La sculpture, comme la peinture et l'architecture, était au service de la monarchie, de l'Église et de la bourgeoisie. L'une des principales réalisations du maniérisme (de l'italien maniera, manière) en matière de sculpture a été l'expression, que le style baroque a développée à un niveau sans précédent. En général, la tendance suivante existait en sculpture : une figure humaine sur fond de bâtiment est assimilée à un concert pour voix et orchestre. Les personnages s'étendent au-delà de la niche, le cadre devient une forme tridimensionnelle dans laquelle on peut entrer derrière. La sculpture ressemble à la peinture, la peinture ressemble à la sculpture. La première innovation introduite par la sculpture baroque fut un intérêt pour la complexité dramatique et la diversité du monde. L'attention principale a été portée au dynamisme de l'ensemble à travers la mise en œuvre de scènes illustrant un moment précis d'une action. Les sculpteurs ont cherché à inclure le public dans l'espace de la sculpture et à rehausser le spectacle de la scène. De nombreux maîtres ont commencé à utiliser des combinaisons de divers matériaux dans leurs œuvres. Dans la sculpture baroque, l'harmonie et la clarté de la Renaissance cèdent la place à des éléments de formes changeantes, résolument dynamiques, souvent remplies d'une pompe solennelle. Les tendances décoratives se développent rapidement : la sculpture est littéralement liée à l'architecture des églises, des palais, des fontaines et des parcs. À l’époque baroque, de nombreux portraits et monuments d’apparat ont également été créés. Les principes du classicisme, repensés au siècle des Lumières, ont joué un rôle important dans le développement de la sculpture d'Europe occidentale dans la 2e moitié du XVIIIe - 1er tiers du XIXe siècle, dans laquelle, outre les thèmes historiques, mythologiques et allégoriques, les tâches de portrait acquis une grande importance.
Les plus grands représentants de la sculpture baroque sont L. Bernini en Italie, A. Schlüter en Allemagne, P. Puget en France, où le classicisme s'est développé en étroite relation avec le baroque (les caractéristiques des deux styles se sont entrelacées dans les œuvres de F. Girardon, A .Coisevox, etc.). Un autre sculpteur majeur fut Antonio Canova, dont les premières œuvres reflètent le style baroque. Le choix des sujets liés à des thèmes bibliques, mythologiques de nature héroïque ou dramatique est typique. Ses œuvres se distinguent par leur monumentalité, leur caractère inhabituel, leur prétention, leurs angles dynamiques et leur son dramatique général (« Orphée », « Hercule et Lichas »). Peu à peu, Canova s'éloigne du style baroque et ses meilleures œuvres appartiennent au classicisme. Dans le même temps, les sculpteurs de cette période renforcent l’élément théâtral dans leurs compositions.
Il convient de noter Giovanni Lorenzo Bernine (1598-1680), considéré comme le plus grand maître de tout le baroque italien. En tant qu'architecte de la cour et sculpteur des papes, G. Bernini a dirigé tous les travaux architecturaux à Rome. Dans son œuvre, l'interaction active des masses architecturales et de l'espace, caractéristique du baroque, s'est manifestée le plus clairement. Ses œuvres se distinguent par leur portée spatiale, la pompe cérémonielle de leur décoration, la dynamique flexible des formes et les effets de perspective audacieux. Il combine de manière pittoresque divers matériaux, en utilisant des peintures, des dorures et du marbre. La première œuvre architecturale du Bernin fut la reconstruction de l'église romane de Santa Bibiana (1624) avec Piero da Cortona. Il devient ensuite célèbre pour sa conception du maître-autel de la basilique Saint-Pierre (1624-1633), réalisé conjointement avec Francesco Borromini, situé au centre du vaste intérieur de la cathédrale, sous une coupole réalisée par Michel-Ange. Conformément au projet du Bernin, une structure entière s'élevait au-dessus de l'autel, avec d'immenses colonnes de bronze torsadées de 26 mètres soutenant un riche dais en bronze doré. Il