생각". 여성 신체의 아름다움에 대한 독특한 이해. Aristide Maillol "지중해. Aristide Maillol의 '생각' 작품

Maillol Aristide Joseph Bonaventure(1861-1944) - 프랑스 조각가. 유명한 러시아 조각가 V. Mukhina는 "현대 조각에는 어린 가지에 주스를 공급하는 두 개의 줄기가 있습니다. Bourdelle과 Maillol"이라고 유명한 러시아 조각가 V. Mukhina는 다음과 같이 단언했습니다. "기질, 플라스틱 형태의 두 극: 하나는 불의 파토스이고 다른 하나는 불의 파토스입니다. 바다 호흡이 차분해요.”

고양되고 진정한 조화의 힘은 Aristide Maillol의 최고의 동상 중 하나 인 청동 "Pomona"로 구현됩니다. 조각가는 I. A. Morozov (그는 1910 년 졸업)의 명령에 따라 1907 년에 만들기 시작했습니다. 부드럽고 절제된 움직임으로 가득 찬 사과를 손에 들고 있는 벌거벗은 여성은 가을의 다산을 상징합니다. 그녀는 사계절을 조형적으로 알려주는 4개의 조각상 그룹의 일부였습니다. 라인의 "가변성의 일관성" 여성의 몸 Maillol의 많은 조각 변형의 주제가되었습니다.

아리스티드 마이롤(Aristide Maillol)은 1861년 12월 8일 루시용 지방의 동부 피레네 산맥 근처, 스페인 국경 근처에 위치한 작은 녹색 마을인 반율쉬르메르(Banyuls-sur-Mer)에서 태어났습니다. 현지 카탈로니아 방언으로 "마욜"은 "포도나무"를 의미합니다. 미래의 조각가는 자신이 유전적인 포도주 재배자 가문 출신이라는 사실을 자랑스럽게 여겼습니다.

Aristide Mayol은 네 자녀 중 두 번째였습니다. 그는 몽환적이고 조용하며 수줍은 소년으로 자랐습니다. 오래된 집에서는 엄격한 이모인 어머니와 노년기에 반맹인 할아버지가 아이들을 끊임없이 돌보았습니다. Aristide는 주변 자연을 매우 좋아했습니다. "바율의 주변 환경은 마치 푸생의 그림과도 같으며 더욱 아름답습니다. 여기서는 무감각한 예술을 창조하는 것이 불가능합니다."

그는 페르피냥의 대학에 다니면서 일찍부터 그림을 그리기 시작했습니다. 아리스티드는 해안, 바다, 해안 바위를 다양한 인물로 묘사한 그의 첫 번째 석유 풍경 중 하나를 조심스럽게 채웠습니다.

그는 화가로서, 그림신문 발행에도 적극적으로 참여했다. 그의 재능은 주목을 받았습니다. Perpignan의 총회는 Aristide에게 20프랑의 장학금을 수여했습니다. 미래의 조각가는 지역 박물관에 수집된 골동품 석고를 부지런히 복사하고 많은 그림을 그렸고 마침내 파리로 가기로 결정했습니다. 그의 이모는 그에게 돈을 도와주고 매달 필요한 금액을 수도로 보냈습니다.

이때 파리에는 1870년대 바르비종이나 인상주의 형제단처럼 우호적이고 자유로운 예술가 형제단이 더 이상 존재하지 않았습니다. 대부분의 예술가들은 자신만의 길을 개척해야 했습니다.

빈곤을 극복 한 Aristide Maillol은 많은 일을했으며 루브르 박물관의 Rembrandt, Fragonard, Chardin을 복사했으며 1881 년에 Jerome 교수의 유물 수업에서 미술 학교에 입학했습니다. 그러나 주인은 그의 그림을 좋아하지 않았고 Aristide Maillol은 장식 예술 학교에서 교육을 계속했습니다.

마이롤은 학교를 졸업한 후 당시 “회화는 장식해야 할 표면이 아니다”라고 주장했던 고갱이 이끄는 퐁타방 그룹의 강한 영향을 받았다. Paul Gauguin 외에도 Aristide Maillol은 인상파와 달리 분석적이고 해체적인 것이 아니라 전체적인 비전을 위해 노력한 "합성"의 발명가 Emile Bernard의 작업을 좋아했습니다. 젊은 예술가의 관심 분야에는 "클루슨주의" 이론가 중 한 사람이 되었으며 명확하게 조각되고 약간 무거운 형태를 선호한 기념비주의자 Puvis de Chavannes의 작품도 포함되었습니다.

아리스티드 마이롤(Aristide Maillol)의 초기 회화에서는 패턴화되고 움직이는 드로잉을 통해 몽환적으로 흔들리는 현실을 구현한다. 여성 이미지: <파도 속의 여인>(1898), <코트다쥐르>(1898) 등

마욜은 한동안 회화를 그만두고 반율에서 태피스트리 제작 실험 워크숍을 조직했다. 그는 직접 판지를 만들고, 다양한 색상을 구성하고, 실을 선택하고 염색까지 했습니다. 지역 소녀들은 태피스트리를 엮었습니다. 1894년 브뤼셀에서 열린 G20 전시회에서 Aristide Maillol은 "음악"과 "The Enchanted Garden"이라는 그의 첫 번째 태피스트리를 선보였습니다. 이 작품들에서도 마이롤의 초기 그림과 마찬가지로 아르누보 양식, 퐁타방파, 나비드파의 영향을 느낄 수 있다. 양식화된 단순화와 부드럽고 매끄러우며 구불구불한 선은 시간이 지나면서 그의 창의적인 성격의 독특한 특징이 되었습니다.

Aristide Maillol이 꽃과 신선한 색상으로 가득한 모더니즘에 내재된 균열 없이 자신만의 독특하고 매우 자연스러운 세계를 창조하기 시작한 것은 태피스트리에서였습니다. 여인들의 옷과 헤어스타일도 그의 작품에 등장하는 꽃봉오리와 꽃차례와 닮아 있다. 나중에 Aristide Maillol은 인간과 식물의 적절성을 이론적으로 입증하고 그의 아이디어를 플라스틱으로 구현하려고 노력할 것이며 예술 세계와 자연 세계, 건축과 식물의 유기적 연결을 위해 노력할 것입니다. 1893년에 Aristide Maillol은 나중에 그가 가장 좋아하는 모델이 된 그의 공예가 중 한 명과 결혼했습니다. 그는 그림뿐만 아니라 돌, 청동, 나무에도 그녀를 여러 번 묘사했습니다. 동시에 친구들은 자선가인 부유한 루마니아 왕자 Emmanuel Bibesco에게 Maillol을 소개했습니다. 그는 똑같이 부유한 친척들과 함께 Maillol에서 카펫을 주문했습니다.

그러나 기계 조립 라인 생산의 출현으로 인해 부활한 수공예 산업이 번성할 수는 없었습니다.

