames expressionnistes) arrête la nature rampante. L'image du peuple, des masses, typique des expressionnistes, occupe une place particulière dans la poétique de la pièce. Ce n'est pas un hasard s'il est sur la liste personnages« Le peuple thébain » est mis en première place. La pièce regorge de scènes de foule et d’effets de scène conçus pour la participation d’un grand nombre de acteurs. L'arène du cirque est l'endroit le plus approprié pour une telle action. La messe est dirigée par un héros-prédicateur, captivant la foule par son discours enflammé. Dans la pièce, c'est Antigone.
Possédant toutes les caractéristiques d'un drame expressionniste (changement rapide de scènes, de « visions », de détails, de « cadres », l'intensité des impulsions globales), l'œuvre de Hasenclever présente également au public l'effet d'une « explosion » morale instantanée - l'épiphanie du tyran Créoit. Comme le romain Néron, qui ordonna de mettre le feu à sa propre ville, sans dédaigner les meurtres et les crimes, le héros en un clin d'œil, à la vue du cadavre de son propre fils, commence à voir clair et dépose volontairement le les insignes royaux, quittent le palais, entamant le chemin de la purification morale. L'œuvre de Gazenklsvsr est de nature journalistique et incarne les meilleures tendances du drame expressionniste, et présente également une caractéristique pédagogique caractéristique de toute la littérature allemande, en dans le meilleur sens ce mot est une tendance moralisatrice qui s'est manifestée si clairement dans la dramaturgie de l'une des figures les plus marquantes de la culture allemande du XXe siècle. - Bertolt Brecht.
LITTÉRATURE
Appeler un chat un chat : discours d'ouverture des maîtres de la littérature d'Europe occidentale du XXe siècle. M., 1986.
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- (de l'expression latine expressio), une direction qui s'est développée dans l'art et la littérature européennes au milieu des années 1900 et 20. Né en réponse à la crise sociale la plus aiguë du premier quart du 20e siècle. (y compris le premier guerre mondiale 1914 18 et... ... Encyclopédie des arts
Expressionnisme (architecture)- Architecture expressionniste de la Première Guerre mondiale et des années 1920 en Allemagne (« expressionnisme de brique »), aux Pays-Bas (école d'Amsterdam) et dans les pays voisins, caractérisée par une distorsion des formes architecturales traditionnelles dans le but de ... ... Wikipedia
LITTÉRATURE ET MYTHES- L'interaction constante entre L. et m se produit directement, sous forme de « transfusion » du mythe dans la littérature, et indirectement : à travers beaux-Arts, rituels, fêtes folkloriques, mystères religieux et, au cours des derniers siècles, à travers les sciences... ... Encyclopédie de la mythologie
Littérature et expressionnisme- Le nouveau système de moyens d'expression développé par l'expressionnisme, en raison de son hétérogénéité, a échappé dès le début aux définitions claires (I. Goll* : « Non pas le style, mais la coloration de l'âme, qui n'a pas encore succombé aux techniques littéraires. .. ... Dictionnaire encyclopédique de l'expressionnisme
Expressionnisme- (de l'expression latine expressio) une direction qui s'est développée dans l'art et la littérature européennes d'environ 1905 aux années 1920. Elle est née en réponse à la crise sociale la plus aiguë du premier quart du XXe siècle. (y compris la Première Guerre mondiale et les suivantes... ... Grande Encyclopédie Soviétique
Expressionnisme (cinéma)- Image tirée du film « Le Cabinet du Docteur Caligari » (1920) Expressionnisme dominant direction artistique dans le cinéma allemand 1920-25 Les principaux représentants sont F.W. Murnau, F. Lang, P. Wegener, P. Leni. Dans le moderne... ... Wikipédia
Expressionnisme- (de l'expression latine expressio, identification) direction vers l'Europe. revendication ve et litre, apparue dans les premières décennies du 20e siècle. en Autriche et en Allemagne, puis s'est propagée partiellement à d'autres pays. La formation d'E. en peinture et en littérature a conduit à... ... Encyclopédie de la musique
expressionnisme- (latin expressio - expression), style artistique dans l'art du modernisme, apparu dans les années 1910. a remplacé l'impressionnisme et s'est répandu dans la littérature d'avant-garde. L'émergence du style est associée à l'apparition dans la culture germanophone... ... Encyclopédie littéraire
Expressionnisme- (du latin expressio expression, révélateur), mouvement artistique dans l'art occidental. L'expressionnisme est apparu et a connu son plus grand développement dans le cinéma allemand en 191525. L'émergence de l'expressionnisme est associée à l'aggravation des inégalités sociales... ... Cinéma : Dictionnaire encyclopédique
Livres
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Développement de l'expressionnisme dans la littérature
Table des matières
Introduction
1. Conditions préalables à l'émergence de l'expressionnisme. Lien avec la tradition littéraire
2. Principales caractéristiques de l'expressionnisme. Leur manifestation dans les paroles
3. L'expressionnisme dans la littérature allemande d'après-guerre
Conclusion
Introduction
L'expressionnisme en tant que mouvement littéraire est né et a atteint son point de développement le plus élevé au début du XXe siècle, étant « l'expression artistique de la conscience confuse de l'intelligentsia allemande pendant la période de la Première Guerre mondiale et des bouleversements révolutionnaires »1. L'atmosphère d'agression générale, les préparatifs de guerre, la concurrence féroce sur le marché mondial, l'industrialisation rapide, le chômage, la pauvreté - tout cela s'est transformé en amertume, confusion, vague désir des idéaux classiques de bonté et de beauté à jamais disparus, sensibilité accrue, aigu le rejet, le dégoût pour tous les horreurs, les cruautés et les passions indignes qui bouillonnaient dans l'arène de l'histoire mondiale. La crise historique a donné naissance à une vision du monde de crise, qui a trouvé son expression la plus complète. Un critique littéraire allemand, contemporain des expressionnistes, écrit à propos de la jeune génération de poètes de ce mouvement : « Les jeunes n'ont pas peur d'une condamnation inconditionnelle de l'Allemagne, de l'esprit allemand et de la culture allemande ; manque de sentiment patriotique, présentant les États hostiles à l'Allemagne comme un modèle digne d'expression. Ils n'ont besoin que de changements fondamentaux qui nous libèrent de la tradition. Elle veut appeler à l'action le respect de l'âme, la foi dans l'absolu et surtout le rédempteur. pouvoir de l'amour pour le prochain." Autrement dit, la protestation et le rejet de la réalité par les expressionnistes n’étaient pas simplement un geste de désespoir impuissant. L'expressionnisme se bat courageusement pour « la valeur des idées qui avaient autrefois un sens pour le monde, mais qui semblaient n'être qu'une pensée vaine et amusante. Il se sent appelé à être un juge et se bat pour des objectifs moraux. culture décadente, qui suscitait jusqu’à récemment l’admiration. Selon les critiques allemands, cette époque peut être considérée comme le point de départ littérature moderne, son développement dans diverses directions. Parmi les mouvements d’avant-garde du début du siècle, c’est l’expressionnisme qui se distingue par « le sérieux de ses intentions. Il contient moins de cette bouffonnerie, de cette supercherie formelle et de ce côté choquant qui caractérisent, par exemple, le dadaïsme. »
1. La naissance de l'expressionnisme. Expressionnisme et tradition
Durant la période 1910-1925. En Allemagne, une nouvelle génération de poètes et d'écrivains s'est déclarée de manière décisive, s'efforçant de mettre en œuvre les transformations révolutionnaires dans le domaine de la culture promises et non réalisées, selon eux, aux naturalistes. Tous n’étaient pas explicitement expressionnistes, même si c’est le nom sous lequel ils sont devenus connus depuis la Première Guerre mondiale. Après 1945, ce mouvement est redécouvert et a un fort impact sur l'art contemporain. La situation politique et culturelle du tournant du siècle ressemble à celle critiquée par les naturalistes. D’où vient le nouveau mouvement ?