a été conçu comme un dais monumental au-dessus du tombeau de Saint-Pierre, rappelant le dais traditionnellement tenu au-dessus du pape lorsqu'il se déplace dans l'église. Au sommet se trouvent une boule et une croix soutenues par quatre anges. Le motif des colonnes torsadées apparaît pour la première fois dans l'architecture gothique ; cette forme essentiellement déconstructive a été utilisée par le Bernin et acquise ici dans la cathédrale Saint-Pierre. Peter, la signification de l'un des principaux thèmes architecturaux. Les colonnes entrelacées de branches de laurier et le dais lui-même sont recouverts de nielle ; sur ce fond, des détails dorés étincelants apparaissent, ce qui crée un fort effet architectural. Le Bernin était un sculpteur exceptionnel de son époque. Ses œuvres se caractérisent par un modelage plastique parfait, le dynamisme et l'expressivité des images. Particulièrement caractéristique est sa célèbre composition sculpturale « L'Extase de Sainte Thérèse » dans l'église romane de Santa Maria della Vittorio, représentant une vision mystique de la célèbre associée de l'église, la Carmélite Thérèse, au cours de laquelle un ange pénétra son cœur avec un flèche ardente de l'amour divin. Le Bernin construit l'intérieur de la chapelle Cornaro autour de son groupe sculptural avec Sainte Thérèse. Un pavillon de marbre avec une ouverture au sommet où la lumière jaillit d'une haute fenêtre, l'effet illusionniste des nuages sur la voûte, de fausses tribunes où sont assis les spectateurs contemplant cette scène... Il est impossible de réaliser une plus grande analogie avec le théâtre. En 1629, le Bernin fut nommé architecte en chef de la basilique Saint-Pierre et le palais Barberini créa la colonnade et la place devant la basilique Saint-Pierre - le plus grand ensemble architectural d'Italie au XVIIe siècle. Une des plus belles églises d'Italie du XVIIe siècle. L'église romane de Sant'Andrea, construite par le Bernin en 1653, est à juste titre considérée. Les décorations religieuses et artistiques les plus impressionnantes réalisées par le Bernin sont le « Trône de Saint-Pierre » (1657-1666) - un revêtement en bronze doré du trône médiéval en bois (cathedra) du pontife. L'illusion est créée que la chaise est soutenue par 4 figures en bronze des pères fondateurs de l'église primitive : Saint-Pierre. Ambroise, Athanase, Jean Chrysostome et Augustin, au-dessus d'eux se trouve la gloire dorée des anges sur des nuages dans des rayons de lumière émanant du Saint-Esprit sous la forme d'une colombe dans la fenêtre ovale. À la fin de sa créativité, le Bernin a achevé la conception de la chapelle de la cathédrale Saint-Pierre - Santissimo Sacramento (1673-1674), dans laquelle il a contrasté les profils doux des anges célestes avec l'architecture du dôme de bronze. La plus grande de ces dernières œuvres est la chapelle Altieri de San Francesco Ripa (vers 1674) à Rome. Dans une niche au sommet de l'autel se trouve une statue représentant la mort du bienheureux Ludovico Albertoni.
Traduit de l'italien, barocco signifie « étrange, surprenant, bizarre ». Le style baroque est né lors de la formation du système de gouvernement monarchique en Italie. Il a été largement utilisé dans les domaines des beaux-arts, de la sculpture, de la musique et de l'architecture. Sa vocation était de glorifier le pouvoir de l’Église et de la société aristocratique de l’époque. Le baroque a pu exprimer une nouvelle idée de l'infini et de la diversité du monde environnant, de son unité et de sa variabilité dramatique, et a suscité un intérêt pour les éléments de la nature.
L'histoire du baroque - une nouvelle ère en Europe pour remplacer la Renaissance
C'est en Italie qu'est née la Haute Renaissance (XVIe siècle). Malgré la situation politique difficile du pays, dominé par les étrangers (Espagnols et Français), l'Italie continue de rester le centre culturel de l'Europe. Durant cette période, les Italiens ne pouvaient pas se permettre de construire un nouveau chic ou, comme on l'appelait auparavant, un nouveau style).
