Motifs et ornements baroques. Éléments décoratifs et ornements du style baroque Dessin au crayon de meubles de style baroque

L'ornement baroque rompt avec l'harmonie sereine de l'art ornemental de la Renaissance. Les expressions de paix et d’équilibre ont progressivement commencé à céder la place à une nouvelle compréhension de la beauté. L'imitation aveugle du décor antique disparaît. Les éléments lourds et massifs sont rendus plus arrondis (cartouche), plus solennels. Dans la période initiale, le motif le plus répandu était un masque, parfois rieur, qui remplaçait le motif solaire. Les lignes droites de l’ornement sont progressivement remplacées par des lignes courbes. Au lieu de calme - une explosion émotionnelle, au lieu de clarté et de concision - complexité, diversité et décoration luxuriante ; en même temps, le centre organisateur de la composition décorative, la symétrie, est toujours préservé. L'ornementation baroque est variée et expressive. Il conserve les motifs de l'art grec et principalement romain, utilise volontiers des figures mi-humaines mi-animales, de lourdes guirlandes de fleurs et de fruits, des motifs de coquillages et de lys en combinaison avec le soleil symbolique ; Le motif antique de la feuille d’acanthe est largement utilisé. En combinaison avec les boucles les plus fantaisistes et inattendues, les ornements d'acanthe sont utilisés dans presque tous les types d'art appliqué. Ornement de la seconde moitié du XVIIe siècle. (baroque tardif) est strictement symétrique, caractérisé par l'imitation de détails architecturaux : colonnes, frontons brisés, balustrades, consoles. Le décor de cette époque est riche, un peu lourd et majestueux. Outre les classiques ovaires, acanthes, trophées, l'ornement regorge de volutes, cartouches, coquilles, autels, lampadaires, dragons, cariatides et vases de fleurs. Durant cette période, le rôle du décorateur s’accroît encore davantage. De nombreux artistes poursuivent l'initiative de Jacques Andruet Dusereau.

Peu à peu, la technique consistant à combiner des lignes droites et arrondies, développée dès la fin du XVIIe siècle, devient un élément caractéristique du décor. Parallèlement, d'autres nouveaux motifs apparaissent : une maille en forme de losange ornée de petites rosaces, appelée treillis, et un ornement imitant un rideau découpé de dents et orné de pompons - un lambrequin compositions ornementales de l'artiste-graveur Jean Berin. (1679-1700) sont largement utilisés dans de nombreux types d’art appliqué. J. Beren mise beaucoup sur l'ornementation Renaissance française. Le rôle dominant dans ses compositions ornementales est joué par les grotesques, nés de l'étude des grotesques du XVIe siècle. Ses ornements se caractérisent par la matérialité et la tangibilité sculpturale, ce qui confère aux compositions une certaine lourdeur et stabilité rythmique. Jean Bern développe davantage le type de composition avec un personnage central dans un cadre ornemental, défini dans l'art décoratif français. Il s'agit le plus souvent de la figure d'une divinité ou d'un personnage mythologique : Apollon, Vénus, Diane, Flore, Bacchus. Il porte la charge sémantique principale et détermine le choix des autres éléments décoratifs de la composition. Un certain nombre de motifs développés dans l'œuvre de J. Berin sont devenus décisifs dans l'ornementation de la période ultérieure. Il s'agit notamment de boucles reliées par de courtes rayures droites, de fines spirales se transformant en acanthe, d'ornements en ruban plat - tout ce qui permet de distinguer les grotesques français des grotesques italiens et flamands avec leurs masques, hermès et formes en forme de candélabres caractéristiques. L'œuvre de J. Beren était une expression du style de cette époque et a joué un rôle important dans son développement ultérieur. Portiques et guirlandes à étages, corbeilles et arabesques, cornes d'abondance et instruments de musique- tout cela est enfermé dans des cadres luxuriants, symétriquement. Dans la sophistication et la légèreté de la composition se dessinent les traits du nouveau décor du XVIIIe siècle. L'ornement de style baroque a trouvé une large application dans différents pays européens et a acquis ses propres particularités sous l'influence des traditions nationales de chacun d'eux. Un motif fantaisiste d'une grande variété de fruits et de feuilles, rendu avec une expressivité étonnante, se trouve dans les églises de Moscou de la fin du XVIIe siècle. Il couvre des dorures et des conostases d'une extraordinaire beauté. Cet ornement sculpté complexe s'appelait « sculpture de Flerms » et était réalisé par des maîtres spéciaux de la chambre d'Orezhey. Il contient des entrelacs complexes de cartouches finement déchirés, avec des crêtes caractéristiques le long des bords des boucles et des rangées de perles convexes. Ces motifs pénétrèrent à Moscou en passant par l'Ukraine et la Pologne, où l'ornementation baroque était répandue. En Russie, les ornements baroques étaient également largement utilisés pour décorer les intérieurs des palais créés par F.-B. Rastrelli à Saint-Pétersbourg, à Tsarskoïe Selo et à Peterhof. Une caractéristique commune des intérieurs de Rastrelli est leur aspect laïque, divertissant et festif. Il y a une abondance de couleurs, de stucs et de motifs partout. Dans la décoration décorative des intérieurs, le maître utilise le plus souvent des motifs de coquillages, des boucles florales, des cartouches et des amours. Entre les mains des sculpteurs russes, même les boucles élaborées des formes ornementales du style baroque sont larges et légères à leur manière, pleines d'une force particulière d'affirmation de la vie. L'ornement baroque russe est la fierté de l'architecture russe ; il a dignement enrichi les réalisations mondiales de l'ornementation. Dans l'art appliqué de la Russie du début du XVIIe siècle, le décor conserve encore sa clarté et sa clarté de dessin. Par la suite, le désir de remplissage décoratif de l'espace, de « motifs », qui ne laisse pas le moindre endroit dépourvu de motifs, grandit de plus en plus. Vers la fin du XVIIe siècle. l'ornement floral commence peu à peu à perdre son caractère conventionnel. Au lieu de tiges tendues en ligne droite ou tordues en spirales abruptes, des plantes sont représentées dans des positions plus naturelles et plus proches de la nature. Des figures d'animaux et d'oiseaux apparaissent parmi les ornements floraux. Des sibylles, des scènes bibliques et des créatures de contes de fées (sirène, licorne, Sirin) sont représentées sur des objets en argent. Vers la fin du siècle et dans les premières années du XVIIIe siècle. De plus en plus souvent, on retrouve dans l'ornement des fruits et des baies, des grappes luxuriantes et des guirlandes entières de fruits et de fleurs, suspendues à des rubans enfilés en anneaux. Les maîtres s'intéressent de plus en plus aux œuvres littéraires et aux gravures estampes populaires. De nombreuses scènes, principalement inspirées des gravures de la « Front Bible » de Piscator (Hollande), sont enfermées dans de magnifiques cadres de fleurs, de feuilles et de boucles dans le style baroque occidental adopté par la Russie depuis l'Ukraine. Au 17ème siècle dans l'orfèvrerie russe, une grande partie de ce qui a été largement développé au XVIIIe siècle émerge - le désir de transmettre des formes plastiquement volumineuses, l'observation de la nature et, en relation avec cela, une représentation réaliste des plantes, des animaux et des personnes, la transition de des images linéaires et contournées au rendu du clair-obscur et de l'espace, des thèmes religieux aux thèmes profanes. Au 17ème siècle L'ornementation russe conserve des caractéristiques nationales et se développe fondamentalement de la même manière que l'ornementation des pays d'Europe occidentale, parmi lesquels la France occupe une place prépondérante dans les arts appliqués.