On pense que la raison de l'émergence de l'expressionnisme était précisément le fait que rien n'a changé en Allemagne pendant longtemps et que les naturalistes ne pouvaient plus rien dire de nouveau en littérature. "La stabilité relative était perçue par les expressionnistes comme une existence dénuée de sens. Ils ne critiquaient pas des conditions ou des phénomènes spécifiques, mais l'immobilité, l'improductivité de la pensée et de l'action en général." Beaucoup ont décrit leurs souffrances et leur désir d’un monde plus parfait. Et l’aliénation de son époque est devenue une « crise d’existence » et a conduit à une réflexion sur soi. Le conflit entre « pères et fils », l’isolement, la solitude, le problème de se retrouver, le conflit entre enthousiasme et passivité sont devenus les thèmes préférés des expressionnistes. Les expressionnistes percevaient la stagnation spirituelle comme une crise de l'intelligentsia - artistes, poètes. Selon eux, l'esprit et l'art doivent changer la réalité.
Les expressionnistes se fixent des objectifs ambitieux. Le terme « expressionnisme », utilisé pour la première fois par Kurt Hiller en 1911 à propos de la littérature et servant initialement à délimiter l'avant-gardeisme, était suffisamment étroit pour désigner un tel mouvement. Il ne s’agissait pas seulement d’un nouveau style, mais d’un nouvel art : « L’impressionnisme est une doctrine du style, l’expressionnisme comme manière d’expérimenter, une norme de comportement qui embrasse toute la vision du monde »5.
L’esthétique de l’expressionnisme s’est construite, d’une part, sur le refus de toutes les traditions littéraires antérieures. « L’expressionnisme s’écarte délibérément de la direction à laquelle ont adhéré non seulement la poésie allemande, mais aussi tout l’art des peuples culturels d’Europe et d’Amérique du XIXe siècle. »6
Polémique avec les partisans du naturalisme, E. Toller écrit : « L'expressionnisme voulait plus que la photographie... La réalité doit être imprégnée de la lumière des idées. » Contrairement aux impressionnistes, qui enregistraient directement leurs observations subjectives et leurs impressions de la réalité, les expressionnistes essayaient de peindre l'apparence de l'époque, de l'humanité. Ils rejetaient donc la vraisemblance, tout ce qui était impérial, luttant pour l'universel cosmique. Leur méthode de typification était abstraite : les œuvres révélaient des schémas généraux des phénomènes de la vie, tout ce qui était privé et individuel était omis. Le genre dramatique s'est parfois transformé en traité philosophique.
Contrairement au drame naturaliste, l’homme dans la dramaturgie expressionniste était libre de l’influence déterministe de l’environnement. Mais tout en rejetant résolument les formes et les motifs artistiques traditionnels dans leurs déclarations, les expressionnistes perpétuent en réalité certaines des traditions de la littérature antérieure. A cet égard, les noms de Buchner, Whitman, Strindberg sont mentionnés. Pavlova dit que les premiers recueils de paroles expressionnistes sont encore largement liés à la poésie de l'impressionnisme, par exemple les premiers livres de Georg Trakl, l'un des poètes les plus importants des débuts de l'expressionnisme. La critique a souligné à plusieurs reprises le lien entre la subjectivité de l'expressionnisme et l'esthétique de Sturm und Drang, avec le romantisme, l'inspiration passionnée de Höldering, Graabe et la manière verbale de Klopstock. Le passage de l’impressionnisme à l’expressionnisme est considéré comme un retour à l’idéalisme, comme c’était le cas en 1800. « L’ère de la « tempête et du stress » est également apparue. À cette époque, comme aujourd’hui, un besoin métaphysique longtemps bloqué a fait son apparition. »7.
Dans le livre "Impressionnisme et expressionnisme", O. Walzel tente de mesurer tout développement et tout changement (dans la littérature des années 1910-1920) à l'aide de l'exemple de Goethe. « L’ancêtre du réalisme », Goethe s’appuie en même temps sur la philosophie idéaliste de son époque. Et les paroles dans lesquelles il a montré la voie à l'art peuvent sembler anticiper les devises des expressionnistes, surtout si elles sont sorties du contexte de l'époque. En termes de contenu spirituel, cette époque a commencé au 20e siècle. O. Walzel le considère comme beaucoup plus proche de Goethe que le milieu et la fin du XIXe siècle. Il a été à nouveau évalué et s'est vu attribuer un droit absolu à l'existence. Il est vrai que la connaissance n’était plus l’objet des aspirations de l’humanité. Si la tragédie de Faust est enracinée dans la conscience de l’impossibilité de connaître la vérité, alors la « nouvelle souffrance tragique faustienne » est devenue l’incapacité de rendre véritablement l’humanité heureuse. « Le vrai problème de Faust aujourd’hui est le suivant : comment une personne peut-elle parvenir à un tel ordre spirituel qui garantirait les prétentions d’un véritable champion de la culture. »
Les âmes faustiennes d'aujourd'hui (expressionnistes des années 20) recherchaient une nouvelle forme de moralité publique, libératrice des maux douloureux de la modernité, de l'horreur dans laquelle était tombé le monde. Les poètes sont à nouveau passés de contemplatifs à confesseurs. Ils ont envahi le domaine de la métaphysique, ils ont voulu apporter au monde une nouvelle vision du monde née de grandes souffrances.
Les expressionnistes eux-mêmes n'ont pas parlé de leur lien avec Goethe, bien qu'ils se soient retrouvés dans la religiosité primitive des Égyptiens, des Assyriens, des Perses, des artistes gothiques de Shakespeare et du vieil allemand. Dans le classicisme allemand, il y a aussi une exagération des sentiments. Il s'agit de M. Grunewald avec sa forme gothique et du maître allemand original A. Durer. A. Dürer a créé une sorte de « portrait en colère », donnant aux visages une tension spirituelle et émotionnelle, les capturant dans un moment de tension. Il s'efforce de les amener aux limites de l'expressivité, du pathétique.