40세의 나이에 Aristide Maillol은 새로운 삶을 시작하는 것처럼 보였습니다. 그는 “점토 작업도 하지 않고 열정적으로 나무로 여성 인물을 조각하는” 조각에 관심을 갖게 됐다. 이때 마이롤을 자주 만난 옥타브 미르보는 자신이 가난하지만 자랑스럽고 명랑하다고 말했다.

땅으로 돌아와 뿌리로 돌아온 Maillol은 겨울 내내 고향 인 Banyules에서 보냈고 여름에는 파리 근처의 Marly-le-Roi에 왔습니다. 그는 1890년대에 시작된 실험을 열성적으로 계속하여 조각상, 화병, 구운 점토를 만들고 나무와 청동으로 작은 플라스틱 조각품을 만들어 보았습니다. 아리스티드 마이롤(Aristide Maillol)은 삶과 관련된 것들을 창조하는 것이 필요하며, 조각품도 도자기처럼 무언가를 위해 창조되어야 한다고 확신했습니다.

점차적으로 그는 초기 테라코타 목욕통에서 느꼈던 “고풍스러운” 뻣뻣함을 극복했습니다. 안에 최고의 작품이때 『누워 있는 소녀』(1900), 『레다』, 『이브』(1902)에서는 남다른 표현의 친밀감을 느꼈다. 돌과 청동으로 만들어진 그의 여성들은 매우 자연스럽고 자연스러우며 유연합니다. 마욜의여 주인공의 모습뿐만 아니라 그들의 헤어 스타일까지도 일종의 전체적이고 조화로운 건축 구조로 인식 될 수 있습니다. 이 작은 형상을 Aristide Maillol이 1900년대 초에 만들기 시작한 대형 조각품과 유사하게 만드는 것은 정확한 구조적, 구성적 기반입니다. 그는 1902년에 최초로 테라코타 스케치인 "지중해"를 실물 크기로 확대했으며, 1905년에는 이를 돌로 번역했습니다. 겉으로는 절대적으로 차분한 Maillol의여 주인공은 생각과 감정의 내부 긴장이 명확하게 표현되어 놀라움을 금치 못합니다. 이는 1902~1906년에 제작된 '밤'과 기타 조각품에 대해 말할 수 있습니다. Maillol은 카탈로니아 소녀들을 많이 관찰했고 때로는 한 세션에서 자신이 좋아하는 소녀의 머리를 조각할 수도 있었습니다. 그는 이렇게 인정했습니다. “그녀가 지나갈 때 나는 그녀의 영혼을 느낍니다. 이것이 제가 소녀의 모습을 만들 때 살아 있는 동시에 무형의 조각상에서 전달하고 싶은 것입니다. 내 감정이 내 손가락에 들어갑니다." 마이롤은 부드러움과 감동적인 애무의 느낌을 돌에 매우 생생하게 구현했습니다(고부조 "Desire", 1907).

Aristide Maillol은 이때 무례한 화가 Etienne Terry (1905)의 진실한 초상화 인 로마네스크 성도 "어머니의 초상화"(1898)의 이미지와 다소 유사한 장엄하고 엄숙한 많은 흥미로운 조각 초상화를 만들었으며 일부와 함께 실행되었습니다. 운명의 비극적 필연성에 대한 감각 Maillol에 참석한 후 조각에 관심을 갖게 된 노인 Haposte Renoir의 초상화(1907).

1903년 마이롤의 작은 조각상 '레다(Leda)'가 처음으로 살롱전에 출품되었고, 1905년에는 '지중해(Mediterranean Sea)'가 출품되었습니다. 같은 해 Aristide Maillol은 "Bound Force"(1905-1906)라고 불리는 Louis-Auguste Blanqui 기념비를 만드는 일을 맡았습니다. 작가의 아내가 이 조각품의 모델이 되었는데, 이 조각품에서는 처음으로 마이롤이 어떤 표정을 보여줍니다. 자신을 묶고 있는 족쇄를 풀기 위해 애쓰는 여성의 모습은 오랜 세월을 감옥에서 보낸 혁명가의 삶을 의인화한 것입니다. Maillol의 이미지는 Isadora Duncan의 춤과 비교할 수 없습니다. 때때로 그들은 극도로 단순하지 않고 심지어 소박하기도 하지만 이것이 그들의 비범한 자연성과 가소성의 비결입니다.

1908년에야 Aristide Mayol은 교육받은 독일 수집가인 Harry Kessler 백작의 도움 덕분에 그의 오랜 꿈을 이룰 수 있었습니다. 그는 그리스를 방문했습니다. 그의 예술 후원자인 작가 휴고 폰 호프만스탈(Hugo von Hofmannsthal)은 마이롤(Maillol)과 함께 오랫동안 기다려온 이 여행을 떠났습니다. Aristide Maillol은 그리스가 그의 고향인 카탈로니아와 매우 유사하다는 사실을 알고 놀랐습니다. 나중에 조각가는 다음과 같이 썼습니다. “아테네에서 나는 박물관에 아폴로 동상을 그렸습니다. 이 동상은 신체를 최대한 완벽하게 묘사하지만 이미 피디아스의 위엄과 왕족과는 거리가 멀습니다. 그리고 나는 이집트 스타일의 엄격하고 장엄한 작품인 원시적 성격의 큰 동상 앞에 서 있는 것을 발견했습니다. 한마디로 신의 동상은 이 예술이 아폴로보다 영적 웅장함이 얼마나 더 높은지 깨달았습니다. 이 비교는 나에게 충격을 주었고 깊이 생각하게 만들었습니다.”

고대의 숨결은 Aristide Maillol의 많은 작품에서 느껴지지만 특히 그의 비교할 수 없는 여성 몸통인 "Torso of a Nereid"(1905) 및 "Small Torso on a Dolphin"(1925)에서 느껴집니다. 팔, 다리, 머리가 없는 이 여성 인물들은 놀라운 유연성과 여성스러움으로 놀라움을 선사합니다. 젖은 드레스처럼 보이는 작고 가벼운 주름은 파르테논 신전 님프의 옷 주름을 연상시킵니다.

Aristide Maillol은 "위대한 것에 대한 탐구"를 계속했습니다. 나중에 요약하자면, 창의적인 삶, 그는 다음과 같이 썼습니다. “우리 시대에는 더 이상 신이 필요하지 않습니다. 나는 자연만을 따를 수 있으며, 전달 작업을 스스로 설정하면 인체 연구에서 최고 수준의 아름다움의 기초를 찾을 수 있는 것 같습니다. 형태의 조화와 건축적 균형, 그리고 이 연구를 통해 나는 큰 일을 이룰 수 있다는 것을 깨달았습니다."