Ornement - il s'agit d'un type particulier de créativité artistique, qui est considérée

de nombreux chercheurs n'existe pas en tant que travail indépendant, il

ne fait que décorer telle ou telle chose, mais néanmoins « il... représente

est assez complexe structure artistique, pour créer lequel

divers moyens d'expression sont utilisés. Parmi eux figurent la couleur, la texture et

fondements mathématiques de la composition ornementale - rythme, symétrie ;

expression graphique des lignes ornementales, de leur élasticité et de leur mobilité,

flexibilité ou angulaire; plastique - ornements en relief; et enfin

les qualités expressives des motifs naturels utilisés, la beauté du dessiné

fleur, la courbure de la tige, le motif de la feuille… » Le terme ornement est lié au terme

décor, qui « n'existe jamais sous sa forme pure, il consiste en une combinaison

utile et beau; la fonctionnalité passe avant tout, la beauté vient

après elle." Le décor doit soutenir ou souligner la forme du produit.

*****L'ornement baroque se distingue par sa variété et son expressivité. Il

conserve les motifs de l'art grec et principalement romain, volontiers

utilise des figures mi-humaines mi-animales, de lourdes guirlandes de fleurs

et des motifs de fruits, de coquillages et de lys combinés au soleil symbolique ; large

Un motif de feuille d'acanthe antique est utilisé. En relation avec le plus

fantaisiste et inattendu

ornement tourbillonnant d'acanthe

utilisé par presque tous les types

arts appliqués.

*****Ornement de la seconde moitié du XVIIème siècle.

(baroque tardif) strictement symétrique,

il se caractérise par l'imitation

détails architecturaux : colonnes,

frontons déchirés,

balustrades, consoles. Le décor de ceci

la période est riche, un peu lourde et

majestueux. L'ornement regorge de volutes, cartouches, coquilles,

autels, dragons, cariatides et vases de fleurs.

Ornement baroque en Europe occidentale

L'ancêtre du style historique dans l'espace

les arts et la musique, dits « baroques »,

est devenue l'Italie, qui au XVIe siècle a donné vie et

style antérieur de la Renaissance

(Renaissance).

De l'italien « barocco » se traduit par

"étrange, bizarre", mais il y a une raison de se connecter

une perle à la surface irrégulière. Premières expériences en

un nouveau style a été réalisé à la fin du XVIe siècle dans l'église

sculpture et architecture et conservé assez longtemps

de nombreux traits de la Renaissance.

L'apogée du baroque en tant que style particulier de mobilier s'est produite en

Ornement baroque

milieu du XVIIe siècle. Comme tout le monde styles historiques, le baroque était devenu à cette époque

le style dominant dans tous les domaines de l'activité artistique, y compris

construction d'églises et civiles, production d'articles ménagers et de vêtements,

fabrication de bijoux et d'armes, construction navale, fabrication d'instruments (pour

navigation, horloges, télescopes), instruments, etc.

L'orientation générale du baroque dans la composition des objets s'écarte de la clarté,

la rigueur et la construction statique des formes caractéristiques de la Renaissance. DANS

de choses. Le but est de créer un sentiment de force, de vie, d'activité

une énergie, une certaine splendeur mystique. Cela n'aurait pas pu être plus pratique

pour les besoins église catholique, qui s'opposait à l'époque au mouvement pour

la réforme de l'Église qui a balayé l'Europe. Ce n'est pas un hasard si le baroque était appelé une arme

contre-réforme, selon les plans duquel les églises étaient censées servir tout le monde

moyens possibles d'exalter le pouvoir du catholicisme - son

architecture, sculpture, peinture, dorure, lumière, musique,

pathétique rhétorique des sermons. Plus pleinement et plus largement les principes du baroque

se sont manifestés dans l'art des pays où s'est retrouvée la Contre-Réforme

les plus réussis se trouvent en Italie, en Espagne et en France.

Du milieu ecclésial, le baroque s'est rapidement répandu dans l'architecture et

décoration des palais des rois, de la noblesse dirigeante et de la noblesse. Dans tous les pays

En Europe occidentale, ainsi qu'en Russie aux XVIIe et XVIIIe siècles, un nouveau style s'est avéré être parfait

pouvoir monarchique, qui luttait pour l'absolutisme. Essentiellement

sous une forme simplifiée, le baroque se reflétait aussi bien dans les environnements urbains que ruraux

gens ordinaires.

Mobilier baroque (caractéristiques principales)

Les éléments de mobilier comprennent les éléments suivants :

caractéristiques caractéristiques du style baroque :

1.Toutes les projections de façade (ou au moins

au moins un d'entre eux) tous types de meubles

dépourvu de contour rectangulaire fermé,

caractéristique de la grande majorité

produits de la Renaissance. Carré

les contours sont brisés, au moins

dessus d'armoires à motifs, dossiers de chaises et de chaises, dossiers

lits en forme de corniche incurvée, de fronton ou de sandrik avec des vases.

Surfaces, d'une manière ou d'une autre, isolées au sein de l'ensemble

contour de la façade (par exemple, la surface des portes d'armoires, les portes coulissantes

boîtes, pilastres), ont souvent aussi leur propre contour figuré.

2. Les meubles de style baroque n'ont pas de telles surfaces, la seule

dont la propriété décorative serait uniquement la texture naturelle

bois, généralement noyer ou ébène. Si le produit contient

toute grande surface, comme les panneaux d'une porte d'armoire ou

plans de travail, puis il est cassé par incrustation (intarsia, mosaïque), le plus souvent

tous à motifs, ou de type « marquette », c'est-à-dire un ensemble de conjugués

matrices de 3 à 4 mm d'épaisseur avec des textures orientées différemment

bois.