Dans la littérature de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, les expressionnistes n'ont reconnu que K. Sternheim et G. Mann comme leurs prédécesseurs. La critique littéraire considère également G. Mann comme un précurseur de l'expressionnisme. « Dans Teacher Gnus (1905), il anticipait l’intrigue de nombreuses œuvres expressionnistes parues au cours des deux décennies suivantes »8. Tout comme le caissier discret de la pièce « Du matin à minuit » de G. Kaiser (1916) a changé d'apparence pour devenir différent et commencer une nouvelle vie avec une énorme somme d'argent volée, de même son professeur est immédiatement passé d'un professeur tyran à un admirateur malchanceux d'un chanteur pop. G. Mann a écrit un roman satirique. Il soumet à une analyse satirique non seulement les mœurs du gymnase prussien, mais aussi l'instabilité de l'individu, capable de se précipiter d'un extrême à l'autre. Les expressionnistes, quant à eux, percevaient la mobilité et le « balancement » d'une personne comme des symptômes positifs et prometteurs de l'ère à venir. Nulle part, à l'exception de la pièce « Madame Legros » (1913), G. Mann ne montre le sens positif des actes d'une personne qui a rompu avec l'accepté, a débordé ses rives, suite à son impulsion incontrôlable. Mais dans tous les romans, à commencer par Kiselnye Shores (1900), depuis la trilogie des Déesses jusqu'à Henri IV et au-delà, le personnage principal ou personnages secondaires, caractérisé par l'instabilité, la volonté de passer d'un état à l'exact opposé.
Bien que l'Allemagne soit à juste titre considérée comme le berceau de l'expressionnisme, ce mouvement trouve ses origines et ses prédécesseurs non seulement dans les traditions de la littérature et de l'art allemands, mais aussi dans les traditions européennes. Groupe d'artistes français de la fin du XIXe siècle" (Matisse, Derain, etc.), les cubistes Picasso, Delaunay avec leurs objets déformés, à prédominance de formes géométriques, le collage a influencé les artistes expressionnistes allemands (W. Kandinsky, K. Schmitt-Rottschuf , O Dix, E. Nolde, etc.). De nouvelles formes et moyens d'expression, qui se sont révélés plus tard très répandus dans l'art du XXe siècle, sont apparus dans le futurisme, qui dans la critique littéraire allemande est considéré comme un programme du avant-garde, y compris l'expressionnisme, qui a prédéterminé presque toutes les idées artistiques de l'avant-garde poétique : montage, néologismes, jeux de mots, associations libres, expérimentation linguistique, constructions syntaxiques, exclusion du « je » de l'auteur du poème pour parvenir à un vision objective de la réalité Avant même les expressionnistes, ils remettaient en question toutes les réalisations de la littérature et de l'art.
2. Principales caractéristiques de l'expressionnisme. Leur manifestation dans les paroles
L’une de ses caractéristiques est qu’il ne représentait pas un seul mouvement, ni en termes d’objectifs proclamés à plusieurs reprises, ni en termes de contenu. Tout d’abord, il n’y avait pas de consensus quant au rôle de l’artiste dans la société. À partir de l’expressionnisme, le rapport de la poésie, de l’art en général, à l’histoire, à la vie en société devient problématique. Dans cette direction, on peut trouver les idées d’internationalisme et de nationalisme, de cosmopolitisme et de patriotisme, etc. Le contraste entre G. Benn et B. Brecht, qui ont commencé leur carrière créative en tant qu'expressionnistes, montre à quel point les opinions politiques et esthétiques étaient différentes. Non seulement les expressionnistes, mais aussi artistes célèbres qui sympathisaient avec le nouveau mouvement artistique ou le critiquaient. Romancier et nouvelliste viennois St. Zweig dans son essai « Nouveau Pathos » (1909) a écrit que la tâche du poète est d'éveiller les pouvoirs mentaux et spirituels de l'homme. Le poète doit être un « feu sacré », le chef spirituel de son époque. Il croyait que le pathos dans la poésie est un signe énergie vitale, en d’autres termes, il a parlé du rôle et des tâches accomplies par les expressionnistes. De nombreux expressionnistes ont adopté la position exprimée dans l'Essai de H. Mann (1910). La tâche politique d'un écrivain-poète n'est pas d'accéder au pouvoir, mais de s'opposer avec courage au gouvernement en place, de montrer au peuple la vérité et la justice. En revanche, on reprochait souvent aux expressionnistes leur éloignement de la vraie politique, voire le manque de vie de leurs œuvres. Le marxiste Georg Lukács, par exemple, a critiqué « l’antibourgeoisisme abstrait » des expressionnistes (1934). I.R. Becher, lui-même expressionniste, écrivait déjà dans les années 30 à propos des Kaiser, Frank, Ehrenstein : « Ils sont ivres de mélancolie et de désespoir, ils créent sous une pression qui fait sortir de leur sang les restes de la dernière floraison. sont des fleurs, mais avec des fleurs sur une branche desséchée"9. Les expressionnistes aux convictions politiques opposées, réunis autour des revues "Aktion" et "Der Sturm", les expressionnistes de gauche ("Aktion") ont tenté de pénétrer au-delà de la couche extérieure, de découvrir le sens d'aujourd'hui, en essayant de transmettre la terrible vérité, ils a exigé un rejet de la passivité : « Laissez-vous inonder, amis indifférents du monde, une mer de sang des victimes de guerre » [Hazenclever « To Enemies »].
"Sturm" rejette tout lien entre art et modernité. L'éditeur du magazine était un homme aux convictions politiques radicales. Cependant, il défendit avec obstination l’indépendance du « nouvel art » par rapport aux problèmes politiques.
La protestation, en tant que réaction humaine naturelle à la folie et à la cruauté du monde, prend une ampleur mondiale chez les expressionnistes. Toute la vision du monde se résume à une protestation, car dans tout ce qui entourait les expressionnistes, ils n'ont pas vu un seul moment positif : le monde était pour eux un foyer de mal, où il n'y a pas de place pour la beauté et l'harmonie. Tout ce qui est beau semble faux, éloigné de la réalité. Par conséquent, les expressionnistes rejettent tous les canons classiques et n’acceptent pas les belles rimes ni les comparaisons sophistiquées. Ils rompent tous les liens sémantiques, déforment les impressions individuelles, les transformant en quelque chose de dégoûtant et de répulsif. Le titre du poème "Dawn" d'A. Lichtenstein prépare à la perception d'une image qui transmet définitivement une ambiance. La première strophe confirme en partie cette attente. Cependant, ce qui suit est une série d’images sans rapport qui perdent de plus en plus de sens :
Un jeune homme avec un professeur.
Der Wind hat sich einem Baum gefangen.
Der Himeel voit verbummelt aus und bleich,
Ils servent également les Schminke ausgengagen.
Auf kange Krucken schief herabgebuckt
Und schwatzend kriechen auf dem Feld 2e Lahme.
Un blond plus foncé serait très fort.
Un Pferdchen a volé une dame.
Un Fanster klebt ein fetter Mann.
Ein Jungling sera ein weiches Weib be suchen.
Un clown grauger zieht sich die Stiefel an.
Ein Kinderwagen schreit und Hunde Fluchen.