아리스티드 마이롤(Aristide Maillol)의 장엄한 조각상과 고대 조각가들의 작품을 구별하는 것은 바로 친밀감입니다. 1907~1910년에는 이른바 '발전된 하모니'가 넘치는 '포모야'와 가벼운 옷을 입고 몸을 휘감는 더욱 가볍고 매력적인 '플로라'가 등장했다. 1910~1932년에 조각가는 영원한 탐구 정신을 구현한 일드프랑스 기념비 작업에 참여했습니다. 기대어 있는 인물(세잔 기념비, 1912-1925)은 왕실의 위엄으로 가득 차 있는데, 이는 더 이상 "수직"이 아닌 "수평" 유형의 인물에 대한 주인의 탐구의 결과였습니다. 그리고 "목걸이를 한 금성"(1918-1928)이 여전히 주변 세계와의 분리에 놀랐다면 청동 그림 "세느 강"(1921)에서는 "인간"과 "풍경"원칙이 이미 하나로 합쳐졌습니다. 옷의 주름이 물처럼 흐르거나, 물이 옷이 되거나...

Virgil의 "Eclogues", Ovid의 "The Art of Love", Long의 "Daphnis and Chloe" 및 기타 작품에 대한 Aristide Maillol의 일러스트레이션은 매우 유기적이고 자연스럽고 유난히 아름답고 때로는 정교합니다.

그의 미적 개념을 정당화하기 위해 Aristide Maillol은 다음과 같이 썼습니다. “자연에서 모든 상승 선, 모든 수직선은 직선이고 수평선은 둥글습니다.

나무. 수직은 양초처럼 직선입니다. 하지만 줄기를 자르면 둥근 모양만 남게 됩니다. 자연에서 찾은 이 원리를 인간의 모습에 옮겨보세요. 그리고 당신은 내 미학의 기본을 갖게 될 것입니다.”

John Rewald는 1939년에 다음과 같이 쓴 Aristide Maillol의 창의적인 개성의 발전을 매우 정확하게 정의했습니다. 여전히 밝지만 채널이 깊어집니다."

Maillol을 잘 아는 사람들은 그가 지속적이고 밝고 차분한 예술가가 전혀 아니라는 점에 주목했습니다. 그의 초기 작품들(화화 "바다"(1895), 고부조 "욕망" 등)에서 볼 수 있는 표현은 1930년대에 특히 강하게 나타났다. 친구들이 회상했듯이 Aristide Maillol은 뇌우를 좋아했고 Titian의 그림은 종종 El Greco를 선호했습니다. 그는 "어디로 알려지지 않은 미스터리로 이어지는 길"에 매료되었습니다.

1930년 파리 근처 생제르맹앙레 도서관 정원에 아리스티드 마이롤이 뛰어난 작곡가 드뷔시를 기리는 기념비를 세웠습니다. 기념비는 간결하고 간결합니다. 잠시 웅크린 채 손을 그녀 주위로 움직이는 벌거 벗은 여성입니다. 그것은 음악의 무한함을 모두 흡수한 음표와 같습니다.

1930년대 마이롤이 만든 가장 야심찬 작품은 바율쉬르메르 전사자를 기리는 기념비로 평가됩니다.

조각가 자신은 이 기간 동안 “나는 안정감 있는 건축물을 찾고 있었습니다. 이제 나는 움직이는 건축물을 찾고 있습니다.”라고 말했습니다. 그는 비정상적으로 역동적인 작은 청동 및 점토 목욕통 시리즈를 만들고 나중에는 자연 요소의 상징적 이미지인 바흐의 강력하고 깊은 음악에서 영감을 받았습니다. 그의 "산"(1935-1938)은 강력한 평온함과 사려 깊음으로 가득 차 있습니다. 받침대 위에 거의 떠 있는 가볍고 자유로운 여성 "에어"는 1937~1939년 생텍쥐페리가 쓴 조종사 J. 메르모즈(J. Mermoz)를 기념하기 위해 제작되었습니다. 내부 리듬으로 뭉친 "세 님프"(1936-1938)는 몽환적입니다. 복종적이고 급속한 자발적인 움직임 "강"(1938-1943)의 자비에 완전히 순종합니다.

이 기간 동안 마이롤이 포기하지 않았던 회화에서는 임파스토, 심지어 일부 조각적 글쓰기도 나타난다.

두 번째는 언제 시작됐나요? 세계 대전, Aristide Maillol은 대피를 단호하게 거부하고 그의 집에 아내와 함께 머물 렀습니다.

Aristide Maillol의 마지막 모델은 독창적이고 깊이 있고 박식한 소녀 Dina Vierny였으며, 그가 Three Nymphs를 위해 포즈를 취하도록 초대했습니다. 1937년 초부터 그녀는 거의 매일 5km 떨어진 그의 농장에 찾아왔고, 세션 중에 그들은 철학적인 대화를 나누고 시를 낭독하기도 했습니다. Maillol의 최신 그림 대부분이 만들어진 것은 Dina였으며, 그를 위한 그의 마지막이자 가장 비싼 조각품인 "Harmony"(1944)는 비극과 기쁨의 감정, 살아있는 움직임을 결합한 것으로 보입니다. 표현에 대한 그의 최근 열정이 느껴지고, 놀랍도록 차분하고 특별한 부드러움이 느껴집니다.

1944년 9월 초, Raoul Dufy에서 돌아온 Maillol은 교통사고를 당했습니다. 의사들은 그의 생명을 위해 사심 없이 싸웠습니다. 말을 할 수 없게 된 Aristide Maillol은 학교 공책에 자신의 생각을 적으려고 했습니다.

그러나 1944년 9월 27일에 사망하였다. 조각가는 그의 두 명의 뮤즈, 즉 아이들에게 둘러싸여 포모나에서 그에게 불멸의 존재가 된 카탈로니아의 아름다움 Laura와 정교하고 온화하며 자랑스러운 Dina와 함께 마지막 여행에 동행했습니다. 그녀가 포즈를 취한 "하모니"는 미완성으로 남아 있지만 위대한 조각가가 듣고 구현 한 것처럼 들립니다. 훌륭한 음악, 침묵의 음악.

Bogdanov P.S., Bogdanova G.B.