3.Pour la première fois dans l'histoire du meuble, les surfaces courbes sont largement utilisées,

obtenu par transformation de menuiserie d'ébauches de bois massif et pliage (pliage

bois massif - une réalisation de l'époque baroque). Souvent, mais pas toujours, et

Ce n'est que dans les produits coûteux que les portes d'armoires présentent de telles surfaces,

les parois avant des tiroirs, et parfois les parois latérales des commodes, armoires,

tables, bureaux, secrétaires. La façade et les côtés sont également souvent pliés.

un royaume de chaises, fauteuils, canapés, tables. Il y a des surfaces courbes

verticalement et horizontalement, y compris convexe, concave et

en forme de fanion, ainsi que convexe-concave (très rare).

4.Ornement correct avec symétrie des bordures, caractéristique

Elle est inférieure à la Renaissance, et même plus tôt au gothique, et après le baroque au classicisme.

place pour un modèle gratuit. Les motifs sont réalisés en trois dimensions, sculptés ou

bidimensionnel - utilisant la technique de l'incrustation ou de la décoration. Pour

des matériaux tels que le cuivre jaune, l'ivoire

os, ébène, écaille, précieux et semi-précieux

minéraux, etc. Symétrie ornementale basée sur la rythmique

la répétition de n'importe quelle figure est étrangère au style baroque.

5. Dans ce style, les principaux motifs des bijoux volumétriques sont pour la plupart

asymétrique - boucliers au contour complexe brisé ou arrondi,

cartouches, coquilles, dites « antennes » (très allongées,

feuilles d'acanthe se ramifiant les unes aux autres), guirlandes, festons, tête,

buste et figure complète d'un homme. Ils sont soit coupés du tableau général de ce système, soit

ou d'autres parties de meubles, ou placées dessus, étant constituées de

bois, métal, ivoire, tortue, etc.

6.Le baroque se caractérise par une figuration complexe de tous les éléments de support

(pieds) d'armoires, tables, chaises, lits, etc., obtenus avec

par sculpture, pliage de masse et tournage. Souvent les jambes

avoir une apparence de patte caractéristique, éventuellement avec des griffes d'oiseau - donc

appelé « cabriole » (du français cabriole - « sauter »). Beaucoup moins souvent

on utilise des supports tournés et torsadés, qui ont été principalement fabriqués

en Allemagne, aux Pays-Bas et en Angleterre.

Étapes du développement baroque

À l'époque baroque en France, où le style a reçu sa forme la plus vivante et la plus complète

développement, toute une galaxie de maîtres exceptionnels de l'architecture et

artistes décorateurs ayant travaillé dans le domaine du meuble, tels que : Jean Lepautre, Daniel

Marot, Charles Lebrun, Gilles Openordt et notamment l'architecte, peintre,

décorateur et menuisier en bois noir André-Charles Boulle avec ses quatre

successeurs-fils.

L'ère baroque est généralement divisée en quatre périodes, chronologiquement

se conjuguent avec le règne des rois de France :

 style Louis XIII - début du baroque, transition depuis la Renaissance, 1610-

 Style Louis XIV, 1643-1715

 Style Régence (« Régence ») – transition vers le style Louis XV, 1715-

 Style Louis XV – baroque tardif, dit « Rococo »,

Le mobilier moderne contient des éléments de style

Le baroque est extrêmement rarement reproduit, la plupart

en partie dans des meubles rembourrés. Très

ornementation végétale commune

caractère, volumétrique et plat, épousant le contour,

comme les portes d'armoires et les comptoirs, est

stylisation simplifiée de l'ornementation non pas baroque, mais

appelé deuxième rococo, ou deuxième néo-rococo

moitié du 19ème siècle.

L'ornement de style baroque est largement utilisé dans

différents pays L'Europe, acquise sous l'influence des traditions nationales de chacun

d'entre eux ont leurs propres caractéristiques particulières. Un motif fantaisiste d'une grande variété de fruits et

feuilles, rendues avec une expressivité étonnante, se retrouve dans

Églises de Moscou de la fin du XVIIe siècle. Il couvre d'une beauté extraordinaire

iconostase dorée. Cet ornement sculpté complexe s'appelait

La « sculpture de Flermes » a été réalisée par des maîtres spéciaux de l'Armurerie.

Ornement baroque en Russie

Parlant de l'architecture et du mobilier baroques dans les pays occidentaux, on ne peut s'empêcher de dire

À propos de la Russie. Le deuxième tiers du XVIIIe siècle est une époque où le mobilier russe était bizarre

combine le baroque des années précédentes avec celui venu d'Europe occidentale

rococo. À ce moment-là F. Rastrelli, S. I. Chevakinsky et d'autres célèbres

les architectes créent des maisons et des palais luxueux avec des intérieurs riches pour

la famille royale et la noblesse de Saint-Pétersbourg et de ses environs. Décoration d'intérieur

les bâtiments sont magnifiques : les salles d'état situées en enfilade le long d'un axe et

richement décoré de sculptures dorées, d'immenses fenêtres et miroirs

murs, encadrés par un décor luxuriant et créés grâce à

les reflets créent l'illusion d'un espace supplémentaire, une abondance d'éclairage

appareils, l'éclat des bougies, qui était écrasé et reflété dans les miroirs avec

abondance de sculptures dorées. Le mobilier a été conçu par des architectes dans le cadre

décoration décorative générale; il s'agissait principalement de consoles sculptées et

des chaises placées le long des murs. Les salles principales servaient de « visage »

palais, ils étaient meublés avec une splendeur particulière ; dans cet environnement résidentiel

les chambres ont reçu beaucoup moins d’attention.