L’unité dans cette impression momentanée n’est donnée que par le sentiment d’aliénation complète de l’auteur. Le poème de Jacob van Goddis « La fin du monde » (« Weltende », 1887-1942) représente également des impressions déformées et déchirées. Ici, les réformes individuelles sont le présage de la catastrophe générale de la fin du monde. Mais dans le monde intérieur, dans l'âme, le désir de beauté et de bonté demeure. Et moins le monde qui nous entoure est parfait, plus le désespoir est grand. « Mon Dieu ! J'étouffe en cette période banale, mon enthousiasme ne trouvant aucune application », écrit G. Geim dans son journal. C’est pourquoi les expressionnistes, littéralement tiraillés par ces contradictions, expriment leur protestation avec une telle intensité émotionnelle. Après tout, leur protestation n'est pas seulement un déni, mais aussi la douleur d'une âme désespérée, un appel à l'aide." L'indignation extrême s'empare complètement d'une personne. Incapable d'analyser et de comprendre quoi que ce soit, il rejette simplement ses sentiments confus, sa douleur. Les œuvres des expressionnistes sont empreintes d'un dynamisme nerveux - couleurs vives, images déformées par la tension interne, rythme rapide, dans la métaphore l'image cesse d'être ressentie, seuls les cris, les répétitions émotionnelles, les proportions déformées sont pensés ; D'autre part, précisément à cause de l'intensité des sentiments, ainsi qu'à cause de l'énorme désir de perfection, les expressionnistes espéraient vaincre et subjuguer la réalité. « La seule volonté des poètes les plus récents est de vaincre la réalité grâce au pouvoir pénétrant de la réalité. l’esprit »10.
Le monde apparaissant aux expressionnistes comme dépourvu d’harmonie, incompréhensible et dénué de sens, ils refusent de le représenter sous cette forme. Derrière toute l'absurdité du monde, ils ont essayé de voir le vrai sens des choses, les lois qui entourent tout. Autrement dit, le prochain signe de l'expressionnisme est le désir de généralisation. La réalité est représentée dans d’immenses images derrière lesquelles disparaissent des éléments naturels et concrets. Les expressionnistes n'ont pas cherché à montrer la réalité elle-même, mais seulement une idée abstraite de ce qui constitue son essence. "Pas la réalité, mais l'esprit" - telle est la thèse principale de l'esthétique de l'expressionnisme. Naturellement, les idées de chacun sur l’essence du monde étaient subjectives.
La révélation de soi de l'auteur se produit le plus souvent dans ses personnages. C'est ainsi qu'apparaît dans le drame ce qu'on appelle « Ich - Drama » ; dans les œuvres en prose, le monologue intérieur passionné des personnages est difficile à séparer des réflexions de l'auteur. Le subjectivisme se manifeste à la fois dans la représentation de l'image globale et dans la représentation des personnages individuels. L'artiste de cette époque a perdu le contact direct avec la vie et, en essayant de surmonter cela, l'auteur et l'œuvre ne font plus qu'un. Le héros agité, chercheur et sceptique est aussi l'auteur lui-même.
Un héros expressionniste typique est une personne au moment de la plus grande tension (ce qui rend l’expressionnisme semblable à une nouvelle). La tristesse devient dépression, le désespoir se transforme en hystérie. L'ambiance principale est une douleur extrême. Le héros de l'expressionnisme vit selon les lois de sa réalité, sans se retrouver dans le monde réel. Il ne transforme pas la réalité, mais s'affirme et ne tient donc souvent pas compte des lois, mais les enfreint au nom de la justice ou pour s'affirmer. Ce petit homme, réprimé par les cruelles conditions sociales d'existence, souffrant et mourant dans un monde qui lui est hostile. Les héros se sentent tellement impuissants face à une force redoutable et cruelle qu’ils ne peuvent pas la comprendre ou la comprendre.
D’où leur passivité, une conscience humiliante de leur propre impuissance, de leur abandon, de leur solitude, mais d’un autre côté, le désir d’aider. Ce conflit interne conduit au fait que « tout entre dans des contradictions internes et n'affecte en rien la réalité ». D'autres chercheurs estiment que les héros expressionnistes, au contraire, violent toutes les normes et lois et s'affirment. On peut ici faire un parallèle entre l'œuvre de L. Frank « Un homme bon », de N. Mann « Madame Legros » (résistance active) et « Devant la porte fermée » de Borchert, les drames de Kafka.
La tentative intense de l'auteur, avec son héros, d'appréhender philosophiquement la réalité permet de parler de l'intellectualité des œuvres expressionnistes. Dans l'expressionnisme, pour la première fois dans la littérature allemande, le thème de « l'homme aliéné » résonnait avec une douleur et une force extrêmes. Un homme qui essaie péniblement de comprendre la « loi » qui pèse sur lui. À travers l'œuvre de Kafka, ce thème de l'expressionnisme est associé à de nombreux noms dans le développement ultérieur de la littérature. La façon dont ce thème résonnait dans la poésie lyrique allemande est illustrée par le poème « Citoyens » (« Stadter ») de A. Wolfenstein :
Non, comme Locher eines Siebes stehm
enster beieinander, drangend fassen
auser sich so dicht an, dab die Straben
Grau geschwollen wie Gewurtige stehm.
Ineinander dicht hineingehackt
Places dans les tramways vers les deux Fassaden
Leute, wo die Blicke eng ausladen
Und Begierde ineinander ragt.
Nous sommes si dunn comme Haut,
Dab ein jeder teilnimmt, wenn ich weine,
Fluster dringt hinuber wie Gegrole:
Und wie stumm in abgeschlobner Hohle
Non autorisé et non autorisé
Steht doch jeder foug und fuhlt: alleine.
D'un point de vue formel, ce poème est assez conservateur. Mais des images et des comparaisons extraordinaires changent les métaphores habituelles. Les objets sont présentés comme des êtres vivants et les personnes, perçues uniquement comme une masse, sont réifiées. La solitude est perçue par une personne comme un isolement du monde et une dissolution dans la masse - comme une absence de défense et un abandon.
Avec l'ère de l'expressionnisme est arrivée une nouvelle dispositifs litteraires, et ceux déjà connus étaient remplis de nouveau contenu de haute qualité. Pavlova note que "le succès incontestable de l'expressionnisme était la satire, le grotesque, l'affiche - la forme de la généralisation la plus concentrée". La méthode consistant à combiner en un seul tout des moments éloignés les uns des autres, créant un sentiment de corrélation et de simultanéité de divers processus dans le monde, la connexion de divers plans à partir d'un afflux soudain, arrachant un détail séparé à une vue générale de le monde, l'alternance du petit et du grand sont aussi générées par le désir de généralisation, la recherche de liens intérieurs entre des événements apparemment incohérents. La combinaison de l'hyperbole et du grotesque, exprimant avec un éclat condensé chacun des deux côtés de la contradiction, a été utilisée dans le but de contraster expressivement, d'élever la lumière et d'aiguiser le mal.