L’avènement du baroque a permis de créer l’illusion de richesse sans matériaux coûteux.
Le développement actif de la culture a commencé en raison d'un manque de fonds. La construction de palais luxueux dépassait les moyens de la noblesse et des représentants des autorités ecclésiastiques, mais ils avaient encore besoin de la confirmation de leur propre richesse et de leur pouvoir. Les classes supérieures se sont tournées vers l'art pour obtenir de l'aide - la direction émergente les a élevées et, grâce à cela, a gagné de plus en plus en popularité.
Caractéristiques et caractéristiques de style
Le mouvement baroque se caractérise par le contraste des images et leur dynamisme, la combinaison des formes illusoires et de la réalité et la splendeur des compositions. Des éléments sculpturaux, des colonnes bossagées, des volutes et des croisillons, ainsi que des pilastres sont utilisés à l'intérieur et à l'extérieur des bâtiments. Il était souvent possible de trouver des colonnades élargies aux proportions significatives. Le style baroque a hérité de la tendance à étonner l’imagination. Cela peut être observé dans des formes de dôme complexes, réalisées sous la forme de structures à plusieurs niveaux. Les caractéristiques distinctives incluent également l'utilisation de cariatides, d'atlas et de mascarons.
Le classicisme est un mouvement artistique (17-19 siècles). Caractérisé par un retour à une culture considérée comme un modèle idéal.
Des contributions inestimables au domaine de l’architecture ont été apportées par :
- Donato Bramante est le fondateur de l'architecture baroque.
- Giacomo Della Porta, Carlo Maderna et Domenico Fontana sont des architectes du début du baroque.
- Francesco Brromini est un représentant de l'architecture radicale.
- Santino Solari - a créé la première cathédrale baroque de Salzbourg.
Sculpture
La sculpture faisait partie intégrante de l’art baroque. Lorenzo Bernini était reconnu comme le sculpteur le plus célèbre du XVIIe siècle. Ses œuvres les plus populaires sur des thèmes mythologiques sont :
- Pluton (dieu des enfers) enlevant Proserpine.
- « L'Extase de Sainte Thérèse » est un groupe d'autel situé dans l'une des églises de Rome.
- Apollon (dieu de la lumière) poursuivant la nymphe Daphné, qui se transforme miraculeusement en arbre.
La photo montre une sculpture baroque en bois. C'est ce matériau qui a prévalu dans la création de sculptures, et pour un plus grand réalisme avec des tailles de cristal et des yeux en verre.
Mode
L'ère baroque s'est développée sous le règne de Louis XIV (2e moitié du XVIIe siècle), quand une étiquette impeccable régnait à la cour. La France était le pionnier des tendances de la mode en Europe, et d'autres pays suivaient strictement les tendances de la mode française.
Les tenues européennes se caractérisent par un faste incroyable, complété par de nombreuses décorations.
Les robes des belles dames ont changé - contrairement au début de la Renaissance, elles étaient en fanon de baleine. La robe s'élargit progressivement au bas de la jupe et une traîne était attachée au dos de la robe. Un décolleté profond révélait les épaules et les coiffures hautes devenues à la mode étaient recouvertes de foulards et de casquettes en tissu fin.
Les hommes portaient de longs caftans décorés de dentelles et de nœuds colorés. Les bottes hautes étaient portées exclusivement lors des campagnes militaires ou sur les champs. Dans un cadre civil, les représentants du sexe fort portaient des chaussures. Les chaussures étaient décorées d'agraphes (boucles), mais au fil du temps, les nœuds sont devenus plus populaires.
La tête des messieurs est couverte d'élégantes perruques, flottant en mèches bouclées sur les épaules et dressées. Les femmes et leurs petits amis ont commencé à utiliser des produits cosmétiques en quantités exorbitantes. Les visages et les perruques étaient soigneusement poudrés. De plus, des mouches sont apparues - elles contrastaient vivement avec l'incroyable blancheur de la peau.
Un exemple des tenues de la période baroque est visible sur la photo.
