Conventions de l'étiquette sexuelle Si vous approchez culture sexuelle strictement empirique, ce qui frappe, c’est le caractère conventionnel des normes et des règles qu’elle attribue à ses porteurs. Leur utilisation, volontairement ou involontairement, conduit à une situation dans laquelle

Convention artistique- une manière de reproduire la vie dans une œuvre d'art, qui révèle clairement un décalage partiel entre ce qui est représenté dans oeuvre d'art et représenté. La convention artistique s'oppose à des concepts tels que « plausibilité », « ressemblance à la réalité » et en partie « factualité » (expressions de Dostoïevski - « daggerotypage », « fidélité photographique », « précision mécanique », etc.). Le sentiment de convention artistique surgit lorsqu'un écrivain s'écarte des normes esthétiques de son temps, en choisissant un angle inhabituel pour regarder un objet artistique en raison d'une contradiction entre les idées empiriques du lecteur sur l'objet représenté et les techniques artistiques utilisées par le écrivain. Presque toutes les techniques peuvent devenir conventionnelles si elles vont au-delà de ce qui est familier au lecteur. Dans les cas où les conventions artistiques correspondent aux traditions, elles ne sont pas remarquées.

L'actualisation du problème du conditionnel-plausible est caractéristique des périodes de transition où plusieurs systèmes artistiques s'affrontent. L'utilisation de diverses formes de conventions artistiques confère aux événements décrits un caractère surnaturel, ouvre une perspective socioculturelle, révèle l'essence du phénomène, le montre sous un aspect insolite et sert de révélation paradoxale de sens. Toute œuvre d'art a une convention artistique, on ne peut donc parler que d'un certain degré de convention, caractéristique d'une époque particulière et ressentie par les contemporains. Une forme de convention artistique dans laquelle la réalité artistique s'écarte clairement de la réalité empirique s'appelle la fantaisie.

Pour désigner les conventions artistiques, Dostoïevski utilise l'expression « vérité poétique (ou « artistique ») », « part d'exagération » dans l'art, « fantaisie », « réalisme atteignant le fantastique », sans leur donner une définition sans ambiguïté. « Fantastique » peut être qualifié de fait réel, non remarqué en raison de son exclusivité par les contemporains, et d'une propriété de la perception du monde des personnages, et d'une forme de convention artistique, caractéristique d'une œuvre réaliste (voir). Dostoïevski estime qu'il faut distinguer entre la « vérité naturelle » (la vérité de la réalité) et celle reproduite à l'aide de formes de convention artistique ; le véritable art a besoin non seulement de « la précision mécanique » et de la « fidélité photographique », mais aussi des « yeux de l'âme », de « l'œil spirituel » (19 ; 153-154) ; être fantastique d’une « manière extérieure » n’empêche pas l’artiste de rester fidèle à la réalité (c’est-à-dire que l’utilisation de conventions artistiques devrait aider l’écrivain à couper l’insignifiant et à mettre en valeur l’essentiel).

L'œuvre de Dostoïevski se caractérise par le désir de changer les normes des conventions artistiques acceptées à son époque, en brouillant les frontières entre les formes conventionnelles et réalistes. Les œuvres antérieures de Dostoïevski (avant 1865) étaient caractérisées par une déviation ouverte des normes des conventions artistiques (« Le Double », « Crocodile ») ; pour la créativité ultérieure (en particulier pour les romans) - en équilibre à la limite de la « norme » (explication d'événements fantastiques par le rêve du héros ; histoires fantastiques de personnages).

Parmi les formes conventionnelles utilisées par Dostoïevski figurent : paraboles, réminiscences et citations littéraires, images et intrigues traditionnelles, grotesques, symboles et allégories, formes de transmission de la conscience des personnages (« transcription des sentiments » dans « A Meek »). L'utilisation de conventions artistiques dans les œuvres de Dostoïevski est combinée à un appel aux détails les plus réalistes qui créent l'illusion d'authenticité (réalités topographiques de Saint-Pétersbourg, documents, documents de journaux, discours familier vivant non normatif). L'appel de Dostoïevski aux conventions artistiques a souvent provoqué les critiques de ses contemporains, incl. Belinsky. Dans la critique littéraire moderne, la question du caractère conventionnel de la fiction dans l’œuvre de Dostoïevski a été le plus souvent posée en relation avec les particularités du réalisme de l’écrivain. Les débats portaient sur la question de savoir si la « fiction » était une « méthode » (D. Sorkin) ou dispositif artistique(V. Zakharov).