*Au milieu du XVIIIe siècle, il y avait encore une pénurie de meubles pour les pièces d'habitation.

locaux. Dans ses « Notes », Catherine II décrit ces années : « La cour d'alors

le temps était si pauvre en meubles que les mêmes miroirs, lits, chaises, tables et

commodes qui nous ont servi dans Palais d'Hiver, ont été transportés après nous vers

Palais d'été , de là à Peterhof et nous a même accompagné à Moscou. Avec un tel

pendant le transport, beaucoup de choses se sont cassées et se sont cassées, et nous avons tout reçu tellement cassé

J'ai vu qu'il était assez difficile d'utiliser ce meuble" (ces notes

datent de 1751). Les meubles de cette époque ont survécu

Mobilier réalisé pour le Grand Palais de Peterhof et le Palais Catherine

à Tsarskoïe Selo , pour la plupart perdus pendant la Seconde Guerre mondiale, et des meubles

Palais d'Hiver - lors d'incendies. Principale direction de développement

les formes du mobilier artistique ont été déterminées par l'influence du baroque

architectes - F. Rastrelli et autres, qui ont eux-mêmes conçu des meubles pour

les intérieurs qu'ils créent ; en même temps, ils ont apporté une nouvelle compréhension

les proportions du meuble, les tâches pour sa décoration, ainsi que la signification des tissus d'ameublement,

qui correspondait au revêtement mural. Le nouveau caractère du mobilier est très clairement

s'exprime dans la sculpture : plat et en relief, par endroits fendu, souvent

doré. Sculptures en forme de coquillages et

diverses boucles en assez haut relief, fleurs stylisées, presque

volumineux dans leurs formes, oiseaux, fruits. Les pieds, les tiroirs et

cadres de miroirs, dossiers de canapés et de chaises. La frontière disparaît souvent

en séparant l'ornement de l'objet, l'objet entier se transforme en une totalité

décors volumétriques reposant les uns sur les autres. En plus de l'ornement baroque

La sculpture contient des éléments rococo - coquillages, boucles, motifs de vagues.

Les principaux motifs des ornements de l'époque baroque

Ornement baroque dans l'architecture russe

Baroque- un style artistique originaire d'Italie et diffusé dans d'autres pays européens de la fin du XVIe au milieu du XVIIIe siècle. Le nom du style vient du portugais - « perle de forme irrégulière » ; signifiant « bizarre », « étrange », « changeant », ce mot est entré dans les langues européennes. L'art baroque révèle l'essence de la vie dans le mouvement et la lutte de forces élémentaires aléatoires et changeantes. Les principales caractéristiques du baroque sont la splendeur, la solennité et le dynamisme. Il se caractérise également par des contrastes audacieux d'échelle, de couleur, de lumière et d'ombre, une combinaison de réalité et de fantaisie. Le baroque se caractérise par la fusion de divers arts en un seul ensemble, l'interpénétration de l'architecture, de la sculpture, de la peinture et des arts décoratifs. Les ornements baroques utilisent des éléments de la Renaissance - coquillages, feuilles d'acanthe, guirlandes, mascarons, mais plus complexes et expressifs.

Le style baroque exprimait les idées de l'infini et de la diversité du monde, de sa variabilité. L’homme dans l’art baroque était perçu comme une personnalité complexe en proie à des conflits dramatiques. Tout ce qui était inhabituel et mystérieux semblait beau et attrayant, tandis que tout ce qui était clair et correct semblait ennuyeux et ennuyeux. La particularité du baroque est un contact plus émotionnel avec le spectateur qu'à l'époque précédente.

DANS beaux-Arts Les compositions décoratives monumentales sur des thèmes religieux ou mythologiques et les portraits d'apparat destinés à décorer les intérieurs prédominent. La sculpture a établi l'exactitude des traits du portrait du personnage et en même temps une partie de son idéalisation. L'œuvre baroque suggère plusieurs points de vue.

Dans ses manifestations extrêmes, le baroque aboutit au mysticisme, à la tension dramatique, à l'expression des formes. Les événements sont exaltés, les artistes préfèrent glorifier les exploits ou dépeindre des scènes de tourments.

L'Église cherchait à utiliser l'art à ses propres fins : inspirer aux gens le respect du pouvoir, étonner ou éblouir par sa magnificence, captiver les gens avec des exemples d'exploits et de martyrs des saints. Cela explique l'attrait des maîtres baroques pour les tailles grandioses, les formes complexes, le pathétique et l'émotivité accrue.

Baroque flamand diffère considérablement de l'italien - les œuvres des Flamands sont remplies d'un sentiment de richesse colorée du monde, de la puissance élémentaire de l'homme et d'une nature abondamment féconde. Les artistes flamands ont développé un genre de la vie quotidienne qui témoignait d'une attitude très critique envers la vie qui les entourait et reflétait la vie des gens ordinaires.

Au XVIe siècle, la nature morte s’impose enfin comme un genre indépendant. Il exprimait un intérêt pour le monde matériel qui trouve son origine dans la « peinture des choses » hollandaise du début du XVe siècle. Les natures mortes flamandes, glorifiant la beauté de l'existence terrestre, la richesse des fruits de la terre et de la mer, sont gaies et décoratives. Les toiles, de grandes dimensions et de couleurs vives, servaient de décoration aux murs des palais spacieux de la noblesse flamande.

Dans le baroque flamand, les traits réalistes sont plus développés qu'en Italie. Rubens, Van Dyck, Jordans, Snyders ont capturé la beauté matérielle poétisée de la nature et l'image d'une personne forte, énergique et en bonne santé. Dans la peinture destinée à décorer les châteaux familiaux, les palais de l'aristocratie et les églises catholiques, le décoratifisme, basé sur les effets coloristiques, domine.

Dans la Hollande du XVIIe siècle, la peinture était la principale forme d’art. Plusieurs écoles de peinture y ont émergé, réunissant de grands maîtres et leurs disciples : Frans Hals à Haarlem, Rembrandt à Amsterdam, Fabricius et Vermeer à Delft. Les goûts de la société bourgeoise ont prédéterminé le développement de l'art néerlandais. L'artiste était entièrement dépendant des exigences du marché. Le développement rapide de la peinture s'explique non seulement par la demande de peintures de la part de ceux qui voulaient en décorer leur maison, mais aussi par la perception qu'elles sont de la marchandise. Si un artiste talentueux défendait son indépendance en matière de créativité, comme Hals et Rembrandt, il se retrouvait alors isolé et mourut prématurément dans la pauvreté et la solitude.

Le baroque s'est développé de manière unique en France. Originaire d'ici Grand style, ou style Louis XIV, combinant des éléments du baroque et du classicisme. Avec sa structure figurative, ce style exprimait les idées de prospérité d’un pouvoir royal fort et absolu. Ce fut le premier des soi-disant « styles royaux » (plus tard, les différentes étapes du développement de l'art français commencèrent à être désignées par les noms des rois). Une particularité du développement de l'art en France était qu'ici, au XVIIe siècle, le concept même de style artistique prenait forme. L’histoire des styles dans l’art européen commence en fait avec le « Grand Style » de Louis XIV, puisque le concept de « style » était déjà reconnu comme la catégorie d’art la plus importante. Le style commença à imprégner tous les aspects de la vie de cour, de la vie quotidienne et de la morale. Parallèlement à cela est venue l’esthétisation de ses éléments individuels. Le goût artistique raffiné était valorisé à la cour ; le style devint une véritable manie pour les aristocrates de Berlin, de Vienne et de Londres.