Le principe d'abstraction s'exprime dans le refus de représenter le monde réel, en présence d'images abstraites : le multicolore est remplacé par un choc de tons noir et blanc. Les moyens stylistiques les plus fréquemment utilisés par les expressionnistes comprennent les répétitions dites émotionnelles, les énumérations associatives de métaphores. Les expressionnistes négligent souvent les lois de la grammaire et inventent des néologismes (« Warwaropa » d'Ehrenstein).
Un élément nécessaire de la pièce était un appel libre et direct au public (« Théâtre-tribune ! »). La technique du « Vorbeireden » (« parler par »), souvent utilisée dans le drame expressionniste, souligne, d'une part, la solitude du héros et son obsession passionnée pour ses propres pensées, d'autre part, elle contribue à pousser le le spectateur à tout un réseau de généralisations et de conclusions.
Au début, la poésie s'est avérée être le moyen le plus expressif de l'expressionnisme et de ses idées nouvelles. Relativement caractéristique commune Les paroles expressionnistes mettent en avant les couches émotionnelles du langage, les champs affectifs du sens du mot. Le thème principal se déplace vers la vie intérieure d'une personne, et en même temps non pas vers sa conscience, mais vers un tourbillon semi-conscient de sentiments qui réprime une personne. Le monde extérieur réel sert de matériau, de moyen pour représenter le monde intérieur. Image excessive du monde intérieur, désir incontrôlable moyens artistiques la poésie pour transmettre des mouvements et des impulsions spirituelles qui sont essentiellement indescriptibles avec des mots - tout cela est apparu pour la première fois dans les paroles. L'impact du poème est obtenu de manière irrationnelle - en raison de la monumentalité des peintures, de la rhétorique, des gestes de la parole, de divers signes d'agitation (appel, salutation, etc.). Et bien que le style du poème viole les lois habituelles, la rime finale, la mesure et la strophe sont traditionnelles. Le poème de Becher "An die Zwanzigjahrigen" est un exemple du fait que de nombreux expressionnistes, malgré la modernisation du langage poétique, ont conservé certaines idées traditionnelles sur la versification.
Zwanzigjahrige! ... Die Falte eueres Mantels halte
Die Strabe auf in Abendrot vergangen.
Kasernen et das Warenhaus. Et il s'approche de la Krieg.
Wird aus Asylen chauve den Windstob fangen,
Der Reizenden um Feuer biegt!
Der Dichter grubt euch Zwanzigjahrige mit Bombenfausten,
Der Panzerbrust, drin Lava gleich die neue Marseillaise wiegt.
L'expressionnisme n'est pas resté longtemps un mouvement littéraire majeur. L'impuissance de l'artiste expressionniste s'est manifestée pendant la Première Guerre mondiale, que beaucoup ont perçue comme une catastrophe politique ou même comme l'effondrement de tous les idéaux humanistes. Certains ont trouvé une issue dans le pacifisme radical, d’autres dans un soutien et une participation ardents à la révolution. Les idées et méthodes expressionnistes ont été soutenues et développées par d'autres artistes, mais n'étaient plus toujours perçues comme nouvelles et pertinentes. Déjà en 1921, l’expressionniste passionné Ivan Goll déclarait durement : « L’expressionnisme est en train de mourir ».
3. L'expressionnisme dans la littérature allemande d'après-guerre
L'expressionnisme a connu une période particulière de renouveau après la fin de la Seconde Guerre mondiale, acquérant des connotations antifascistes et anti-guerre. Dans les premières années d'après-guerre, les dramaturges suisses M. Frisch, Fr. ont subi l'influence de l'expressionnisme. Dürrenmatt. Certaines techniques expressionnistes sont reprises dans les œuvres de P. Weiss. Dans la prose allemande, de telles tendances peuvent être retracées à travers les exemples des œuvres de W. Borchert et W. Köppen.
W. Borchert (Wolfgang Borchert, 1921-1914) dans son chemin créatif est passé d'une fascination pour les paroles harmonieuses et proportionnées de Hölderlin et Rilke à son propre style, dont les principales dispositions ont été exposées dans son essai « Ceci est notre manifeste » (« Das ist unser Manifest »). Ces dispositions sont si conformes à l'esprit de l'expressionnisme qu'elles pourraient être qualifiées de credo esthétique des expressionnistes : « Nous sommes les fils de la dissonance. Nous n'avons pas besoin de poètes avec une bonne grammaire : nous n'avons pas de patience pour une bonne grammaire. écrire avec chaleur et d’une voix rauque, en sanglotant. Borchert varie le même thème dans l'histoire « En mai, en mai le coucou criait » : « Lequel d'entre nous connaît la rime du râle d'un poumon abattu, la rime du cri des exécutés Après tout, pour le grandiose ? hurlement de ce monde et pour la machine infernale son silence n'existe pas.
Le drame le plus célèbre de Borchert "Dans la rue devant la porte" ("Drauben vor der Tur") est consacré à la tragédie d'un homme solitaire qui revient de la guerre et n'a pas trouvé d'abri. Ce sujet, douloureux et d’actualité, a absorbé le sort de millions d’Allemands. Le héros de la pièce, le soldat blessé Beckman, rentré de la guerre et n'ayant pas retrouvé sa maison, a tenté - sans succès cependant - de demander des comptes à ceux de ses anciens commandants qui l'avaient trahi et tentaient désormais d'échapper à leurs responsabilités. Mais aucun de ces gens pratiques et satisfaits d’eux-mêmes, occupés à créer une nouvelle vie, ne se soucie de Beckman. Ne trouvant aucune issue, il se suicide.
Pour exprimer la dissonance, la « discontinuité » du temps, Borchert utilise dans sa pièce avant tout le grotesque, l'exagération, combinant des éléments contradictoires, réfutant les idées habituelles sur l'image. Le personnage grotesque, c'est lui-même personnage principal- dans un pardessus déchiré, des bottes trouées et des lunettes de masque à gaz ridicules. Cela provoque un sentiment de perplexité et d'irritation chez son entourage. Beckman lui-même est perçu comme un « fantôme » et ses plaintes comme des plaisanteries stupides et inappropriées. Il personnifie la guerre passée, dont personne ne veut se souvenir. Chacun est occupé à créer sa propre illusion de bien-être. Beckman joue le rôle d'un bouffon : "Vive le cirque ! Immense cirque !" Elle est plus proche de la vérité que la vie « raisonnable » et faussement paisible de l’après-guerre.
Mais la pièce ne montre pas d'actions et de conflits réels. Il ne décrit pas la vérité du monde environnant, mais la vérité de la conscience subjective. Seul Beckman est le personnage de la pièce. Le prévaut discours monologue: il ne trouve pas d'interlocuteur égal pour lui-même. Une place importante est occupée par le deuxième « je » de Beckman : l'Autre. Il essaie de présenter le monde sous un jour rose, de convaincre les gens de vivre comme les autres. Mais Beckman ne peut pas devenir comme eux, car ce sont des « tueurs ». L’éloignement des « autres » est si grand qu’il prive les deux parties de la possibilité de se comprendre mutuellement. L'expression verbale des contacts du héros avec ses antagonistes n'a, par essence, pas le caractère de véritables dialogues. Leurs monologues séparés se croisent « en dehors de la pièce – dans la tête du spectateur » (la technique expressionniste du « Vorbeireden »). Tout au long de la pièce, Borchert s'adresse consciemment au public. L'œuvre se termine par un appel direct au public, un monologue aux questions ouvertes.