Kondakov B.V.

Image et signe dans une œuvre d'art, la relation entre ces concepts. Théorie de la mimesis et théorie de la symbolisation d'Aristote. Types d'images réalistes et conditionnelles. Types de conventions. Fiction. Coexistence et interaction des conventions dans la littérature du XXe siècle.

Sujet de discipline"Théorie de la littérature" - l'étude des principes théoriques de la fiction. L'objectif de la discipline est de fournir des connaissances dans le domaine de la théorie littéraire, de présenter aux étudiants les problèmes méthodologiques et théoriques les plus importants et actuels et d'enseigner l'analyse des œuvres littéraires et artistiques. Objectifs de la discipline- étude des concepts de base de la théorie littéraire.

L'art a pour objectif la création de valeurs esthétiques. Puisant son matériel dans une variété de sphères de la vie, il entre en contact avec la religion, la philosophie, l'histoire, la psychologie, la politique et le journalisme. De plus, il incarne même les objets les plus sublimes sous une forme sensuelle.<…>", ou dans des images artistiques (ancien grec eidos - apparence, apparence).

Image artistique, propriété commune de toutes les œuvres d'art, le résultat de la compréhension par l'auteur d'un phénomène, d'un processus de vie, d'une manière caractéristique d'un type particulier d'art, objectivé à la fois sous la forme de l'œuvre entière et de ses parties individuelles.

Comme un concept scientifique, image artistique remplit une fonction cognitive, mais les connaissances qu’il contient sont largement subjectives, colorées par la façon dont l’auteur perçoit l’objet représenté. Contrairement à un concept scientifique, une image artistique se suffit à elle-même ; elle est une forme d’expression du contenu dans l’art.

Propriétés de base d'une image artistique- caractère objectif-sensoriel, intégrité de la réflexion, individualisation, émotivité, vitalité, rôle particulier de la fiction créative - diffèrent des propriétés du concept telles que abstraction, généralité, logique. Parce que l'image artistique a plusieurs significations, il ne peut pas être entièrement traduit dans le langage de la logique.

Une image artistique au sens le plus large ndash ; intégrité Travail littéraire, au sens étroit du mot ndash ; images de personnages et images poétiques, ou tropes.

Une image artistique porte toujours une généralisation. Les images d'art sont des incarnations concentrées de l'individu général, typique, particulier.

Dans la critique littéraire moderne, les concepts de « signe » et de « signe » sont également utilisés. Un signe est l'unité du signifiant et du signifié (le sens), une sorte de représentant sensori-objectif du signifié et de son substitut. Les signes et les systèmes de signes sont étudiés par la sémiotique, ou sémiologie (du grec semeion - « signe »), la science des systèmes de signes basés sur les phénomènes qui existent dans la vie.

Dans le processus de signe, ou sémiosis, on distingue trois facteurs : le signe (signe signifie) ; désignation, dénotation- l'objet ou le phénomène qu'indique le signe ; interprétant - l'influence en vertu de laquelle la chose correspondante s'avère être un signe pour l'interprète. Les œuvres littéraires sont également considérées sous l’aspect de leur iconicité.

En sémiotique, il y a : indexicaux- un signe qui désigne mais ne caractérise pas objet unique, l'action de l'indice repose sur le principe de contiguïté entre le signifiant et le signifié : la fumée est un indice de feu, une empreinte dans le sable est un indice de présence humaine ; les signes-symboles sont des signes conventionnels dans lesquels le signifiant et le signifié n'ont aucune similitude ni contiguïté ; ce sont des mots du langage naturel ; signes emblématiques- désignant des objets qui ont les mêmes propriétés que les signes eux-mêmes, fondées sur la similitude réelle du signifiant et du signifié ; "Photographie, carte des étoiles, modèle - signes emblématiques<…>" Parmi les signes emblématiques, on distingue les schémas et les images. D'un point de vue sémiotique, image artistique est un signe iconique dont la désignation est la valeur.