마이롤은 프랑스 남부 반율쉬르메르(Banyuls-sur-Mer) 마을에서 세습적인 와인 재배자 가문에서 태어났습니다. 그는 인근 페르피냥의 대학에서 공부했으며, 젊었을 때부터 그림 그리기에 특별한 관심을 보였습니다. 1882년에 그는 파리로 가서 Ecole des Beaux-Arts에 입학하여 Jerome과 함께 공부한 후 Ecole des Arts Décoratifs에서 화가 Cabanel과 함께 교육을 계속했습니다. 1890년대 초, 마욜은 고갱이 이끄는 소위 퐁타방(Pont-Aven) 그룹의 예술가들을 만났는데, 이는 그의 초기 그림에 어느 정도 영향을 미쳤습니다. 그해에 그는 Emile Bernard와 Puvis de Chavannes의 작품에도 매료되었습니다. 1895년, 중세 직조 기술과 특히 클루니 박물관 컬렉션의 "유니콘을 안고 있는 여인" 시리즈의 태피스트리에 큰 감명을 받은 마이롤은 바율스에서 태피스트리 제작 워크숍을 조직했습니다. 여기에서 그는 고대 거장들처럼 판지를 그리고 다양한 색상을 구성하고 실을 선택하고 염색했습니다. 지역 소녀들이 태피스트리를 엮었고, 그중 한 명은 마이롤이 1896년에 결혼했습니다. 그는 그의 아내 Clotilde를 그림과 조각품으로 두 번 이상 묘사했습니다. 1894년 브뤼셀에서 열린 G20 전시회에서 Maillol은 Pont-Aven 학교와 Nabis 그룹의 예술가들의 영향력이 느껴지는 그의 첫 번째 태피스트리인 "Music"과 "The Enchanted Garden"을 선보였습니다. 그러나 태피스트리를 만들 때 작은 세부 사항에 대한 힘든 작업은 주인의 비전에 해로운 영향을 미쳤습니다. 1900년경에 그는 거의 실명 상태가 되었고 약 6개월 동안 이 상태로 지냈습니다. 태피스트리 생산을 중단해야했습니다. 이 기간 동안 가만히 앉아 있는 것이 익숙하지 않았던 마이롤은 조각품으로 전환했습니다.
그가 자신만의 독특한 스타일을 찾게 된 것은 조각 분야에서였습니다. 그가 가장 좋아하는 플라스틱 테마는 벌거벗은 여성의 몸이며, 주인의 견해로는 그 둥근 모양과 부드러운 곡선이 세상의 충만함과 아름다움, 즉 밤의 신비, 구불구불한 강의 흐름, 무중력 공간의 가벼움.
1902년 Ambroise Vollard는 자신의 갤러리에서 Maillol의 첫 번째 개인전을 조직하고 그의 조각품 몇 점을 구입했습니다. 1904년 마이롤은 가을 살롱에 처음으로 작품을 전시했습니다. 같은 해에 그는 그의 후원자가 된 해리 케슬러 백작을 만납니다. 조각가는 이 지인이 그의 인생에서 가장 큰 성공이었다고 한 번 이상 언급했습니다. 자선가인 케슬러 백작의 재정적 지원 덕분에 마이롤은 1908~1910년에 그리스를 방문하여 고대 및 초기 고전 시대의 작품에 큰 감명을 받았습니다.
1905년에 조각가는 사회주의자 루이 오귀스트 블랑키(Louis-Auguste Blanqui)의 기념비를 만드는 작업을 의뢰받았고, 결국 "Bound Force"라는 이름을 얻게 되었습니다. 자신을 묶고 있는 속박을 끊기 위해 분투하는 여성의 이미지는 오랜 세월을 감옥에서 보낸 혁명가의 삶을 의인화합니다.
1912년 마이롤은 폴 세잔(Paul Cézanne)의 기념비 작업을 시작하여 누워 있는 여성 인물의 구성을 만들었습니다. 그러나 세잔의 고향인 엑스(Aix) 주민들은 이 기념물이 너무 단순하다고 생각했습니다. 언론에서 큰 논란이 된 후 파리의 튀일리 정원에 설치되었습니다.
시간이 지남에 따라 1910년대부터 1940년대까지 마이롤의 작업은 눈에 띄는 변화를 겪지 않았으며 여성 이미지는 변함없이 그의 주요 주제(“Ile de France”, “목걸이를 한 금성”, “슬픔”)로 남아 있었습니다.
1934 년에 젊은 모델 Dina Verny가 Maillol의 삶에 등장하여 그의 뮤즈가되었고 "River", "Air", "Mountain"과 같은 거장의 후기 조각품의 프로토 타입 역할을했습니다. 베르니는 또한 조각가의 마지막 기념비적인 조각상을 위해 포즈를 취했는데, 이 조각상은 "하모니"라고 불리며 완성되지 않았습니다. 최근 몇 년마이롤은 고향인 반율에서 평생을 보내며 조각뿐만 아니라 회화도 계속 공부했습니다. 1944년 9월 15일 라울 뒤피(Raoul Dufy)에서 차로 돌아오던 중 교통사고를 당했다. 9월 27일 그는 사망했다. 1964년에는 디나 베르니(Dina Verny)가 국가에 기증한 거장의 조각품 20점이 파리의 튀일리 정원에 설치되었습니다.

아리스티드 마이롤의 초상, 1899년

마이롤 아리스티드 조셉 보나벤처 (1861-1944) - 프랑스 조각가. 유명한 러시아 조각가 V. Mukhina는 "현대 조각에는 어린 가지에 주스를 공급하는 두 개의 줄기가 있습니다. Bourdelle과 Maillol"이라고 유명한 러시아 조각가 V. Mukhina는 다음과 같이 단언했습니다. "기질, 플라스틱 형태의 두 극: 하나는 불의 파토스이고 다른 하나는 불의 파토스입니다. 바다 호흡이 차분해요.”

고양되고 진정한 조화의 힘은 아리스티드 마이롤(Aristide Maillol)의 최고의 조각상 중 하나인 청동상으로 구현됩니다. "포모나"조각가가 만들기 시작한 1907년요청 시 I. A. 모로조바 (그는 1910년에 그곳을 졸업했다). 부드럽고 절제된 움직임으로 가득 찬 사과를 손에 들고 있는 벌거벗은 여성은 가을의 다산을 상징합니다. 그녀는 사계절을 조형적으로 알려주는 4개의 조각상 그룹의 일부였습니다. 여성 신체 라인의 "가변성의 불변성"은 마이롤의 많은 조각적 변형의 주제가 되었습니다.

아리스티드 마이롤(Aristide Maillol)은 1861년 12월 8일 루시용 지방의 동부 피레네 산맥 근처, 스페인 국경 근처에 위치한 작은 녹색 마을인 반율쉬르메르(Banyuls-sur-Mer)에서 태어났습니다. 현지 카탈로니아 방언으로 "마이롤"수단 "덩굴",미래의 조각가는 자신이 유전적인 포도주 재배자 가족 출신이라는 사실을 자랑스럽게 생각했습니다.

Aristide Mayol은 네 자녀 중 두 번째였습니다. 그는 몽환적이고 조용하며 수줍은 소년으로 자랐습니다. 오래된 집에서는 엄격한 이모인 어머니와 노년기에 반맹인 할아버지가 아이들을 끊임없이 돌보았습니다. Aristide는 주변 자연을 매우 좋아했습니다. “반율 주변 지역은 푸생의 그림과 같고 더욱 아름답습니다.”라고 그는 반복해서 말했습니다. ...바다, 태양, 와인! 여기서 무감각한 예술을 창조하는 것은 불가능합니다.”

그는 페르피냥의 대학에 다니면서 일찍부터 그림을 그리기 시작했습니다. Aristide는 해안, 바다, 해안 바위를 다양한 캐릭터로 묘사한 그의 최초의 석유 풍경 중 하나를 부지런히 채웠습니다.

이때 파리에는 더 이상 형제단이었던 예술가들의 우호적이고 자유로운 형제단이 없었습니다. 바르비조파또는 인상파 1870년대에. 대부분의 예술가들은 자신만의 길을 개척해야 했습니다.