L'action se déroule comme mi-rêve-mi-éveillé, dans une lumière chimérique inégale, dans laquelle la frontière entre le fantomatique et le réel est parfois indiscernable : l'Elbe personnifié joue dans la pièce, Dieu apparaît sous la forme d'un vieil homme impuissant et en larmes, « en qui plus personne ne croit ; la mort apparaît face au maître des pompes funèbres, Beckman, qui regardait le monde sans ses lunettes, apparaît l'image d'un géant unijambiste, elle symbolise le double sens de Beckman de culpabilité : le héros se sent responsable de la mort des soldats pendant la guerre et se considère comme un destructeur de liens familiaux, essayant d'en évincer un autre, pas encore oublié.
Cette vision nous permet de comprendre le titre de la pièce de deux manières. Laissé seul derrière la porte, Beckman peut claquer la porte à un autre : « Chaque jour, nous sommes tués et chaque jour nous commettons un meurtre. » La conscience persistante de la responsabilité personnelle et le sentiment accru de culpabilité qui hante le héros nous rappellent également les traditions de l'expressionnisme.
L'image du sous-officier Beckmann, « l'un de ceux-là », reflétait la biographie personnelle et le drame spirituel de Borchert, ainsi que de toute la génération de l'après-guerre. Les traits de généralité et de signification universelle inhérents à Beckmann sont également caractéristiques de nombreux autres héros de la prose de Borchert. Beckman fait « partie de la multitude grise ». Il parle de lui au pluriel, au nom de sa génération, il accuse une autre génération - les « pères » - d'avoir trahi leurs fils, de les avoir élevés pour la guerre et de les envoyer à la guerre. Beckman personnifie une génération de personnes tellement traumatisées par la guerre, ressentant tellement leur impuissance face à une force redoutable et cruelle que leur conscience est incapable de la comprendre. D'où leur passivité, leur inactivité. D'où leur douloureux conflit interne, qui les tourmente toujours, le besoin de solidarité humaine, le désir d'aider leurs frères et en même temps un sentiment de solitude et d'abandon, une conscience humiliante de leur impuissance.
La sécheresse et la précision du langage sont ambiguës et trahissent de fait l'extrême indignation de l'auteur. Le pathos ne sert pas du tout à exprimer l'admiration pour quelque chose de élevé ; au contraire, il « glorifie » tout ce qui est inférieur, indigne et sombre.
Dans l’ensemble, cette pièce révèle à quel point la conscience de la jeune génération de l’époque était centrée sur son moi intérieur. Le contexte historique est pratiquement exclu de la pièce ; le tableau historique du temps n'est pas montré. Le fait que le père de Beckmann était national-socialiste et antisémite n'est mentionné qu'en relation avec l'expérience de solitude et d'isolement du protagoniste. La protestation générale contre la génération des « pères » ne conduit à aucune réflexion ni conclusion historique, mais rejoint la tradition d'une description détaillée du conflit entre les nouvelles aspirations de la jeune génération et la volonté d'adaptation de l'ancienne (comme dans expressionnisme). La conscience de sa propre culpabilité, formée par la guerre, se transforme progressivement en conscience de victime, en un sentiment d'incompréhensibilité et de rejet.
La dissonance générale, la tension, la discorde dans l’âme du héros sont soulignées par le langage de la pièce. D’une part, c’est précis et sec :
"Et puis il est irrégulier auf der Strabe, der Mann, der nach Deutschland kam, et agit, Fruher lagen Zigarettenstummel, Apfelsinenschalen, Papier auf der Strabe, heute sind es Menschen, das sagt weiter nichts."
En revanche, il regorge de moyens rhétoriques (répétition, expressions figuratives, allitération) :
"Et dann kommen sie. Dann ziehen sie an, die Gladiatoren, die alten Kameraden. Dann stehen sie auf auf den Massengraben, et der blutiges Gestohn pue bis an der weiben Mond. Und davon sind die Nachte so. Tellement amer comme Katzengescheib."
Une sorte de manifeste contre la guerre passée et le danger futur qui, selon beaucoup, existait dans les années 50, est le roman de Koppen « Mort à Rome » (Wolfgang Koppen « Der Tod in Rom »). Né au début du siècle, il a été influencé dès sa jeunesse par l'esprit contradictoire de son époque et, par conséquent, par les traditions expressionnistes de l'art. À l'âge de 16 ans, Köppen envoie ses poèmes à Kurt Wolf, l'éditeur des Expressionnistes. Les poèmes étaient imprégnés d'une ambiance de rébellion romantique et d'un appel à un idéal brillant, mais, hélas, invisible. Au début des années 30, Koeppen travaille à Berlin dans les départements de répertoire des théâtres et collabore pendant quelque temps avec Erwin Piscater. On peut supposer que son travail de scénariste a ensuite marqué le style des romans créés par la suite. Non seulement l'influence des expressionnistes, mais aussi le lien avec le cinéma peuvent expliquer le recours au montage, au changement de l'angle de vue et de la distance à l'image, et à la transmission synchrone des actions.
Dans les romans d'avant-guerre « Unhappy Love » (« Eine ungluckliche Liebe », 1934), « The Wall is Shaking » (« Die Mauer schwankt », 1935), apparaissent les traits caractéristiques de son œuvre : tension émotionnelle, imagerie excessive, partialité. pour le symbolisme, le vague désespoir et la solitude des héros, dont les espoirs et les rêves entrent en fort conflit avec la réalité, et bien sûr le sens humaniste des œuvres.
De nombreux critiques sont unanimes sur le fait que dans tous les romans de Koeppen, il souligne la fragilité et le manque de fiabilité auxquels l'existence humaine est associée : « Pigeons dans l'herbe » (« Tauben im Gras », 1951), « La serre » (« Das Treibhaus », 1953). La protestation passionnée contre la cruauté et la poursuite d'idéaux humanistes sont déterminantes pour toute l'œuvre de l'écrivain. « Chaque ligne que j'écris est dirigée contre la guerre, contre l'oppression, l'inhumanité, le meurtre. Mes livres sont mes manifestes », déclare Koeppen. Ces mots s'appliquent pleinement au roman «Mort à Rome».
La première chose que l'on peut dire du roman : c'est un manifestation. L'auteur proteste et nie. Il est impossible de caractériser l'idée principale sans le préfixe « anti- » : l'orientation du roman est anti-guerre et anticléricale. Le sens positif des actions des héros peut être retracé très faiblement : eux aussi ne sont que contre quelque chose. A cet égard, on peut immédiatement parler du deuxième trait du roman, qui le rapproche de l'expressionnisme : le subjectivisme, l'auto-dévoilement de l'auteur dans les personnages.