Caractérisé par une théâtralisation accentuée des images, le dynamisme des poses, l'expressivité des visages et des gestes et une extravagance spécifique. Il est apparu entre le XVIIe et la première moitié du XVIIIe siècle comme l’une des composantes culturelles de l’ère baroque.
L’une des principales réalisations du maniérisme en sculpture était l’expression, que le style baroque a développée à un niveau sans précédent. Dans le même temps, les sculpteurs de cette période, dirigés par le Bernin, renforcent l'élément théâtral dans leurs compositions.
La première innovation introduite par la sculpture baroque fut un intérêt pour la complexité dramatique et la diversité du monde. L'attention principale a été portée au dynamisme de l'ensemble à travers la mise en œuvre de scènes illustrant un moment précis d'une action. Les sculpteurs ont cherché à inclure le public dans l'espace de la sculpture et à rehausser le spectacle de la scène. De nombreux maîtres ont commencé à utiliser des combinaisons de divers matériaux dans leurs œuvres. La sculpture, comme la peinture et l'architecture, était au service de la monarchie, de l'Église et de la bourgeoisie.
Gian Lorenzo Le Bernin (1598-1680)
Le Bernin est considéré comme le créateur et le représentant du baroque. Sa sculpture incarnait les principaux éléments de ce style : dynamisme des poses, virages serrés des corps, expressivité des gestes et des visages, surface en marbre poli, ainsi que des angles multiples, qui permettent de percevoir la sculpture sous différents points de vue. Le Bernin faisait briller le marbre, ce qui donnait à ses marbres dits « parlants », y compris ses portraits de cour, une vitalité particulière. Il a su extraire l'essentiel des souhaits de ses clients et, en combinaison avec les réalisations de ses prédécesseurs et l'ensemble du patrimoine artistique, il a réduit le tout à une seule idée principale. Il a inclus le spectateur dans l'action et a créé un espace interactif entre lui et son œuvre. Parmi ses meilleures œuvres de la première période figurent Apollon et Daphné (1622-1625) et David (1623).
La créativité du Bernin s'épanouit sous le règne du pape Urbain VIII (1623-1644) et se poursuit jusqu'en 1660. Pour donner une plus grande expressivité aux personnages, le sculpteur améliore les expressions du visage et coupe soigneusement les plis des vêtements. Les œuvres les plus remarquables de cette période sont "Saint Longin" (1629-1638) dans la basilique Saint-Pierre, un portrait réaliste et expressif de Constanza Buonarelli (1635), un monument funéraire du pape Urbain VIII (1627-1644), où le Bernin polychrome introduit, "L'Extase de Sainte Thérèse" (1647-1652), est un chef-d'œuvre du maître, qui a une connotation érotique, et le dais de la basilique Saint-Pierre (1657-1666), soulignant la grandeur du pouvoir papal . La dernière période de l’œuvre du sculpteur (1670-1680) est marquée par un essor de la spiritualité. Parmi les œuvres de cette période, se distingue la « Bienheureuse Lodovica Albertoni » (1674).
Vanité mythique française
Sculpture française du 17ème siècle. marque le début d’un déclin que seuls quelques auteurs apparus en Italie parviennent à éviter. À un moment donné, Simoi Gillen se démarque en démontrant un grand talent dans la création de portraits strictement conformes aux canons académiques. Jean Barin est devenu célèbre comme médaillé à l'époque du cardinal de Richelieu. Jacques Sarrazin, issu de l'école italienne, allie classicisme et baroque dans son œuvre et devance le style de Louis XIV. Les frères Angers suivent également le modèle italien, pour ensuite se tourner vers un classicisme plus sentimental. Deux sculpteurs, François Girardon et Antoine Coyzevox, rompent avec l'héritage du Bernin. Tous deux travaillèrent à la décoration du château de Versailles et furent les sculpteurs préférés du roi. Girardon a été guidé par le classicisme, qui s'est manifesté dans le groupe sculptural « Apollon et les nymphes de Téthys » (1666) et la pierre tombale du cardinal de Richelieu (1675-1677). Son successeur Coyzevox s'illustre à Versailles dans le domaine de la décoration, où il s'écarte des canons classiques.