학교를 떠난 후 마이롤은 다음과 같은 강한 영향을 받았다. 퐁타방 그룹, 향하고 있던 고갱, 당시 그는 “그림은 자연이 아니다. 이것은 장식되어야 할 표면이다.” Paul Gauguin 외에도 Aristide Maillol은 발명가의 작업에 관심이 있었습니다. "합성" 에밀 버나드, 인상파와는 달리 분석적이고 해체적인 것이 아니라 전체적인 비전을 위해 노력했습니다. 젊은 예술가의 관심 분야에는 기념비주의 작품도 포함되었습니다. 푸비스 드 샤반느, 이론가 중 한 사람이되었습니다. "클루존주의"명확하게 조각되어 있고 약간 부피가 큰 모양을 선호했습니다.

Aristide Maillol의 초기 그림에서는 패턴화되고 움직이는 그림을 통해 실제 구체화가 이루어집니다.꿈처럼 흔들리는 여성 이미지 : “파도 속의 여인”(1898), <코트다쥐르>(1898)등.

한동안 마욜은 회화를 그만두고 반율에서 태피스트리 제작을 위한 실험적인 워크샵을 조직했습니다. 그는 직접 판지를 만들고, 다양한 색상을 구성하고, 실을 선택하고 염색까지 했습니다. 지역 소녀들은 태피스트리를 엮었습니다. 안에 1894년~에브뤼셀에서 열린 G20 전시회에서 Aristide Maillol은 그의 첫 번째 태피스트리를 선보였습니다. "음악"그리고 "마법의 정원"

이 작품들에서도 마이롤의 초기 그림과 마찬가지로 아르누보 양식, 퐁타방파, “그룹”의 영향을 느낄 수 있다. 나비도프". 양식화된 단순화와 부드럽고 매끄러우며 구불구불한 선은 시간이 지나면서 그의 창의적인 성격의 독특한 특징이 되었습니다.

Aristide Maillol이 꽃과 신선한 색상으로 가득한 모더니즘에 내재된 균열 없이 자신만의 독특하고 매우 자연스러운 세계를 창조하기 시작한 것은 태피스트리에서였습니다. 여인들의 옷과 헤어스타일도 그의 작품에 등장하는 꽃봉오리와 꽃차례와 닮아 있다. 나중에 Aristide Maillol은 인간과 식물의 적절성을 이론적으로 입증하고 그의 아이디어를 플라스틱으로 구현하려고 노력할 것이며 예술 세계와 자연 세계, 건축과 식물의 유기적 연결을 위해 노력할 것입니다. 1893년에 Aristide Maillol은 나중에 그가 가장 좋아하는 모델이 된 그의 공예가 중 한 명과 결혼했습니다. 그는 그림뿐만 아니라 돌, 청동, 나무에도 그녀를 여러 번 묘사했습니다. 동시에 친구들은 부유한 루마니아 왕자인 자선사업가에게 마이롤을 소개했습니다. 엠마누엘 비베스코, 그는 똑같이 부유한 친척들과 함께 Maillol에서 카펫을 주문했습니다.

그러나 기계 조립 라인 생산의 출현으로 인해 부활한 수공예 산업이 번성할 수는 없었습니다.

40세의 나이에 Aristide Maillol은 새로운 삶을 시작하는 것처럼 보였습니다. 그는 조각에 관심을 가지게 되었는데, “먼저 점토로 작업하지도 않고 나무로 여성 인물을 열정적으로 조각했습니다. 옥타브 미르보이때 마이롤을 자주 만났던 는 가난하지만 뿌듯하고 명랑하다고 말했다.

점차적으로 그는 초기 테라코타 목욕통에서 느꼈던 “고풍스러운” 뻣뻣함을 극복했습니다. 이 시대 최고의 작품으로는 "거짓말하는 소녀" (1900) , "레데", "이브"(1902)표현의 특별한 친밀감을 느낄 수 있습니다. 돌과 청동으로 만들어진 그의 여성들은 매우 자연스럽고 자연스러우며 유연합니다. 마욜의여 주인공의 모습뿐만 아니라 그들의 헤어 스타일까지도 일종의 전체적이고 조화로운 건축 구조로 인식 될 수 있습니다.

이 작은 형상을 Aristide Maillol이 처음에 만들기 시작한 대형 조각품과 유사하게 만드는 것은 바로 정확한 구조적, 건설적 기반입니다. 1900년대연령. 그는 1902년에 최초로 테라코타 스케치를 실물 크기로 확대했습니다."지중해",에이 1905년그를 돌로 만들었습니다.

겉으로는 완전히 차분한 마이롤의 여주인공들은 내면이 뚜렷하게 표현되어 놀라움을 금치 못합니다.생각과 감정의 긴장. 이것은 다음에 대해 말할 수 있습니다. 1902-1906 “밤”그리고다른 조각품.

Maillol은 카탈로니아 소녀들을 많이 관찰했고 때로는 한 세션에서 자신이 좋아하는 소녀의 머리를 조각할 수도 있었습니다. 그는 다음과 같이 인정했습니다. “그녀가 지나갈 때 나는 그녀의 영혼을 느낍니다. 이것이 바로 제가 내 조각상을 통해 전달하고 싶은 것입니다. 살아있는 동시에 무형의 것입니다. 소녀의 모습을 만들 때 모든 소녀들의 느낌을 전달하고 싶습니다. 내 기분이 손가락에 들어가네" . 마이롤은 돌에 부드러움과 영감을 받은 애무의 느낌을 매우 생생하게 구현했습니다(높은 부조). "욕망", 1907).

Aristide Maillol은 현재 로마네스크 성자의 이미지와 다소 유사한 장엄하고 단호한 많은 흥미로운 조각 초상화를 만들었습니다. "어머니의 초상" (1898), 의사소통에 무례한 화가의 진짜 초상 에티엔 테리(1905)운명의 비극적 필연성을 안고 처형된 노인의 초상 오귀스트 르누아르(1907), 그는 마이롤의 모델로 활동한 후 조각에 관심을 갖게 되었습니다.

1903년에는 마이롤의 작은 조각상이 처음으로 살롱 전시회에 출품되었습니다. "레다", 그리고 1905년에 - "지중해". 같은 해에 Aristide Maillol은 기념비 제작을 맡았습니다. 루이 오귀스트 블랑키, "라고 불렸습니다. 구속된 힘" (1905-1906).

작가의 아내가 이 조각품의 모델이 되었는데, 이 조각품에서는 처음으로 마이롤이 어떤 표정을 보여줍니다. 자신을 묶고 있는 족쇄를 풀기 위해 애쓰는 여성의 모습은 오랜 세월을 감옥에서 보낸 혁명가의 삶을 의인화한 것입니다. Maillol의 이미지는 Isadora Duncan의 춤과 비교할 수 없습니다. 때때로 그들은 극도로 단순하지 않고 심지어 소박하기도 하지만 이것이 그들의 비범한 자연성과 가소성의 비결입니다.