L'auteur proteste avec passion, dans un seul élan de pensée et de sentiment, contre l'inhumanité et l'absurdité de la guerre, contre ceux qui ont déclenché cette guerre, qui y ont participé, contre ceux qui tentent de l'oublier au plus vite, de se soulager. de toute responsabilité dans ce qui s'est passé, pour obtenir un meilleur emploi et des postes lucratifs dans un pays d'après-guerre. L'auteur proteste contre Austerlitz, montré dans grotesque forme : un vieil homme dégoûtant et faible dans une calèche, buvant du lait bouilli et vendant des armes, il proteste contre Pfafrath, qui a contribué aux atrocités fascistes pendant la guerre, et est maintenant le père élu de la ville par le peuple, selon des principes strictement démocratiques. principes ("...obenauf, altes vom Volk wieder gewahltes Stadtoberhaupt, Streng demokratisch wieder eingesetzt"). L'auteur ne peut accepter la complaisance et le désir d'une vie mesurée pour son propre plaisir, non seulement de ces « honnêtes citoyens » pressés d'oublier leurs crimes, mais de ces héros soi-disant positifs qui ont été victimes de la guerre. Avec ironie, parfois même sarcasme, il décrit le couple Kürenberg, les comparant à des animaux soignés, décrivant en détail comment ils « mangeaient avec révérence la nourriture dans les restaurants les plus chers, appréciaient la beauté des statues anciennes : « Sie genossen den Wein. Sie genossen das Essen. Sie aben andachtig. Sie tranken andachtig... Sie versonnen den schonen Leib der Venus von Cirene I das Haupt der Schlafenden Euménide... Sie genossen ihre Gedanken, sie genossen die Erinnerung; Danach Genossen sie sich und fielen in tiefen Schlummer."
Nous sentons un mauvais sarcasme dans ces mots. L'impression est renforcée par des phrases courtes du même type, les mots répétés «genossen», à l'aide desquels «der Wein», «Das Essen», «Die Erinnerung» sont pour ainsi dire placés au même niveau et il est souligné que pour les Kührenberg, ce ne sont que des biens de consommation, une source de plaisir. La beauté de Vénus ou un merveilleux dîner - il n'y a aucune différence entre eux. La dernière phrase, ressemblant à une remarque sèche et pragmatique, fait irruption de manière inattendue et perturbe tout ce tableau heureux et nous fait réfléchir : en quoi un rêve, qui occupe un tiers de notre vie, diffère-t-il de la vraie vie active. Pour Ilsa, probablement rien. Pendant la journée, après avoir senti le beau corps de Vénus et apprécié ses pensées, elle continue de s'amuser dans un rêve, se voyant à l'image de la déesse grecque de la vengeance, Euménide. Le matin, elle peut continuer la série des « plaisirs » en mangeant un plat exotique au petit-déjeuner ou en regardant une tragédie ancienne au théâtre.
Il est à noter que les moyens que l'auteur utilise pour exprimer sa protestation : le sarcasme, des phrases courtes, comme hachées, ainsi que des métaphores lumineuses « hurlantes », des images qui restent en mémoire peuvent être qualifiées d'emprunts à l'expressionnisme. On pourrait attribuer ces expressions comme « ein boses Handwerk », « stinkende blutige Labor der Geschichte » aux récits anti-guerre de Leonhard Frank. Des couleurs vives, un dynamisme nerveux, un monde chaotique et, pour ainsi dire, complètement saturé d'odeurs de guerre - on voit tout cela chez Köppen.
Dans la mémoire d'Adolf, il restait toujours une cuve remplie du sang des assassinés, « avec le sang chaud et nauséabond des assassinés », et Siegfried, lors d'un dîner chez Kürenberg, ayant appris que son père était coupable de la mort du père d'Ilse, ne ressent pas le goût de la nourriture. Il sentit les cendres sur ses dents, les cendres grises de la guerre.
Le plus grand nombre de ces métaphores est associé à l'image de Yudeyan - un symbole grotesque de guerre, de mal et de cruauté.
Ainsi, dans le roman de Köppen, une autre caractéristique de l'expressionnisme est le symbolisme. Les symboles sont les héros eux-mêmes : Judéien, Ève, les Erinyes nordiques « mit dem bleichen Gesicht Langenschadelgesicht, Harmgesicht ».
Comme on le voit, en introduisant des images symboliques dans son roman, Koeppen, comme les expressionnistes, viole les normes grammaticales et, par conséquent, leur donne tension et dynamisme.
En plus des images symboliques qui parcourent tout le roman et expriment l’idée principale de l’œuvre, on peut également trouver des symboles qui ne sont pas si englobants, mais qui définissent néanmoins le style de l’écrivain, aussi proche de l’expressionnisme. Il s'agit de la main du porteur dans un gant blanc - la main du bourreau et des tiges de fer tranchantes, que Yudeyan a saisies en tombant, semblables à des lances et symbolisant le pouvoir, la richesse, la distance froide et un tunnel frais dans lequel Yudeyan a été tiré comme si franchit les portes des enfers et, dans la main de Kührenberg, il rougit un mouchoir avec lequel il s'essuya le front, comme un paysan après un dur labeur. La scène de l’échange de vestes entre Adolf et le garçon juif du camp de concentration et la rencontre d’Adolf avec son père dans le donjon effrayant et sombre du plus beau temple de Rome sont symboliques. De nombreux chats sanguinaires mourant de faim, visibles et invisibles à Rome, sont le symbole de la race humaine dégradée et malheureuse. Ce sont les Romains des temps de déclin.
L’accent mis par l’auteur sur les expériences intérieures des personnages peut également être identifié comme une caractéristique de l’expressionnisme. Une description détaillée de chaque nuance de sentiment, d'émotion, l'observation de toute tournure de pensée et leur transmission à la première personne. Cette caractéristique est inextricablement liée à la subjectivité, c'est-à-dire Les expressionnistes ont montré leur attitude de cette manière et leurs pensées et leurs sentiments sont inextricablement liés aux pensées et aux sentiments des personnages. Cependant, dans ce cas, ce qui distingue Köppen des expressionnistes, c'est qu'il révèle le monde intérieur non pas d'un seul héros, avec lequel il s'identifie, mais de plusieurs à la fois et directement opposés. Par conséquent, nous pouvons parler d'un plus grand degré d'abstraction d'une situation spécifique, d'une plus grande objectivité et d'un plus grand réalisme dans la représentation du monde. DANS dans ce cas Cette technique ne sert pas de démonstration de la conscience confuse de l’auteur, comme c’était le cas des expressionnistes, mais de moyen d’expression artistique.
Quant à la « conscience confuse », l'isolement dans son moi intérieur, l'incapacité de trouver une issue, malgré des tentatives désespérées de percer vers la lumière, tout cela s'applique pleinement à Siegfried et Adolf - des héros purement expressionnistes, avec lesquels l'auteur lui-même a beaucoup de points communs. Dans leur esprit, il n’y a pas seulement l’horreur de la guerre et des protestations prononcées. La musique de Siegfried est une rébellion. Mais une rébellion qui ne vise nulle part. Sa vie, comme la musique, est dépourvue d'harmonie. Il se contredit en disant à Adolf qu'il ne veut rien comprendre dans la vie et ne croit en rien, mais s'efforce seulement d'avoir du plaisir, alors que toute sa vie est remplie de quêtes.