Expression du sentiment religieux en Espagne
Lorsque nous parlons de sculpture en Espagne, nous entendons l'ensemble du territoire contrôlé par la monarchie espagnole au XVIIe siècle : la Lombardie, Naples, la Flandre et l'Amérique. La sculpture baroque en Espagne avait ses spécificités : elle s'éloignait des traditions de la Renaissance et se concentrait sur l'incarnation du pathétique, faisant appel aux sentiments du public.
Dans les arts plastiques, une certaine dualité s'établit entre réalisme et symbolisme : des intrigues tirées de la vie réelle sont utilisées, mais leur lecture dans une clé religieuse est proposée. Dans la forme, la sculpture était plus proche du classicisme et dans le contenu, du baroque. De nombreux maîtres ont travaillé dans les traditions de la sculpture polychrome populaire, et la sculpture du XVIIe siècle a trouvé son incarnation la plus élevée dans la sculpture polychrome, qui combinait les arts plastiques et la peinture. Non seulement l'église, mais aussi la cour royale encourageaient les sculpteurs à créer des sculptures en pierre, notamment des pierres tombales.
Compte tenu des caractéristiques locales, il est d'usage de distinguer plusieurs écoles. L'un des maîtres majeurs de l'école de Valladolid fut Gregorio Fernández, qui passa du maniérisme tardif aux sommets du baroque. Son œuvre « Pieta » (1617) pour le monastère des Augustins de Valladolid est intéressante. En Andalousie, toute l'activité était concentrée dans deux villes - Séville et Grenade, où les sculpteurs mettaient l'accent sur le réalisme des images sacrées, mais renforçaient leur émotivité et leur spiritualité. À Séville, on peut retracer l'évolution du naturalisme mystique et ascétique de Martínez Montánez jusqu'au baroque développé de Pedro Roldán. Dans l'œuvre du premier, les images de saint Jérôme (1600) et de saint François Xavier (1619) sont intéressantes, et dans l'œuvre du second, le dessin de l'autel de la cathédrale de Séville (1670-1672). ). À Grenade, l'œuvre d'Alonso Cano s'est développée du baroque au classicisme, comme le montre clairement l'exemple de « l'Immaculée » de la sacristie de la cathédrale de Grenade (1655). José Risueño est le meilleur représentant du baroque tardif. Dans la période précédant l'avènement du rococo, Francisco Salcillo était actif à Murcie. La Catalogne est célèbre pour ses magnifiques décorations d'autel.
Contrairement à l'Italie ou à la France, où, outre les thèmes religieux, les thèmes mythologiques étaient également largement cultivés, la sculpture baroque en Espagne était de nature purement cultuelle. La sculpture en bois, ensuite peinte, était très appréciée. Un exemple typique est la Pietà (1617 ; Musée National de Sculpture, Valladolid). Ce groupe sculptural, réalisé par Gregorio Fernandez, est empreint d'un profond pathétique.
Introduction
Persienne
Paris
Grès; hauteur - 2 m
Période akkadienne 2300-2100. avant JC e.
Stèle du roi Naramsin :
Hauteur 2 m
En l'honneur de la victoire sur les Lalubei
Au-dessus se trouve une montagne
2 symboles – lune et soleil
Le paysage est représenté (qui était étranger aux Sumériens)
La figure du roi Nerumsen se distingue par son ampleur
Le roi Lalubei demande grâce
Le jeune homme se pencha en arrière de manière expressive
Unité de composition
Composition – diagonales montantes (donnent de la dynamique, un son triomphant)
Plusieurs cadavres - défaite conventionnellement montrée
Les proportions humaines sont réalistes ; Plastique; nouveaux principes de composition
Au moment de l'accession triomphale du baroque au trône de la culture européenne, les maîtres des arts plastiques avaient déjà réalisé tout ce qui faisait de la sculpture du XVIIe siècle l'un des instruments de pouvoir les plus efficaces. La sculpture baroque s'appuie fermement sur le réalisme ravivé par la Renaissance et le résultat des recherches créatives des maniéristes. L’une des principales réalisations du maniérisme en sculpture était l’expression, que le style baroque a développée à un niveau sans précédent. Dans le même temps, les sculpteurs de cette période, dirigés par le Bernin, renforcent l'élément théâtral dans leurs compositions. L'art baroque était un théâtre : tous ses genres se complétaient, créant un espace dans lequel l'architecture était perçue comme une scène, et la sculpture et la peinture créaient un spectacle vivant.