Au XVIIIe siècle, le baroque entre dans sa phase finale, appelée baroque tardif. Dans différents pays, ses limites temporelles étaient déterminées à leur manière. C'est dans la peinture monumentale et décorative qu'elle a duré le plus longtemps, en particulier dans les peintures d'intérieurs de temples et de sculptures.

En Russie, dans le premier quart du XVIIIe siècle, le premier style national s'est développé - baroque russe. Il se caractérise par : la clarté de la composition avec la splendeur décorative de la décoration, les jeux d'ombre et de lumière sur les façades, les fenêtres larges et hautes partant directement du sol, encadrées par des plateaux complexes ; des suites de pièces décorées de sculptures dorées, de parquets en bois précieux, d'abat-jour pittoresques avec une percée illusoire de l'espace dans la profondeur ; dorure et sculpture dans la décoration extérieure du bâtiment, combinaisons de couleurs colorées (bleu intense ou turquoise et blanc, parfois combinaison d'orange et de blanc).

Au XVIIIe siècle, l'art russe était destiné en quelques décennies à passer du religieux au laïc, à maîtriser de nouveaux genres (nature morte, portrait, paysage, genre historique, etc.). Les réformes de Pierre Ier n'affectèrent pas seulement la politique, l'économie, mais aussi l'art. Il s'entoure d'architectes, de sculpteurs et de peintres étrangers talentueux et envoie des artistes russes étudier à l'étranger.

En Russie, le style baroque russe s'est manifesté le plus clairement dans l'architecture. Dans le même temps, il existait certaines différences entre les écoles d'architecture de Moscou (baroque Narychkine) et de Saint-Pétersbourg (baroque Pétrine).

Les aspirations nationales de l’époque se sont manifestées dans l’adhésion programmatique aux anciens modèles russes en matière de construction religieuse. Les plans des églises et des cathédrales, comme à l'époque pré-Pétrine, acquièrent une centralité et cinq dômes, qui sont perçus littéralement comme un symbole du peuple et de la nationalité russes. La dorure des dômes, les ornements dorés des dômes et des dômes, les moulures en stuc complexes dans les cadres des fenêtres et des portails, les sculptures en bois doré de l'iconostase, les vitrines et les cadres d'icônes ont rapproché les édifices religieux de ceux du palais et ont ajouté un caractère laïc de leur apparence.

Narychkinskoe baroque. Les éléments baroques sont apparus dans les formes décoratives de l’architecture russe dans la seconde moitié du XVIIe siècle. Le nouveau style richement décoré s'appelait Naryshkin, ou Moscou, baroque, car l'architecture russe du XVIIe siècle était très différente de l'italienne et de l'astro-allemande. Si le baroque d’Europe occidentale se caractérise par des tensions et une énergie contrainte, le russe se caractérise par une exaltation optimiste et une festivité.

Dans l'architecture baroque, les pilastres, les colonnes, les vases, les cartouches et les sculptures étaient regroupés de différentes manières pour créer grandeur et richesse. Une variété de décoration intérieure a été proposée, combinant des panneaux colorés, des miroirs figurés et des lampes sur les murs et le plafond. Les meubles ont également été sélectionnés pour être de forme complexe et complexe, riche en décor. Tout cela créait une impression générale de faste et de luxe.

Petrovskoe baroque est un terme appliqué par les historiens de l'art au style architectural et artistique favorisé par Pierre Ier et largement utilisé pour la conception des bâtiments de la nouvelle capitale russe de Saint-Pétersbourg. Limité par le cadre conventionnel de 1697-1730 (époque de Pierre et de ses successeurs immédiats), il fut style architectural, qui a fusionné les influences du baroque italien, du premier classicisme français, de l'architecture civile allemande et néerlandaise et d'un certain nombre d'autres styles et tendances. Ainsi, le baroque de Pierre n'est pas le baroque dans sa forme pure, et ce terme est plutôt arbitraire. En même temps, il reflète certainement la tendance architecturale latente, encore implicite, de l'époque de Pierre le Grand et contribue à expliquer l'évolution ultérieure de l'architecture russe vers le style baroque mature. XVIIIe siècle. Ce style se caractérise par la simplicité de la construction volumétrique, la clarté des divisions et la sobriété de la décoration, ainsi que par une interprétation plane des façades.

Contrairement au baroque de Narychkine, alors populaire à Moscou, le baroque de Pétrine représentait une rupture décisive avec les traditions byzantines qui avaient dominé l'architecture russe pendant près d'un millénaire.

Ses principaux représentants : Jean-Baptiste Leblond, Domenico Trezzini, Andreas Schlüter, J. M. Fontana, N. Michetti et G. Matarnovi - sont arrivés en Russie à l'invitation de Pierre Ier. Chacun de ces architectes ayant travaillé à Saint-Pétersbourg a contribué à l'apparition des bâtiments en construction est une tradition de son pays, de l'école d'architecture qu'il représentait.

Motifs ornementaux de base de l'époque baroque
L’ornementation baroque présente de nombreux points communs avec la fin de la Renaissance, ce qui est tout à fait naturel compte tenu de la continuité organique de ces styles. Le motif de la boucle d'acanthe, qui se transforme souvent en cartouche, continue de jouer un rôle important d'élément de liaison dans la plupart des compositions. On a déjà noté que ce motif a un caractère extrêmement actif, « violent », rempli de fruits juteux et lourds. Parmi ces boucles, il y a des personnages actifs dont l'ornement « a hérité » de la Renaissance, mais ils étonnent désormais par un réalisme époustouflant.

L'allégorie est toujours le langage de cet ornement, mais une action d'intrigue beaucoup plus significative et logique, une certaine opportunité paradoxale, y est apparue. Par exemple, dans l'une des compositions, vous pouvez voir une scène d'une chasse au cerf très réelle, à laquelle, outre le chasseur et le chien, participent la déesse et les amours. D'ailleurs, tous ces personnages se confondent dans les boucles des acanthes mythologiques, comme dans de l'herbe véritable et épaisse, s'y cachent, les enjambent.

Si dans le décor de la Renaissance nous voyons notre propre monde intérieur, isolé de la réalité, alors l'ornement baroque s'efforce constamment de briser ces frontières. Des éléments d'ornement baroque représentés sur des colonnes, des corniches, des portails, des bordures de tapisserie, des cadres, décorant toutes sortes de choses, envahissent activement le contour de l'intrigue ou l'espace réel.