Les principales approches sémiotiques sont applicables aux signes dans une œuvre d'art (texte) : la sémantique identifiante - le rapport d'un signe au monde de la réalité extra-signe, la syntagmatique - le rapport d'un signe à un autre signe, et la pragmatique - la relation d'un signe au groupe qui l'utilise.

Les structuralistes nationaux interprétaient la culture dans son ensemble comme un système de signes, un texte structuré de manière complexe, se divisant en une hiérarchie de « textes dans les textes » et formant des entrelacs complexes de textes.

Art et touche ; c'est une exploration artistique de la vie. Le principe de cognition est placé au premier plan des principales théories esthétiques - la théorie de l'imitation et la théorie de la symbolisation.

La doctrine de l'imitation est née dans les œuvres des philosophes grecs Platon et Aristote. Selon Aristote, « l’écriture d’épopées, de tragédies, ainsi que de comédies et de dithyrambes,<…>, - tout cela dans son ensemble n'est rien d'autre qu'une imitation (mimesis) ; Ils diffèrent les uns des autres de trois manières : soit par des moyens d’imitation différents, soit par des objets différents, soit par des méthodes différentes et non identiques. L'ancienne théorie de l'imitation est basée sur la propriété fondamentale de l'art - généralisation artistique, cela n'implique pas une copie naturaliste de la nature, d'une personne spécifique, d'un destin spécifique. En imitant la vie, l'artiste l'apprend. Créer une image a sa propre dialectique. D'une part, le poète développe et crée une image. De l'autre, l'artiste crée l'objectivité de l'image en fonction de ses « exigences ». Ce processus créatif est appelé processus de cognition artistique.

La théorie de l’imitation conserve son autorité jusqu’au XVIIIe siècle, malgré l’identification de l’imitation à une image naturaliste et la dépendance excessive de l’auteur à l’égard du sujet de l’image. Aux XIX-XX siècles. forces Les théories de l’imitation ont conduit au succès créatif des écrivains réalistes.

Un concept différent des principes cognitifs dans l'art - théorie de la symbolisation. Il repose sur l’idée de la créativité artistique comme recréation de certaines essences universelles. Le centre de cette théorie est doctrine du symbole.

Symbole (grec symbolon - signe, marque d'identification) - en science identique à un signe, en art - une image artistique allégorique à valeurs multiples, prise sous l'aspect de son iconicité. Chaque symbole est une image, mais toutes les images ne peuvent pas être qualifiées de symbole. Le contenu d'un symbole est toujours significatif et généralisé. Dans un symbole, l'image dépasse ses propres limites, puisque le symbole a une certaine signification qui se confond indissociablement avec l'image, mais qui ne lui est pas identique. La signification d'un symbole n'est pas donnée, mais donnée ; un symbole dans sa forme directe ne parle pas de la réalité, mais y fait seulement allusion. Les images littéraires « éternelles » de Don Quichotte, Sancho Panza, Don Juan, Hamlet, Falstaff et d'autres sont symboliques.

Les caractéristiques les plus importantes d'un symbole : la relation dialectique d'identité et de non-identité dans un symbole entre le signifié et le signifié, la structure sémantique multicouche du symbole.

Le symbole est proche de l'allégorie et de l'emblème. Dans l'allégorie et l'emblème, le côté figuratif-idéologique est également différent du sujet, mais ici le poète lui-même tire la conclusion nécessaire.

Le concept de l’art comme symbolisation apparaît dans l’esthétique ancienne. Ayant adopté les jugements de Platon sur l’art comme imitation de la nature, Plotin soutenait que les œuvres d’art « n’imitent pas simplement le visible, mais remontent aux essences sémantiques qui constituent la nature elle-même ».