Ces lignes directrices contiennent une brève description de la sculpture baroque en Italie, en Espagne, en France et en Allemagne, présentée dans les sections pertinentes et identifiant les traits stylistiques communs et les caractéristiques nationales, ainsi qu'une brève description de l'intérieur des palais et hôtels particuliers baroques. Le texte est accompagné d'illustrations qui permettent de mieux révéler le contenu du matériel pédagogique. Les sections contiennent des questions de test sur le sujet considéré, se concentrant sur les objectifs de l'étude et augmentant le niveau de maîtrise de soi des étudiants.
Le but de ces lignes directrices est de contribuer à la formation d'une base de connaissances systématiques nécessaires sur le thème de la « Sculpture baroque », donnant une idée de l'émergence, des caractéristiques, de la diffusion du style, de sa place et de sa signification dans l'histoire.
Le courant puissant du baroque a entraîné si uniformément l'architecture, la sculpture, la peinture et l'art ornemental qu'aucun d'entre eux n'a osé apparaître sans lien avec les autres. La sculpture baroque est étroitement liée à l'architecture. Il décore les façades et les intérieurs des églises, des villas, des palais urbains, des jardins et parcs, des autels, des pierres tombales, des fontaines.
L'innovation introduite par la sculpture baroque était un intérêt pour la complexité dramatique et la diversité du monde. L'attention principale a été portée au dynamisme de l'ensemble dû à l'incarnation des scènes, un certain moment d'une action. Les sculpteurs ont cherché à inclure le public dans l'espace de la sculpture et à accroître la valeur ludique de la scène. De nombreux maîtres ont commencé à utiliser des combinaisons de divers matériaux dans leurs œuvres. La sculpture, comme la peinture et l'architecture, était au service de la monarchie, de l'Église et de la bourgeoisie.
Dans le baroque, il est parfois impossible de séparer le travail de l'architecte et celui du sculpteur. L'artiste qui combinait le talent des deux était Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680). En tant qu'architecte de la cour et sculpteur des papes, le Bernin exécutait les commandes et dirigeait tous les grands travaux architecturaux, sculpturaux et décoratifs réalisés pour décorer la capitale. Il possède la création la plus typique du baroque - l'éblouissante richesse décorative des matériaux divers, l'imagination artistique débridée de la seigneurie de la cathédrale Saint-Pierre (1657-1666) (Fig. 1.1), ainsi que de nombreuses statues, reliefs et les pierres tombales de la cathédrale.
Le Bernin s'est tourné, comme les maîtres de la Renaissance, vers des sujets à la fois antiques et chrétiens. Mais son image de David (Fig. 1.2), par exemple, sonne différemment de celle de Donatello, Verrocchio ou Michel-Ange. ʼʼDavidʼʼ Le Bernin est un rebelle, il n'a pas la clarté et la simplicité des images du Quattrocento, l'harmonie classique des images de la Haute Renaissance. Contrairement à ses prédécesseurs, le Bernin a montré le duel entre David et Goliath lui-même, et non sa préparation ni sa finale. David se retourne brusquement pour lancer une pierre de sa fronde sur la tête de son adversaire. Les jambes sont largement écartées, le visage reflète l'excitation sombre du combat. Le sculpteur a fait de David un symbole de la justice divine.