Le décor peut être si actif qu’il éclipse le contenu lui-même. Ainsi, sur la tapisserie « Une merveilleuse prise », réalisée à partir du carton de Raphaël, l’intrigue gospel semble reléguée au second plan en raison de l’extrême activité de la frontière. Les amours représentés dessus répètent comiquement cette intrigue : ils tirent avec diligence d'énormes poissons, à la suite de quoi se produit la profanation bien connue.

Un aspect important de l’ornement baroque, également hérité du style précédent, est « l’irrégularité » excessive et le pittoresque de l’interprétation. C'est tout un monde avec son abondance orageuse, dans lequel « l'irrégularité », le respect lâche de la symétrie souligne le réalisme paradoxal et le fait-main.

Dans l'ornementation baroque, nous pouvons observer l'histoire ultérieure des transformations des motifs de coquilles, de médaillons et de cartouches. Ainsi, la coquille prend souvent la forme d’un éventail ou d’un œillet (influence de la Perse). Il peut également être associé au lys royal français, ce qui révèle également la connexion originale de ces motifs.

Le motif de la volute architecturale avec de longues lignes de connexion étendues a été développé de diverses manières dans l'ornementation de la Renaissance. Ces lignes, parfois avec des courbes douces et structurées, parfois avec des angles droits clairs, sont extrêmement importantes. Ils semblent organiser tout l'espace décoratif, y dénotant des relations symétriques, et donnent du caractère aux compositions. Parfois, on peut constater un refroidissement complet de ce motif à de simples divisions géométriques, sans aucune volute, là où les traditions classicistes se manifestent le plus clairement. Ils sont présents dans le décor comme à « parité » avec la composante baroque, créant des solutions décoratives complexes extrêmement intenses, intérieurement contradictoires. Finalement, ils peuvent être complètement absents, et alors les bacchanales du baroque triomphent, comme pour s'efforcer de se débarrasser complètement de toute dépendance relationnelle.

L'ornementation baroque est variée et expressive. Il conserve les motifs de l'art grec et principalement romain, utilise volontiers des figures mi-humaines mi-animales, de lourdes guirlandes de fleurs et de fruits, des motifs de coquillages et de lys en combinaison avec le soleil symbolique ; Le motif antique de la feuille d’acanthe est largement utilisé. En combinaison avec les boucles les plus fantaisistes et inattendues, les ornements d'acanthe sont utilisés dans presque tous les types d'art appliqué.

Ornement de la seconde moitié du XVIIe siècle. (baroque tardif) est strictement symétrique, caractérisé par l'imitation de détails architecturaux : colonnes, frontons brisés, balustrades, consoles. Le décor de cette époque est riche, un peu lourd et majestueux. Outre les classiques ovaires, acanthes, trophées, l'ornement regorge de volutes, cartouches, coquilles, autels, lampadaires, dragons, cariatides et vases de fleurs. Durant cette période, le rôle du décorateur s’accroît encore davantage. De nombreux artistes poursuivent l'initiative de Jacques Andruet Dusereau.

Peu à peu, un trait caractéristique du décor devient la combinaison de lignes droites et arrondies, développée à la fin du XVIIe siècle. Parallèlement, d'autres nouveaux motifs apparaissent : une maille en forme de losange ornée de petites rosaces, appelée treillis, et un ornement imitant un rideau découpé de dents et orné de pompons - un lambrequin.

Les compositions ornementales du graveur Jean Beren (1679-1700) sont largement utilisées dans de nombreux types d'art appliqué. J. Beren s'appuie beaucoup sur l'ornementation de la Renaissance française. Le rôle dominant dans ses compositions ornementales est joué par les grotesques, nés de l'étude des grotesques du XVIe siècle. Ses ornements se caractérisent par la matérialité et la tangibilité sculpturale, ce qui confère aux compositions une certaine lourdeur et stabilité rythmique.

Jean Bern développe davantage le type de composition avec un personnage central dans un cadre ornemental, défini dans l'art décoratif français. Le plus souvent, il s'agit d'une figure d'une divinité ou personnage mythologique: Apollon, Vénus, Diane, Flore, Bacchus. Elle porte le principal charge sémantique et détermine le choix des autres éléments décoratifs de la composition.

Un certain nombre de motifs développés dans l'œuvre de J. Berin sont devenus décisifs dans l'ornementation de la période ultérieure. Il s'agit notamment de boucles reliées par de courtes rayures droites, de fines spirales se transformant en acanthe, d'ornements en ruban plat - tout ce qui permet de distinguer les grotesques français des grotesques italiens et flamands avec leurs masques, hermès et formes en forme de candélabres caractéristiques.
L'œuvre de J. Beren était une expression du style de cette époque et a joué un rôle important dans son développement ultérieur.

Portiques et guirlandes à plusieurs niveaux, paniers et arabesques, cornes d'abondance et instruments de musique - tout cela est enfermé symétriquement dans des cadres luxuriants. Dans la sophistication et la légèreté de la composition se dessinent les traits du nouveau décor du XVIIIe siècle.

L'ornement de style baroque a trouvé une large application dans différents pays européens et a acquis ses propres particularités sous l'influence des traditions nationales de chacun d'eux. Un motif fantaisiste d'une grande variété de fruits et de feuilles, rendu avec une expressivité étonnante, se trouve dans les églises de Moscou de la fin du XVIIe siècle. Il recouvre des iconostases dorées d'une extraordinaire beauté. Cet ornement sculpté complexe s'appelait « sculpture de Flermes » et était réalisé par des maîtres spéciaux de l'Armurerie.
Il contient des entrelacs complexes de cartouches finement déchirés, avec des crêtes caractéristiques le long des bords des boucles et des rangées de perles convexes. Ces motifs pénétrèrent à Moscou en passant par l'Ukraine et la Pologne, où l'ornementation baroque était répandue.

En Russie, les ornements baroques étaient également largement utilisés pour décorer les intérieurs des palais créés par F.-B. Rastrelli à Saint-Pétersbourg, à Tsarskoïe Selo et à Peterhof. Une caractéristique commune des intérieurs de Rastrelli est leur aspect laïque, divertissant et festif. Il y a une abondance de couleurs, de stucs et de motifs partout. Dans la décoration décorative des intérieurs, le maître utilise le plus souvent des motifs de coquillages, des boucles florales, des cartouches et des amours. Entre les mains des sculpteurs russes, même les boucles élaborées des formes ornementales du style baroque sont larges et légères à leur manière, pleines d'une force particulière d'affirmation de la vie. L'ornementation baroque russe est la fierté de l'architecture russe ; elle a dignement enrichi les réalisations mondiales en matière d'ornementation.