1908년에야 Aristide Mayol은 교육받은 독일 수집가인 Harry Kessler 백작의 도움 덕분에 그의 오랜 꿈을 이룰 수 있었습니다. 그는 그리스를 방문했습니다. 그의 예술 후원자인 작가 휴고 폰 호프만스탈(Hugo von Hofmannsthal)은 마이롤(Maillol)과 함께 오랫동안 기다려온 이 여행을 떠났습니다. Aristide Maillol은 그리스가 그의 고향인 카탈로니아와 매우 유사하다는 사실을 알고 놀랐습니다. 나중에 조각가는 다음과 같이 썼습니다. : “아테네에서는 박물관에 아폴로 동상을 그렸습니다. 이 조각상은 육체를 최대한 완벽하게 표현하고 있지만, 이미 피디아스의 위엄과 왕족과는 거리가 멀다. 그림을 다 그린 뒤 돌아보니 이집트 스타일의 엄숙하고 장엄한 원시적 성격을 지닌 커다란 조각상이 눈앞에 있었습니다. 한마디로 신의 동상. 나는 이 예술의 영적 위대함이 아폴로보다 얼마나 더 높은지 깨달았습니다. 이 비교는 나에게 충격을 주었고 깊이 생각하게 만들었습니다.”

Aristide Maillol의 많은 작품에서 고대의 숨결이 느껴지지만 특히 그의 비교할 수 없는 여성 몸통에서 느껴집니다. "네레이드의 몸통"(1905)그리고 "돌고래 위의 작은 몸통"(1925). 팔, 다리, 머리가 없는 이 여성 인물들은 놀라운 유연성과 여성스러움으로 놀라움을 선사합니다. 젖은 드레스처럼 보이는 작고 가벼운 주름은 파르테논 신전 님프의 옷 주름을 연상시킵니다.

Aristide Maillol은 "위대한 것에 대한 탐구"를 계속했습니다. 훨씬 후에 그는 자신의 창의적인 삶을 요약하여 다음과 같이 썼습니다. “우리 시대에는 더 이상 신이 필요하지 않습니다. 나는 오직 자연만을 따를 수 있고, 형태의 조화와 건축적 균형을 전달하는 임무를 스스로 설정한다면 인체 연구에서 가장 높은 차원의 아름다움의 원리를 찾을 수 있을 것 같습니다. 이 연구를 통해 나는 큰 성과를 거둘 수 있어요.”

아리스티드 마이롤(Aristide Maillol)의 장엄한 조각상과 고대 조각가들의 작품을 구별하는 것은 바로 친밀감입니다. 1907~1910년완전한 소위 '발전된 조화'가 나타납니다. "포모나"몸을 감싸는 가벼운 옷을 입고 더 가볍고 더 매력적으로"플로라". 1910~1932년에 조각가는 기념비 작업에 참여했습니다. "일드프랑스"

영원한 탐구 정신을 구현했습니다. 감청색위대 기대어 있는 모습( 세잔 기념비; 1912년부터 1925년까지), 이는 더 이상 "수직"이 아닌 "수평" 유형의 도형에서 마스터의 탐구의 일종의 결과였습니다. 그리고 만약에 "목걸이를 한 비너스"(1918-1928)아직도 놀랍다외부 세계와의 분리, 그 다음에는 청동상에서 "센"(1921)'인간'과 '풍경' 원칙은 이미 하나로 합쳐지고 있습니다. 옷의 주름이 물처럼 흐르거나, 물이 옷이 되거나...

그의 미적 개념을 정당화하기 위해 Aristide Maillol은 다음과 같이 썼습니다. “자연에서는 모든 상승하는 선과 모든 수직선은 직선이고 수평선은 둥글다. 트렁크를 가져가세요 나무. 수직은 양초처럼 직선입니다. 하지만 줄기를 자르면 둥근 모양만 남게 됩니다. 자연에서 찾은 이 원리를 인간의 모습에 옮겨보세요. 그리고 당신은 내 미학의 기본을 갖게 될 것입니다.”

John Rewald는 1939년에 Aristide Maillol의 창의적인 개성의 발전을 매우 정확하게 정의했습니다. “그 진화에는 날카롭거나 갑작스럽거나 지적인 것이 없습니다. 그것은 흐름 속에서 점차 강이 되는 맑은 흐름과 같습니다. 그 물은 여전히 밝지만 그 수로는 깊어진다.”

Maillol을 잘 아는 사람들은 그가 지속적이고 밝고 차분한 예술가가 전혀 아니라는 점에 주목했습니다. 그의 초기 작품 중 일부에서 엿볼 수 있는 표현(회화적 구도) “바다”(1895), 하이 릴리프 “Desire”등.),

30년대에 특별한 힘으로 나타났습니다. 그의 친구들이 회상했듯이 Aristide Maillol은 뇌우를 좋아했고 티치아노의 그림매우 자주 선호됨 엘 그레코, 그는 "미지의 장소, 신비 속으로 이어지는 길"에 매료되었습니다.

1930년, 파리 근처 생제르맹앙레 도서관 정원에 아리스티드 마이롤(Aristide Maillol)의 기념비가 세워졌습니다.

뛰어난 작곡가 드뷔시. 기념비는 간결하고 간결합니다. 잠시 웅크린 채 손을 그녀 주위로 움직이는 벌거 벗은 여성입니다. 그것은 음악의 무한함을 모두 흡수한 음표와 같습니다.

1930년대 마이롤이 창작한 가장 야심찬 작품으로 꼽힌다. 바율쉬르메르 전사자 기념비 .

조각가 자신이 이 세월 동안 말했다. : “저는 지속가능성과 안정성을 갖춘 아키텍처를 찾고 있었습니다. 지금은 무브먼트 아키텍처를 찾고 있어요.". 그는 일련의 특별한 것을 만듭니다.역동적인 작은 청동과 점토 목욕통, 그리고 나중에는 자연 요소의 상징적 이미지인 바흐의 강력하고 깊은 음악에서 영감을 받았습니다. 강력한 평온함과 사려 깊음으로 가득 차 있습니다. "산"(1935-1938).가볍고 자유로우며, 받침대 위를 맴돌고 있는 여인 -"공기" ,에 완료 1937-1939 기념물로서의 년 조종사 J. Mermoz, Saint-Exupery가 쓴 내용입니다.

꿈꾸는 듯한, 내부 리듬으로 뭉쳐진 "세 명의 님프"(1936-1938) . 복종적이며, 급속하고 자발적인 움직임에 완전히 좌우됩니다. "강"(1938-1943).

이 기간 동안 마이롤이 포기하지 않았던 회화에서는 임파스토, 심지어 일부 조각적 글쓰기도 나타난다.

제2차 세계대전이 시작되자 아리스티드 마이롤은 단호하게 대피를 거부하고 아내와 함께 집에 남아 있었습니다.