Riz. 1.2 Giovanni Lorenzo Le Bernin
était un artiste typique qui travaillait pour le compte de l'Église catholique. C'est pour cette raison que dans ses images d'autel, une certaine idée religieuse est toujours clairement exprimée dans le langage de la plasticité baroque. Il s'agit, par exemple, de l'une de ses meilleures compositions : « L'Extase de sainte Thérèse » (1645-1652) (Fig. 1.9) dans l'église Santa Maria della Vittoria à Rome. Ici, il combine des marbres de différentes couleurs et du bronze doré en une seule œuvre, obtenant ainsi une illusion totale et le plus grand pittoresque de la sculpture. Le Bernin a poli la pierre, la faisant jouer avec de nombreux reflets. Il transmet les plus belles nuances : la texture du tissu, l'éclat des yeux, le charme sensuel du corps humain. Sa déclaration est connue : « J’ai rendu le marbre aussi flexible que la cire ». Ceci est confirmé par les magnifiques groupes sculpturaux « L'Enlèvement de Proserpine » (1621-1622) (Fig. 1.3) et « Apollon et Daphné » (1622-1624) (Fig. 1.4), réalisés sur les thèmes de la mythologie romaine antique, « Bienheureux Lodovica Albertoni » (16 74 ᴦ.) (Fig. 1.5) est la dernière œuvre du maître.
Le maître a créé de nombreux autels sculpturaux pour les églises romaines, les pierres tombales de personnages célèbres de son temps, les fontaines des principales places de Rome (Piazza Barberini, Piazza Navona (Fig. 1.7, Fig. 1.8), etc.), et dans toutes ces œuvres leur lien organique se manifeste avec l'environnement architectural.
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Riz. 1.3 Fig. 1.4
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Le Bernin est le créateur du portrait baroque. Cette image est cérémoniale, théâtrale, décorative, mais l'ostentation globale de l'image n'obscurcit pas l'apparence réelle du modèle. Tel est par exemple le portrait du cardinal Scipione Borghese (1632) (Fig. 1.6).
Riz. 1.6 Fig. 1.7. Fontaine ʼʼQuatre Rivièresʼʼ.
Fragment. 1648-1651.
Riz. 1.8. Place Navone. Fontaine ʼʼQuatre Rivièresʼʼ. 1648-1651.
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Le Bernin est considéré comme le créateur et le représentant du baroque. Sa sculpture incarnait les principales caractéristiques de ce style :
Brouiller les frontières entre les tâches de la sculpture et de la peinture ;
Refus du repos plastique ; non seulement dans les poses, mais
et dans le jeu des visages se manifeste le désir d'exprimer la vie et la passion ;
Reproduction non pas de l'état des héros, mais de l'action à partir de laquelle
un bref instant est capturé ;
Transfert illusoire de la texture des objets ;
Amour pour combiner différentes matières (texture, couleur);
Complication des silhouettes et des angles des figures, qui permet de percevoir
sculpture sous différents points de vue ;
Théâtralisation de l'action ;
Impliquer le spectateur dans l’action et créer un espace interactif
entre lui et l'œuvre.
Questions de test et devoirs sur le thème «Sculpture baroque d'Italie»
1. Nommez les traits caractéristiques de la sculpture baroque.
2. Existe-t-il un lien entre l’architecture baroque et la sculpture ?
Quel est le rôle de la sculpture baroque dans la résolution des problèmes stylistiques généraux ?
3. Nommez les sculpteurs italiens qui ont travaillé dans le style baroque.
4. Déterminer les limites thématiques de la sculpture baroque.
5. À quelles compositions sculpturales de L. Bernini sont dédiées
des histoires mythologiques ? Expliquer la nouvelle interprétation de ces images,
qui était au service du catholicisme.
6. Donnez une description comparative de « David » de L. Bernini et
Interprétation Renaissance de l'image, mettant en valeur les caractéristiques inhérentes à cette œuvre
Caractéristiques baroques.
7. Nommez la composition sculpturale de L. Bernini, qui est
un exemple de synthèse des arts baroques ; donner une description.
8. Nommez les traits caractéristiques d'un portrait sculptural baroque dans
exemple des œuvres de L. Bernini.
Il est impossible d'imaginer une architecture baroque sans décoration sculpturale. Selon sa destination, la sculpture baroque est divisée en culte et profane. La sculpture culte comprend des statues individuelles, des groupes sculpturaux, des compositions en relief et des pierres tombales sculpturales. Leur thème principal est la représentation de personnages des Saintes Écritures, de scènes de miracles et de martyres. La sculpture baroque culte est un semblant de passions et d'affects terrestres, colorés par une impulsion spirituelle. Comme exemple le plus frappant, on peut citer l'exemple de la composition sculpturale de Giovanni Bernini « L'Extase de sainte Thérèse ».