Goethe, pour qui les symboles signifiaient beaucoup, les reliait à la nature organique vitale des principes exprimés à travers les symboles. Les réflexions sur le symbole occupent une place particulièrement importante dans la théorie esthétique du romantisme allemand, notamment chez F.W. Schelling et A. Schlegel. Dans le romantisme allemand et russe, le symbole exprime avant tout un surnaturel mystique.

Les symbolistes russes voyaient l'unité dans le symbole - non seulement de la forme et du contenu, mais aussi d'un certain projet divin supérieur qui se trouve à la base de l'être, à la source de toutes choses - c'est l'unité de la Beauté, du Bien et de la Vérité, discerné par le Symbole.

Le concept de l'art en tant que symbolisation, plus que la théorie de l'imitation, se concentre sur le sens général de l'imagerie, mais il menace de détourner la créativité artistique de la nature multicolore de la vie vers le monde des abstractions.

Un trait distinctif de la littérature, outre son imagerie inhérente, est également la présence de fiction artistique. Dans les œuvres de différents mouvements, mouvements et genres littéraires, la fiction est plus ou moins présente. Les deux formes de typification existant dans l'art sont associées à la fiction - réaliste et conventionnelle.

Depuis l'Antiquité, dans l'art, il existe une méthode de généralisation réaliste, qui présuppose le respect des lois physiques, psychologiques, de cause à effet et autres que nous connaissons. Les épopées classiques, la prose des réalistes russes et les romans des naturalistes français se distinguent par leur similitude avec la vie.

La deuxième forme de typification en art est conditionnelle. Il existe des conventions primaires et secondaires. L'écart entre la réalité et son image dans la littérature et d'autres formes d'art est appelé convention primaire.. Cela inclut le discours artistique, organisé selon des règles particulières, ainsi que le reflet de la vie dans les images de héros, différents de leurs prototypes, mais basés sur la ressemblance avec la réalité. Convention secondaire ndash; manière allégorique généralisations de phénomènes basées sur la déformation de la réalité de la vie et le déni de la ressemblance avec la vie. Les artistes des mots recourent à des formes de généralisation conditionnelle de la vie telles que fantastique, grotesque afin de mieux comprendre l'essence profonde de ce qui est caractérisé (le roman grotesque de F. Rabelais « Gargantua et Pantagruel », « Contes de Pétersbourg » de N.V. Gogol, « L'histoire d'une ville » de M.E. Saltykov-Shchedrin). Un truc grotesque ; "une transformation artistique des formes de vie, conduisant à une sorte d'incongruité laide, à la combinaison de choses incompatibles."

Il existe également des caractéristiques de convention secondaire dans techniques figuratives et expressives(tropes) : allégorie, hyperbole, métaphore, métonymie, personnification, symbole, emblème, litotes, oxymore, etc. Tous ces chemins sont construits sur principe général relation conditionnelle entre les significations directes et figuratives. Toutes ces formes conventionnelles se caractérisent par une déformation de la réalité, et certaines d’entre elles se caractérisent par un écart délibéré par rapport à la plausibilité extérieure. Les formes conventionnelles secondaires ont d'autres caractéristiques importantes : le rôle prépondérant des principes esthétiques et philosophiques, la représentation de phénomènes qui n'ont pas d'analogie spécifique dans la vie réelle. Les conventions secondaires incluent les genres épiques les plus anciens de l'art verbal : mythes, fables folkloriques et littéraires, légendes, contes de fées, paraboles, ainsi que les genres de la littérature du New Age - ballades, pamphlets artistiques (« Les Voyages de Gulliver » de J. Swift ), les contes de fées, la fiction philosophique scientifique et sociale, y compris l'utopie et sa variété - la dystopie.

Les conventions secondaires existent depuis longtemps dans la littérature, mais à différentes étapes de l'histoire de l'art mondial de la parole, elles ont joué un rôle différent.