Dans l'art appliqué de la Russie du début du XVIIe siècle, le décor conserve encore sa clarté et sa clarté de dessin. Par la suite, le désir de remplissage décoratif de l'espace, de « motifs », qui ne laisse pas le moindre endroit dépourvu de motifs, grandit de plus en plus.

Vers la fin du XVIIe siècle. l'ornement floral commence peu à peu à perdre son caractère conventionnel. Au lieu de tiges tendues en ligne droite ou enroulées en spirales abruptes, les plantes sont représentées dans des positions plus naturelles et plus proches de la nature. Parmi les ornements floraux figurent des figures d’animaux et d’oiseaux. Des sibylles, des scènes bibliques et des créatures de contes de fées (sirène, licorne, Sirin) sont représentées sur des objets en argent. Vers la fin du siècle et dans les premières années du XVIIIe siècle. De plus en plus souvent, on retrouve dans l'ornement des fruits et des baies, des grappes luxuriantes et des guirlandes entières de fruits et de fleurs, suspendues à des rubans enfilés en anneaux. Les artisans s'intéressent de plus en plus à travaux littéraires, gravures, estampes populaires. De nombreuses scènes, principalement inspirées des gravures de la « Front Bible » de Piscator (Hollande), sont enfermées dans de magnifiques cadres de fleurs, de feuilles et de boucles dans le style baroque occidental adopté par la Russie depuis l'Ukraine.

Au 17ème siècle dans le commerce russe de l'or et de l'argent, une grande partie de ce qui a été largement développé au XVIIIe siècle est soulignée - le désir de transmettre des formes plastiquement volumineuses, l'observation de la nature et, en relation avec cela, une représentation réaliste des plantes, des animaux et des personnes, le transition des images linéaires et de contour au rendu du clair-obscur et des espaces, des thèmes religieux aux thèmes profanes.

Au 17ème siècle L'ornementation russe conserve des caractéristiques nationales et se développe fondamentalement de la même manière que l'ornementation des pays d'Europe occidentale, parmi lesquels la France occupe une place prépondérante dans les arts appliqués.

Ornement dans les objets d'intérieur et les arts décoratifs de l'époque baroque.
Intérieur

Dans le baroque, il y a un respect pour les classiques anciens. Salles réunions d'État peint de scènes classiques monumentales de la vie des dieux, ornées de sculptures antiques. Dans l'art décoratif, des détails sculpturaux et architecturaux associés à l'Antiquité apparaissent également et la taille de l'ornement augmente. Des formes claires et massives, des contrastes de couleurs riches prédominent et des matériaux exotiques coûteux sont souvent utilisés.

L'impression générale créée par l'intérieur baroque italien est celle de la puissance, du luxe et de la théâtralité, tandis que les intérieurs français, tout aussi grands et magnifiques, ont tendance à être plus équilibrés et ordonnés.

Les effets de lumière sont devenus une autre caractéristique des arts décoratifs, très clairement visible dans les natures mortes hollandaises, ainsi que dans l'utilisation de miroirs en combinaison avec des surfaces réfléchissantes à l'intérieur. L’intérêt pour le mouvement s’incarne, par exemple, dans des supports en forme de colonnes torsadées. Les formes non linéaires et les jeux de lumière sur une surface ondulée sont également caractéristiques du baroque.

Un intérêt pour la lumière et le mouvement peut être observé dans le processus de développement Style auriculaire au début du XVIIe siècle dans les produits en argent hollandais. Nommé pour sa ressemblance avec l'oreille humaine, ce style se caractérise par des formes abstraites et denses et des effets d'eau ondulante, parfois d'étranges monstres.

L'ornement fantastique, si à la mode dans la seconde moitié du XVIe siècle, commence à dominer. Les jeux de lumière sur les surfaces ondulées de l'argent créent l'impression d'une étrange déformation du métal, comme s'il était en train de fondre. La décoration auriculaire est principalement utilisée dans l'argenterie hollandaise, bien qu'elle apparaisse occasionnellement dans les meubles et très rarement dans la poterie et les textiles.

L'établissement d'un commerce dynamique avec les pays d'Extrême-Orient est un autre moment clé dans le développement de l'art décoratif du XVIIe siècle. De nombreuses sociétés commerciales ont commencé à fournir sur le marché européen des produits en laque, en porcelaine et en soie, ce qui a contribué à la formation d'un goût pour l'exotisme. Le produit était cher et disponible uniquement pour les riches, mais la demande était si grande que des contrefaçons bon marché de laques et de porcelaine bleue et blanche ont commencé à être produites dans les pays européens.

Au début, ils étaient assez proches des prototypes orientaux, mais peu à peu les créateurs, tout en conservant une touche exotique, s'éloignent de plus en plus de l'original et créent un style appelé "chinoiserie".

Les connaissances européennes sur l'Extrême-Orient étant très approximatives, les artistes décorateurs devaient faire appel à leur imagination pour décorer les thèmes.

Cela a été suivi d'une nouvelle émancipation de l'expression, qui a créé un vocabulaire décoratif fantastique et riche qui a eu une énorme influence sur le développement de l'art décoratif aux XVIIe et XVIIIe siècles. Après avoir changé, les produits en porcelaine bleue et blanche commencent à prendre des formes européennes traditionnelles.

A cette époque, les fleurs étaient un élément très répandu dans l’art décoratif. De nouvelles espèces végétales sont importées en Europe, jardins botaniques et le bien-être des jardiniers expérimentés augmente. La conséquence n'est pas seulement une mode pour exposer les fleurs coupées et créer de nouvelles formes de vases à fleurs, mais aussi l'enrichissement rapide des artistes et des décorateurs avec de nouveaux motifs.

Durant la première moitié, le commerce des tulipes atteint son apogée, avec des tulipes représentées sous des formes élaborées ou stylisées, gravées sur de l'argent, apparaissant sur des tissus et des meubles décorés de marqueterie et peintes sur des poteries.

Un autre motif emprunté à la nature et à l’antiquité est l’acanthe. Cependant, il est utilisé beaucoup plus souvent que les autres ornements feuillagés, sans être associé à une époque précise. Les feuilles d'acanthe dentelées et divisées apparaissent parmi les détails architecturaux de tous les domaines des arts décoratifs, devenant ainsi un motif dominant dans le décor baroque.

Dans le dernier quart du siècle, prédominait le style plus strict et formel du « classicisme baroque », adopté par la cour de France et manifesté dans les œuvres des artistes décorateurs et designers français.