La sculpture baroque profane est représentée par des monuments de divers types et objectifs : statues d'apparat de monarques, portraits de la noblesse, sculptures pour fontaines urbaines et sculptures paysagères. Une caractéristique typique de la sculpture baroque est le besoin d’environnement, une interaction active avec lui, avec les éléments eau, air, lumière. Les œuvres de sculpture baroque nécessitent un cadre architectural ou paysager, de sorte que leur impression se perd dans l'environnement muséal. Les sculpteurs baroques aiment le marbre et le bronze, une combinaison de matériaux précieux et décoratifs. Mais dans les pays à forte tradition d'artisanat paysan (Bavière, Autriche, Pologne, pays baltes), le bois connaît un brillant renouveau dans les ensembles décoratifs de décoration d'églises.
Dans les sculptures baroques, nous constatons la subordination du matériau à l'idée artistique. L'expression du mouvement dans l'art plastique baroque est particulièrement évidente dans les groupes sculpturaux créés pour les fontaines. Parmi elles se trouvent les œuvres célèbres du Bernin - la fontaine du « Triton » sur la Piazza Barberini à Rome, la fontaine des « Quatre Fleuves » sur la Piazza Navona, etc. Le cœur de leur conception compositionnelle est le mouvement de l'eau. La sculpture et l’eau forment un tout. Les figures et les blocs de pierre bruts aux formes asymétriques font écho au mouvement de l'eau, ses flux et ses ruisseaux battent dans des directions différentes. Tout est connecté dans un ensemble complexe, apparemment aléatoire – un produit des éléments naturels. L’ensemble donne une impression de la vie indomptable de la nature.À la Renaissance, la peinture s'orientait vers les principes sculpturaux ; à l'époque baroque, la sculpture tendait vers le pittoresque. Les maîtres sont fiers de leur capacité à comparer la sculpture à la peinture. Cet effet est favorisé par les reflets lumineux jouant sur la surface des sculptures. Les plans des sculpteurs sont conçus pour percevoir les transitions les plus délicates de lumière et d'ombre sur le corps humain, c'est pourquoi l'espace aérien entourant les personnages joue un rôle très important dans l'art baroque. C’est le baroque qui a ouvert l’ère des paysages et des parcs à la sculpture profane.
À la fin du baroque, la sculpture décorative atteint une liberté totale : les statues remplissent tout l'espace des églises et des façades, s'assoient sur les rebords des corniches et s'envolent jusqu'au dôme. À la Renaissance, la sculpture servait de décoration aux murs ; à l’époque baroque, elle devint une décoration pour l’espace.
Le maître le plus brillant de la sculpture culte baroque était Balthasar Permoser (« Désespoir des damnés », « Saint Ambroise »). Ses œuvres se distinguent par une expression qui se transforme en une grande force intérieure, le caractère unique des petites œuvres plastiques et des problèmes philosophiques globaux.
Le sculpteur Antonio Canova est connu pour son travail de style baroque. Ses œuvres se caractérisent par un choix de sujets liés à des thèmes bibliques, mythologiques, de nature héroïque ou dramatique. Ses œuvres se distinguent par leur monumentalité, leur caractère inhabituel, leur prétention, leurs angles dynamiques et leur son dramatique général (« Orphée », « Hercule et Lichas »). Peu à peu, Canova s'éloigne du style baroque et ses meilleures œuvres appartiennent au classicisme.
À l’époque baroque, de nombreux portraits et monuments d’apparat ont également été créés.
Les plus grands représentants de la sculpture baroque sont L. Bernini en Italie, en Allemagne et en France, où le classicisme se développe en étroite relation avec le baroque (les caractéristiques des deux styles sont étroitement liées dans les œuvres de F. Girardon, A. Coisevoux, etc.).
En Russie, il travaille dans le style de la sculpture baroque.