Parmi les formes conventionnelles des œuvres de la littérature ancienne, les suivantes se sont imposées : hyperbole idéalisante, inhérent à la représentation des héros dans les poèmes d'Homère et les tragédies d'Eschyle, Sophocle, Euripide et grotesque satirique, à l'aide duquel les images des héros comiques d'Aristophane ont été créées.

En règle générale, les techniques et les images de conventions secondaires sont utilisées de manière intensive dans des époques de transition complexes pour la littérature. L'une de ces époques se situe à la fin du XVIIIe - premier tiers du XIXe siècle. quand sont apparus le pré-romantisme et le romantisme.

Romantiques traités de manière créative contes populaires, légendes, traditions, symboles, métaphores et métonymies largement utilisés, qui ont donné à leurs œuvres une généralité philosophique et une émotivité accrue. Dans un cadre romantique direction littéraire un mouvement fantastique est né (E.T.A. Hoffman, Novalis, L. Tick, V.F. Odoevsky et N.V. Gogol). La conventionnalité du monde artistique chez les auteurs romantiques est un analogue de la réalité complexe d'une époque déchirée par les contradictions (« Démon » de M. Yu. Lermontov).

Les écrivains réalistes utilisent également des techniques et des genres de convention secondaire. Chez Saltykov-Shchedrin, le grotesque, à côté d'une fonction satirique (images des maires), a aussi une fonction tragique (image de Judushka Golovlev).

Au 20ème siècle le grotesque renaît. Durant cette période, on distingue deux formes de grotesque : le moderniste et le réaliste. A. France, B. Brecht, T. Mann, P. Neruda, B. Shaw, Fr. Dürrenmatt crée souvent des situations et des circonstances conditionnelles dans ses œuvres et recourt à des couches temporelles et spatiales changeantes.

Dans la littérature du modernisme, les conventions secondaires revêtent une importance primordiale (« Poèmes sur la Belle Dame » de A.A. Blok). Dans la prose des symbolistes russes (D.S. Merezhkovsky, F.K. Sologub, A. Bely) et d'un certain nombre d'écrivains étrangers (J. Updike, J. Joyce, T. Mann), apparaît un type particulier de roman mythique. Dans le drame de l'âge d'argent, la stylisation et la pantomime, la « comédie des masques » et les techniques du théâtre antique reprennent vie.

Dans les travaux de E.I. Zamyatin, A.P. Platonov, A.N. Tolstoï, M.A. Boulgakov, la néo-mythologie scientiste prédomine, en raison de l'image athée du monde et associée à la science.

La fiction dans la littérature russe de la période soviétique servait souvent de langue ésopienne et contribuait à la critique de la réalité, qui se manifestait dans des genres aussi vastes sur le plan idéologique et artistique que roman dystopique, histoire de légende, histoire de conte de fées. Le genre de la dystopie, de nature fantastique, s'est finalement formé au 20e siècle. dans les travaux d'E.I. Zamiatine (roman « Nous »). Des œuvres mémorables du genre dystopique ont également été créées par des écrivains étrangers - O. Huxley et D. Orwell.

A la même époque, au 20ème siècle. La fiction de contes de fées a également continué à exister (« Le Seigneur des Anneaux » de D.R. Tolkien, « Un petit prince» A. de Saint-Exupéry, dramaturgie d'E.L. Schwartz, créativité de M.M. Prishvin et Yu.K. Olesha).

La ressemblance avec la vie et les conventions sont des méthodes égales et interactives de généralisation artistique à différentes étapes de l'existence de l'art verbal.

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Pour les étudiants devrait faire connaissance avec les concepts d’image et de signe, les principales dispositions de la théorie aristotélicienne de l’imitation de l’art de la réalité et de la théorie platonicienne de l’art comme symbolisation ; savoir ce qu'est la généralisation artistique en littérature et en quels types elle est divisée. Besoin de j'ai une idée sur la ressemblance avec la vie, les conventions secondaires et leurs formes.

Les étudiants doivent avoir des idées claires:

• sur l'imagerie, le signe, le symbole, les chemins, les genres de convention secondaire.