Les œuvres de ces décorateurs sont largement diffusées sous forme d'estampes, de planches spécialement gravées avec des ornements qui se traduisent facilement en divers matériaux. Ils deviennent une puissante source d’inspiration dans les arts décoratifs du début du XVIIIe siècle.

Un aspect important du travail des décorateurs français du XVIIe et du début du XVIIIe siècle. il y eut une renaissance de l'ornement grotesque. Il était composé de vrilles d'acanthe, de lambrequins et de créatures fantastiques, disposés symétriquement à l'intérieur de bords finement enroulés. Bien que ces motifs aient commencé à apparaître dans les créations du XVIe siècle, ils sont devenus plus raffinés et linéaires, introduisant un nouvel élément de légèreté et d'élégance, prédisant largement le style rococo.

Aujourd'hui, regardons le style artistique le plus intéressant du baroque. Son émergence a été influencée par deux événements importants du Moyen Âge. Premièrement, il s'agit d'un changement dans les idées idéologiques sur l'univers et l'homme associé aux découvertes scientifiques historiques de cette époque. Et deuxièmement, avec la nécessité pour ceux qui détiennent le pouvoir d’imiter leur propre grandeur sur fond de pauvreté matérielle. Et l'utilisation d'un style artistique qui glorifie le pouvoir de la noblesse et de l'église était juste. Mais sur fond d'objectifs mercantiles, l'esprit de liberté, de sensualité et de conscience de soi de l'homme en tant qu'acteur et créateur a fait irruption dans le style lui-même.

- (barocco italien - fantaisiste, étrange, enclin à l'excès ; port. perola barroca - perle avec un étau) - caractéristique culture européenne XVII-XVIII siècles, dont le centre était l'Italie. Le style baroque apparaît aux XVIe-XVIIe siècles dans les villes italiennes : Rome, Mantoue, Venise, Florence. L’ère baroque est considérée comme le début de la marche triomphale de la « civilisation occidentale ». oppose le classicisme et le rationalisme.

Au XVIIe siècle, l’Italie perd sa puissance économique et politique. Les étrangers – les Espagnols et les Français – commencent à gouverner son territoire. Mais l'Italie épuisée n'a pas perdu la hauteur de sa position : elle reste toujours le centre culturel de l'Europe. La noblesse et l'Église avaient besoin que leur pouvoir et leur richesse soient visibles de tous, mais comme il n'y avait pas d'argent pour de nouveaux bâtiments, ils se sont tournés vers l'art pour créer l'illusion du pouvoir et de la richesse. C'est ainsi que le baroque est né en Italie.

Le baroque se caractérise par le contraste, la tension, le dynamisme des images, le désir de grandeur et de splendeur, de combinaison de réalité et d'illusion. Durant cette période, grâce aux découvertes de Copernic, l'idée du monde comme unité rationnelle et constante, ainsi que de l'homme comme être le plus intelligent, a changé. Comme le dit Pascal, l’homme commence à se reconnaître comme « quelque chose entre tout et rien », « quelqu’un qui ne saisit que l’apparence des phénomènes, mais est incapable d’en comprendre ni le début ni la fin ».

Le style baroque en peinture se caractérise par le dynamisme des compositions, la « planéité » et la splendeur des formes, l'aristocratie et l'originalité des sujets. Les traits les plus caractéristiques du baroque sont la floraison et le dynamisme flashy. Un exemple frappant est la créativité avec ses émeutes de sentiments et son naturalisme dans la représentation des personnes et des événements.

Le Caravage est considéré comme le maître le plus important parmi les artistes italiens ayant créé à la fin du XVIe siècle. nouveau style en peinture. Ses peintures à sujets religieux ressemblent à des scènes réalistes de la vie contemporaine de l’auteur, créant un contraste entre l’Antiquité tardive et les temps modernes. Les héros sont représentés dans une pénombre d'où des rayons de lumière arrachent les gestes expressifs des personnages, soulignant de manière contrastée leurs caractéristiques.

Dans la peinture baroque italienne, différents genres se sont développés, mais il s'agissait principalement des allégories et du genre mythologique. Pietro da Cortona, Andrea del Pozzo et les frères Carracci (Agostino et Lodovico) réussirent dans cette direction. L'école vénitienne est devenue célèbre, où le genre de vedata, ou paysage urbain, a acquis une grande popularité. L'auteur le plus célèbre de ces œuvres est l'artiste.

Rubens combinait dans ses peintures le naturel et le surnaturel, la réalité et la fantaisie, l'érudition et la spiritualité. Outre Rubens, un autre maître du baroque flamand a acquis une reconnaissance internationale. Avec l'œuvre de Rubens, un nouveau style est arrivé en Hollande, où il a été repris. En Espagne, Diego Velazquez a travaillé à la manière du Caravage, et en France - Nicolas Poussin, en Russie - Ivan Nikitin et Alexey Antropov.

Les artistes baroques ont découvert de nouvelles techniques artistiques dans l'interprétation spatiale de la forme dans sa dynamique de vie en constante évolution et ont intensifié leur position de vie. L'unité de la vie dans la joie sensorielle-corporelle d'être, dans conflits tragiques constitue la base de la beauté dans l’art baroque. L'idéalisation des images se conjugue avec une dynamique violente, la réalité avec la fantaisie et l'affectation religieuse avec une sensualité accentuée.

Étroitement associé à la monarchie, à l’aristocratie et à l’Église, l’art baroque avait pour but de glorifier et de propager leur pouvoir. En même temps, il reflétait de nouvelles idées sur l'unité, l'infinité et la diversité du monde, sur sa complexité dramatique et sa variabilité éternelle, l'intérêt pour l'environnement, pour l'environnement humain, pour les éléments naturels. L'Homme n'apparaît plus comme le centre de l'Univers, mais comme une personnalité aux multiples facettes, avec monde complexe expériences impliquées dans le cycle et les conflits de l’environnement.

En Russie, le développement du baroque s'inscrit dans la première moitié du XVIIIe siècle. Le baroque russe était exempt de l'exaltation et du mysticisme caractéristiques des pays catholiques et présentait un certain nombre de caractéristiques nationales, comme un sentiment de fierté pour les succès de l'État et du peuple. Dans l'architecture baroque, il a atteint une échelle majestueuse dans les ensembles urbains et immobiliers de Saint-Pétersbourg, Peterhof et Tsarskoïe Selo. Dans les beaux-arts, libérés des entraves religieuses médiévales, ils se tournent vers des thèmes sociaux laïques, vers l'image d'un activiste humain. Le baroque évolue partout vers la légèreté gracieuse du style rococo, coexiste et s'entremêle avec lui, et ce depuis les années 1760. remplacé par le classicisme.