Aristide Maillol의 마지막 모델은 독창적이고 매우 깊이 있고 박식한 소녀였습니다. 디나 비에르니, 그가 포즈를 취하도록 초대한 사람 "세 명의 님프" 1937년 초부터 그녀는 거의 매일 그의 농장에 5km씩 왔고 심지어 그들은 심지어세션 동안 그들은 철학적인 대화를 나누고 시를 읽었습니다. Maillol의 최신 그림 대부분과 그를 위한 마지막이자 가장 값비싼 조각품을 만든 사람은 Dina였습니다. "하모니"(1944), 그는 비극과 기쁨의 감정, 최근 표현에 대한 열정의 메아리가 느껴지는 생생한 움직임, 놀라운 평온함과 특별한 부드러움을 결합한 것 같습니다.

그러나 1944년 9월 27일에 사망하였다. 조각가는 그의 두 명의 뮤즈, 즉 아이들에게 둘러싸여 포모나에서 그에게 불멸의 존재가 된 카탈로니아의 아름다움 Laura와 정교하고 온화하며 자랑스러운 Dina와 함께 마지막 여행에 동행했습니다. 그녀가 포즈를 취한 <하모니>는 미완성으로 남아 있지만, 위대한 조각가가 듣고 구현한 위대한 음악, 침묵의 음악이 담겨 있다.

Bogdanov P.S., Bogdanova G.B.

www의 기사 . 아이클라이너. 정보, http://smallbay.ru의 그래픽 시리즈 및 O. Petrochuk "Aristide Maillol"의 저서에서 가져온 것입니다. 1977년 에드. http://art-blog.uz/archives/294

여기에 더 많은 사진이 있습니다

http://artchive.ru/artists/aristid_mayol/type/zhivopis/45643#picture

Aristide Maillol은 1861년 4월 8일 프랑스 남부, 루시옹(피레네 산맥) 지방의 Banyuls-sur-Mer 마을에서 태어났습니다. 그는 파리의 École des Beaux-Arts와 École des Arts Décoratifs에서 공부했으며, 그곳에서 Alexandre Cabanel 수업에서 드로잉과 회화를 공부했습니다. 그러나 시력이 나빠지면서 그는 조각품으로 눈을 돌렸습니다.

Aristide Mayol은 세습적인 포도주 재배자의 아들이었습니다(카탈로니아 방언으로 "mayol"이라는 단어는 "포도나무"를 의미함). 집에서 그의 인생의 첫 20년은 농민 노동과 예술에 참여하려는 소심한 시도로 보냈습니다.

1881년 마이롤은 파리에 정착했습니다. 처음에 그는 미술 아카데미에 다녔고, 그다음에는 장식 미술 학교에 다녔으며, 그곳에서 현대 프랑스 예술가들의 작품을 접하게 되었습니다. 그 당시 Maillol은 그림을 그리고 태피스트리(손으로 짠 보풀이 없는 모직 카펫 그림) 제작에 관심을 갖게 되었습니다. 그는 집으로 돌아와 작업장을 열었습니다. 1894년에 그의 첫 작품이 대중에게 공개되었습니다. Weaving은 Maillol에게 장식 및 응용 예술의 잊혀진 가능성을 공개했으며, 그가 만든 태피스트리는 많은 예술가를 사로잡아 수집가들 사이에서 대가의 명성과 팬을 가져왔습니다.

마이롤은 40세에 조각을 시작했습니다. 1902년 거장의 첫 개인전을 방문한 오귀스트 로댕은 그의 작품 <레다>(1902)를 보고 감탄했다. 그것은 놀라운 성공이었고 선택한 길의 정확성에 대한 인식이자 위대한 로댕의 일종의 축복이었습니다.

1901~1905년 Maillol은 "지중해"와 "생각"이라는 두 가지 이름을 가진 최초의 대형 대리석 조각상을 만들었습니다. 구성은 깔끔하고 논리적이며, 플라스틱 형태는 자연스럽고 단순하다.

자신의 힘을 시험한 마이롤은 기념물 디자인 대회에 참가하기 시작했습니다. 1906년에는 강력한 여성을 묘사한 "쇠사슬에 묶인 자유"(1905-1906) 기념비가 나타났습니다. 생명 에너지세상을 변화시킬 수 있는 능력. 이것이 Maillol이 유토피아 공산주의자 Louis Auguste Blanqui에게 기념비를 선물한 방법입니다. 고객은 불행했습니다. 그들은 조각품을 매우 높은 받침대 위에 놓고 주변을 나무로 둘러싸서 조각품의 특이한 모습을 숨기려고 했습니다.

조각가는 기념물을 보는 꿈을 꾸었습니다 고대 그리스. 1908년 그에게 그런 기회가 찾아왔다. 새로운 친구독일의 자선사업가이자 수집가인 해리 케슬러 백작 마이롤이 그의 소원을 실현했습니다. 올림피아의 파르테논 신전과 제우스 신전의 조각품을 생각하고 아테네 박물관에서 그림을 그리는 주인은 고대 그리스인의 조형 적 사고와 자신의 재능이 친밀감을 느꼈고 수천년을 거쳐온 연관성을 느꼈습니다. 동시에 Maillol은 고대와 현대 문화 사이의 엄청난 격차를 깨달았습니다. “무엇을 선택해야 합니까? -조각가가 스스로에게 물었습니다. - 우리 시대에는 더 이상 신이 필요하지 않습니다. 자연을 따라가면 되는데..."

이것이 바로 "플로라"(1911)가 현명한 여신처럼 차분하고 단순한 농부처럼 강인하게 등장한 방식입니다. 이어서 프랑스 중심부의 역사적인 지역인 일드프랑스("Ile-de-France", 1910-1932)를 대표하는 더욱 우아한 조각품이 탄생했습니다. “나는 자연을 모방하지 않고 자연처럼 일합니다.”라고 Maillol은 말했습니다.

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1912년에 조각가는 예술가 Paul Cézanne의 기념비를 세우기 시작했습니다. (마이롤은 때때로 “조각계의 세잔”으로 불렸습니다.) 그는 10년 이상 기념비 작업에 참여하면서 누워 있는 여성 인물의 구성을 발전시켰습니다. 그러나 세잔의 고향인 엑스(Aix) 주민들은 이 기념물이 너무 단순하다고 생각했습니다. 언론에서 큰 논란이 된 후 그는 파리의 튀일리 정원에서 피난처를 찾았습니다.

1934년 건축가 장 클로드 돈델(Jean-Claude Dondel)은 73세의 마이롤을 소련에서 이민 온 15세 디나 베르니(Dina Verny)에게 소개했는데, 디나 베르니는 그의 모델이자 뮤즈가 되었습니다. 그는 청동, 대리석 및 기타 재료("River", "Air", "Harmony" 등의 구성)의 다양한 누드 형태로 그것을 상상했으며 이 창의적인 협력 덕분에 Maillol은 다시 그림을 그리기 시작했습니다.