L'étudiant doit acquérir des compétences

• l'utilisation de la littérature scientifique, critique et de référence, l'analyse du vivant et des conventions secondaires (fantastique, grotesque, hyperbole, etc.) dans les œuvres littéraires et artistiques.

1. Donnez des exemples d'image artistique au sens large et étroit du terme.

2. Présenter la classification des signes sous forme de schéma.

3. Donnez des exemples de symboles littéraires.

4. Laquelle des deux théories de l'art comme imitation critique O. Mandelstam dans l'article « Le matin de l'acméisme » ? Donnez les raisons de votre point de vue.

5. En quels types de conventions artistiques sont divisés ?

6. Comment genres littéraires Existe-t-il une convention secondaire ?

CONVENTION ARTISTIQUE - au sens large, une manifestation de la spécificité de l'art, qui réside dans le fait qu'il ne fait que refléter la vie, et ne la représente pas sous la forme d'un phénomène véritablement réel. Au sens étroit, une manière de révéler au sens figuré la vérité artistique.

Le matérialisme dialectique part du fait qu'un objet et son reflet ne sont pas identiques. Connaissances artistiques, comme la cognition en général, est un processus de traitement des impressions de la réalité, s’efforçant d’en identifier l’essence et d’exprimer la vérité de la vie sous la forme d’une image artistique. Même dans le cas où les formes naturelles ne sont pas violées dans une œuvre d'art, l'image artistique n'est pas identique à celle représentée et peut être qualifiée de conventionnelle. Une telle convention ne fait que rendre compte du fait que l’art crée un nouvel objet et que l’image artistique a une objectivité particulière. La mesure de la convention est déterminée par la tâche créatrice, le but artistique, principalement par la nécessité de préserver l'intégrité interne de l'image. Le réalisme ne rejette pas la déformation et la recréation des formes naturelles, si l'essence est révélée par de tels moyens. Lorsqu'ils parlent de conventions réalistes, ils n'entendent pas un écart par rapport à la vérité de la vie, mais une mesure de respect des spécificités de l'espèce, des caractéristiques nationales, ethnographiques et historiques. Par exemple, les conventions du théâtre antique, les « trois unités » de la période du classicisme, l'originalité du théâtre Kabuki et le psychologisme de Moscou. Le théâtre artistique académique doit être considéré dans le contexte des traditions, des idées artistiques établies et de la perception esthétique.

Le but de la convention artistique est de trouver les formes les plus adéquates de l'essence contenue dans ces formes afin d'en révéler le sens, en lui donnant le son métaphorique le plus expressif. La conventionnalité devient un moyen de généralisation artistique, présupposant une émotivité accrue de l'image et conçue pour la même réponse émotionnellement expressive du public.

À cet égard, le problème de la compréhension, le problème de la communication, acquièrent une importance particulière. Il existe un certain nombre de formes traditionnelles dans lesquelles divers systèmes conventionnels sont utilisés : allégorie, légende, formes monumentales dans lesquelles le symbole et la métaphore sont largement utilisés. Ayant reçu une justification logique et psychologique, la convention devient une convention inconditionnelle. Même N.V. Gogol croyait que plus l'objet était ordinaire, plus il fallait être poète pour en extraire l'extraordinaire. L'œuvre de Gogol lui-même, ainsi que d'artistes qui utilisent généreusement le grotesque et la métaphore (D. Siqueiros et P. Picasso, A. Dovzhenko et S. Eisenstein, B. Brecht et M. Boulgakov), se fixe comme objectif la destruction consciente d'illusion, de croyance en l'authenticité. Dans leur art, la métaphore est une combinaison unique d’impressions éloignées les unes des autres et survenant à des moments différents, lorsqu’un signe conventionnel devient la base pour combiner les impressions du spectateur en un seul complexe.

L’esthétique réaliste s’oppose à la fois au formalisme et à la reproduction protocolaire de la réalité. Le réalisme socialiste utilise des formes conventionnelles ainsi que d’autres formes de reflet de la réalité.