Le pessimisme de Siegfried s'explique en partie par l'état similaire de l'auteur lui-même. Peu importe comment on parle de l’objectivité de l’auteur, son identification au héros est assez évidente.
La pensée de la Haute Cour, dirigeant le destin des hommes et en même temps errant insensée dans les labyrinthes, comme une « folle » jouant à l'aveugle et l'exclamation « Deux mille ans d'illumination chrétienne, et tout s'est terminé avec la Judée ! » n'appartiennent à personne d'autre qu'à l'auteur. Ici, nous entendons le doute et l’incrédulité quant à l’existence de la Loi Suprême, Dieu. Et puis il devient clair que l’auteur partage les mots « tout cela n’a pas de sens, et ma musique aussi n’a pas de sens ; elle ne pourrait pas avoir de sens si j’avais ne serait-ce qu’une goutte de confiance en moi ». Mais c'est là que s'arrêtent leurs similitudes. Car plus loin, la question « En quoi dois-je croire ? Koeppen répond positivement car c'est un écrivain dont l'œuvre est lisible, réussie et suscite la réflexion. (« En tant que personne, je suis impuissant, mais en tant qu'écrivain, je ne le suis pas », a dit un jour W. Keppen).
Siegfried ne croit pas en lui et est comme ça la plupart de sa génération. Ainsi, si l’on compare Köppen et les expressionnistes, on peut dire que Köppen a suivi leurs traces, mais est allé un peu plus loin. Et à partir de la différence de distance parcourue, il a pu montrer objectivement leur état d’esprit et leur façon de penser. Et ici, il est logique de parler non seulement de ces écrivains et poètes qui ont représenté direction littéraire ou des compositeurs qui ont écrit de la musique expressionniste, mais aussi de toute la génération de personnes qui ont vécu à l'époque des guerres mondiales. L’« homme de l’ère expressionniste » a été submergé par Köppen en lui-même. Il a réussi à dépasser le déni universel, y compris le déni du rôle de l’homme dans l’histoire et du sens de sa vie. Et c'était sa victoire. Mais c'était aussi sa tragédie.
Car, étant parvenu à la foi en lui-même, en l'homme en tant qu'exécuteur d'une fonction sociale, il n'est pas parvenu à la foi en l'homme en lui-même, à sa destinée la plus élevée, à la foi en Dieu : « En tant qu'homme, je suis impuissant... »
Ainsi, la subjectivité et l’expression de sa propre protestation, l’indignation à travers la représentation des monologues passionnés internes des personnages, leurs lancers, les doutes en tant que traits caractéristiques de l’expressionnisme ne sont que partiellement représentés dans le roman de Koppen.
La perception du monde contrastée qu'a Köppen le rapproche également des expressionnistes. Ne trouvant pas de paix pour lui-même, toujours tourmenté par des questions sans réponse, Siegfried et les calmes Kührenberg, qui ont trouvé un chemin simple et facile dans la vie, une femme échevelée et malheureuse avec des ulcères, vendant des cigarettes aux carrefours et de beaux chauffeurs aux ongles manucurés et aux cheveux bouclés , gagner de l'argent de manière « amusante », un garçon gras de la tête aux pieds, caché dans la porte et se tenant à proximité comme un monument à lui-même, un carabinier en uniforme élégant - vous pouvez trouver de nombreux contrastes de ce type dans le roman.
Le petit Gottlieb et le féroce Yudeyan, qui s'entendent bien, sont le reflet de l'incohérence et du contraste du monde, mais à un niveau différent et plus profond. La vision du monde comme dépourvu de logique, constitué uniquement de contradictions, se manifeste dans le fait qu'il n'y a pas un seul personnage holistique dans le roman.
Même Yudeyan, l'incarnation du mal et de la cruauté, est une image abstraite qui n'est pas absolument sans ambiguïté. Yudeyan n'a jamais hésité une seule minute avant de prendre des décisions. Mais cela ne prouve en aucun cas la force de son caractère. Après tout, le slogan « Je ne connais pas la peur », qui l'a guidé toute sa vie, n'était qu'une tentative de se cacher des doutes, de ce petit Gottlieb ; qui était toujours seulement à l'intérieur de lui et avait peur du monde. Se protégeant des doutes et des peurs et n'essayant pas de les surmonter, Yudeyan s'invente un rôle et le suit strictement, vivant selon les lois de sa réalité, puisqu'il ne s'est pas retrouvé dans le monde réel. Yudeyan n'a toujours exécuté que la volonté de quelqu'un d'autre ; l'impulsion de toute action n'était qu'une force extérieure. Lui-même donnait des ordres uniquement parce qu’il obéissait aux ordres d’en haut. Sans dépendance de personne, sans servir à quelque chose, Yudeyan n'existe pas, il ne reste que le petit Gottlieb, pathétique, impuissant, incapable de comprendre ce qui l'entoure.
Paradoxalement, Yudeyan et son fils Adolf ont la même essence. Siegfried pense à Adolf : "du warst free, eine einzige Nacht lang bist du libre gewesen, eine Nacht im Wald, et dann ertrugst du die Freiheit nicht, du warst wie ein Hund, der seinen Herrn verloren hat, du mubtest dir einen neuen Herrn Suchen, da fand dich der Priester, du imagedir ein, Gott a dû le faire." Adolf a également besoin de quelqu'un pour contrôler sa vie. La soutane du prêtre est donc le même écran que l’uniforme du général pour Yudeyan, derrière lequel il convient de cacher son impuissance et sa confusion face au monde immense.
Sur cette base, on peut supposer que Yudeyan a les traits d'un héros expressionniste. Des héros similaires ont déjà été rencontrés dans l'expressionnisme. Ainsi pour le personnage principal G. Mann dans « The Loyal Subject » : « L’important n’est pas de reconstruire beaucoup de choses dans le monde, mais de sentir qu’on le fait. » Cette sortie est une réaction caractère faible. "Faible, précipité et donc enclin à la violence" - il s'agit d'un autre héros de G. Mann - le roi anglais Jacob dans "Henri IV".
Le besoin de « se sentir soi-même dans un rôle » peut se réaliser de différentes manières, selon ce à quoi l’individu est le plus prédisposé. Les chemins choisis par Yudeyan et Adolf en sont un exemple.
Ainsi, le roman présente trois héros qui ont un problème interne, qui se révèle pour la première fois avec un psychologisme profond et un aperçu de l'essence même des œuvres des expressionnistes : le rejet du monde réel.
Dans les images de Yudeyan, Adolf, Siegfried, Koeppen semble généraliser tous les aspects de ce problème. Autrement dit, devant nous image complète conscience expressionniste dans toutes ses manifestations.
C'est la principale différence entre Köppen et les expressionnistes. L'écrivain ne se limite pas aux affirmations, mais va au niveau de la généralisation. En d’autres termes, l’auteur voit le problème de manière plus large. Le problème lui-même ne change pas et l'auteur ne propose aucune manière spécifique de le résoudre.
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