30대 Maillol은 점점 더 자연에 매력을 느끼게 되었습니다(“Mountain”, 1935-1938; “River”, 1939-1943). 조각품 "산"은 다시 여성이며, 그녀는 산의 영혼이자 보이지 않는 이미지이자 본질입니다. 여자의 다리 중 하나는 돌 속으로 들어가고 다른 하나는 구부러져 있습니다. 그녀는 고개를 숙였다. 여자의 손가락은 열려 있고 위쪽을 향하고 있습니다. 이것이 산 꼭대기입니다. 물결 모양의 흐르는 머리카락은 구름이 위로 올라오는 것을 나타냅니다.

"하모니"(1940-1944)는 주인의 마지막 동상입니다. 마이롤은 4년 동안 이 작업을 했지만 미완성 상태로 남아 있었습니다. "하모니"는 고대 비너스와 미묘하게 유사한 젊고 강하며 유연한 여성을 묘사합니다. 이것은 조각가가 그의 후손에게 보내는 일종의 유언입니다.

마이롤은 이렇게 말한 적이 있습니다. “사과나무가 사과를 발명하지 않는 것처럼 나는 아무것도 발명하지 않습니다.” 그 덕분에 유럽 조각에서 다시 확립된 단순한 진리는 조화와 아름다움의 법칙입니다. 그들은 오랫동안 잊혀졌습니다. 그들은 공허하고 영혼이 없는, 아카데미에서 받아들여지는 전통적인 아름다움으로 대체되었습니다. Auguste Rodin의 회화적 표현성과 Antoine Bourdelle의 감성에 이어 Aristide Maillol의 고전적 단순성은 학문주의의 마지막 흔적을 파괴하고 조각을 20세기로 되돌렸습니다. 고대의 기초.

1944년 9월 27일, 마이롤은 교통사고로 사망했습니다. 그는 자신의 모든 재산과 수집품을 디나 베르니(Dina Verny)에게 물려주었습니다. 그 순간부터 그녀는 파리의 가장 성공적인 갤러리 소유자가 되었습니다. 평생 동안 Dina Verny는 Maillol의 작품 홍보에 참여했으며 1995년 Maillol 박물관인 "Dina Verny Foundation"(파리 6구 Rue Grenelle 61번지) 개관으로 최고조에 달했습니다. 상설전시 작품은 유난히 높은 수준의 전시가 특징이다. 그녀는 18개의 마이롤 조각품을 뛸르리 정원에 배치하는 조건으로 프랑스 정부에 기증했습니다(나중에 그녀는 조각품 2개를 더 기증했습니다).

Aristide Maillol (프랑스 Aristide Maillol, 1861년 12월 8일, Banyuls-sur-Mer - 1944년 9월 27일, ibid.)은 카탈루냐 출신의 프랑스 조각가이자 화가입니다.

Aristide Maillol은 1861년 12월 8일 프랑스 남부, 루시옹(피레네 산맥) 지방의 Banyuls-sur-Mer 마을에서 태어났습니다.
그는 파리의 École des Beaux-Arts와 École des Arts Décoratifs에서 공부하고 Alexandre Cabanel 수업에서 그림을 그렸지만 시력이 나빠져 조각으로 전환했습니다.

Aristide Mayol은 세습적인 포도주 재배자의 아들이었습니다(카탈로니아 방언으로 "mayol"이라는 단어는 "포도나무"를 의미함). 그의 고향에서 농민 노동과 그의 첫 번째, 아직 무능하지만 끈질긴 예술 활동에 참여하려는 시도에서 그의 생애 첫 20 년이 지났습니다.

1881년 마이욜은 파리에 정착했습니다. 처음에 그는 미술 아카데미에 다녔고, 그다음에는 장식 미술 학교에 다녔으며, 그곳에서 현대 프랑스 예술가들의 작품을 접하게 되었습니다. 그 당시 Maillol은 그림을 그리고 태피스트리(손으로 짠 보풀이 없는 모직 카펫 그림) 제작에 관심을 갖게 되었습니다.

그는 집으로 돌아와 작업장을 열었습니다. 1894년에 그의 첫 작품이 대중에게 공개되었습니다.

Weaving은 Maillol에게 장식 및 응용 예술의 잊혀진 가능성을 공개했으며, 그가 만든 태피스트리는 많은 예술가를 사로잡아 수집가들 사이에서 대가의 명성과 팬을 가져왔습니다.

마이롤은 40세에 조각을 시작했습니다.

1902년 마이롤의 첫 개인전을 방문한 오귀스트 로댕은 그의 작품 《레다》(1902)를 보고 감탄했다. 이것은 선택한 길의 정확성에 대한 인식이자 유명한 로댕의 일종의 축복이었습니다.

1901-1905년에 마이롤은 "지중해"와 "사상"이라는 두 가지 이름을 가진 최초의 대형 대리석 조각상을 만들었습니다. 그녀의 구성은 깔끔하고 논리적이며, 형태의 가소성은 당연한 것으로 여겨진다.

자신을 믿는 마이롤은 기념물 디자인 대회에 참가하기 시작했습니다. 1906년에는 세상을 변화시킬 수 있는 생명 에너지의 화신인 강력한 여성을 묘사한 "Chained Freedom"(1905-1906) 기념비가 나타났습니다.

이것이 Maillol이 유토피아 공산주의자 Louis Auguste Blanqui에게 기념비를 선물한 방법입니다. 그러나 1934년 록펠러 재단에 노동계급의 손에 권력이 넘어가는 현대 시대의 본질을 묘사한 프레스코화를 제출한 디에고 리베라의 경우처럼 고객들은 불만을 품었습니다. 그러나 록펠러 재단의 명령에 따라 디에고 리베라 프레스코화가 파괴되었다면, 이 경우고객들은 조각품을 매우 높은 받침대 위에 놓고 나무로 둘러싸서 조각품의 용납할 수 없는 모습을 숨기려고 했습니다. 비슷한 기술이 오늘날에도 사용되었습니다. 이번에는 모스크바에서 V. V. Mayakovsky (조각가 A. Kibalnikov, 건축가 D. Chechulin) 기념비는 위대한 시인의 이미지를 이해하는 데 방해가되는 건물로 둘러싸여 있습니다.

조각가는 고대 그리스의 기념물을 보는 꿈을 꾸었습니다. 1908년 그에게 그런 기회가 찾아왔다. Maillol의 새로운 친구이자 독일 자선사업가이자 수집가인 Harry Kessler 백작이 그의 소원을 실현하는 데 도움을 주었습니다. 올림피아의 파르테논 신전과 제우스 신전의 조각품을 연구하고 아테네 박물관에서 그림을 그리는 주인은 조각가의 임무에 대한 그의 비전이 고대 그리스인의 플라스틱 사고에 가깝다는 것을 밝혔습니다. 물론 마이롤은 고대 문화와 현대 문화 사이의 엄청난 격차를 알고 있었습니다. “무엇을 선택해야 합니까? -조각가에게 물었습니다. - 우리 시대에는 더 이상 신이 필요하지 않습니다. 자연을 따라가면 되는데..."

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