회화가 건축, 조각과 밀접하게 연결되어 발전한 중부 이탈리아의 예술과 달리 14세기 베니스에서는 그림이 지배적이다. Giorgione과 Titian의 작업에서 이젤 페인팅으로 전환되었습니다. 전환의 이유 중 하나는 프레스코가 잘 보존되지 않은 베니스의 기후에 의해 결정되었습니다. 또 다른 이유는 이젤 회화가 세속적 주제의 성장과 화가들의 관심의 원에 포함되는 대상의 원의 확장과 관련되어 나타나기 때문이다. 이젤 페인팅의 확립과 함께 장르의 다양성이 증가하고 있습니다. 따라서 Titian은 신화 주제, 초상화, 성서 주제에 대한 작곡에 대한 그림을 만들었습니다. 후기 르네상스의 대표자 - Veronese와 Tintoretto의 작업에서 기념비적 인 그림의 새로운 도약이 이루어졌습니다.

조르조네(Giorgione, 1477-1510)라는 별명을 가진 조르조 다 카스텔프랑코는 짧은 생애를 살았습니다. 조르조네라는 이름은 베네치아 방언으로 "가장 낮은 사람"을 의미하는 "조르조"라는 단어에서 파생되었습니다. 그의 기원은 정확하게 확립되지 않았으며 Bellini와 함께 도제 생활을 한 기간에 대한 신뢰할 수 있는 정보가 없습니다. 조르조네는 베니스의 문화적 계층의 일원이었습니다. "뇌우", "세 철학자"와 같은 그의 그림의 플롯은 해석하기 어렵습니다. 1510년 조르조는 흑사병으로 사망했다.

이젤화는 회화의 일종으로, 작품이 환경에 구애받지 않고 독립적인 의미를 갖고 지각된다. 이젤 페인팅의 주요 형식은 프레임으로 주변 환경과 분리된 그림입니다.

티치아노 베첼리(1476/77-1576). Titian은 Dolomites 기슭의 Cadore 마을에서 왔습니다. 예술가는 Giovanni Bellini 밑에서 공부했습니다. 1507년, 티치아노는 조르조네의 작업장에 들어갔고, 조르조네는 티치아노에게 작업의 완성을 맡겼습니다. 조르조네가 사망한 후 티치아노는 그의 작품 중 일부를 완성하고 여러 명령을 받아 작업실을 열었습니다.
이때 그는 '살로메', '화장실의 여인', '플로라' 등 다수의 인물화에서 자신의 아름다움에 대한 생각을 구현하고 있다. 1516년, 예술가는 베니스에 있는 산타 마리아 글로리오사 데이 프라리 교회를 위한 성모 승천(Assunta)을 만듭니다. 1525년, 티치아노는 사랑하는 세실리아와 결혼하여 두 아들을 두었다.

이때 Titian은 건강하고 관능적인 이미지를 좋아하고 음울하고 깊은 색상을 사용합니다. Bellini가 사망 한 후 공화국의 베네치아 학교 예술가의 자리는 Titian에게 넘어갔습니다. Titian은 Giorgione이 시작한 회화 개혁을 발전시켰습니다. 예술가는 넓고 자유로운 색상 오버레이를 허용하는 큰 캔버스를 선호합니다. 초기 레이어에는 건조 직후 다소 촘촘하지만 유동적인 획을 투명하고 반짝이는 바니시와 혼합하여 적용하고 가장 밝은 톤과 그림자를 강화하여 거의 코퍼스 특성을 얻는 획으로 그림을 완성했습니다. 스케치는 일반적인 감정적 준비에 해당했지만 그 자체로는 완전했습니다.

교황 바오로 3세의 초청으로 티치아노는 로마로 이주한다. 그의 예술에는 투쟁, 긴장의 드라마라는 새로운 주제가 나타납니다. 따라서 "보라 사람을 보라"라는 그림에서 예술가는 복음의 줄거리를 자신의 현대적 배경으로 옮기고, 빌라도의 이미지에서 피에트로 아레티노를 포착하고, 바리새인 중 한 명인 베니스의 총독으로 가장합니다. 이것은 교황을 불쾌하게 만들고 Titian과 그의 아들은 Charles V에게 Augsburg로 떠납니다. Charles V의 법원에서 Titian은 많은 글을 쓰고 특히 스페인으로부터 많은 주문을 받고 Philip II 왕은 그에게 여러 그림을 주문합니다. 50년대 초반. 티치아노는 베니스로 돌아가지만 스페인 왕을 위해 계속 일합니다. Titian의 초상화는 활력으로 구별됩니다. "교황 바오로 3세와 알렉산드로와 오타비오 파르네세의 초상"은 세 사람의 만남을 보여주며, 이들은 각각 다른 비밀 감정과 연관되어 있습니다. 1548년 Titian은 Charles V의 두 초상화를 그렸습니다. 하나는 갑옷을 입고 깃털이 달린 헬멧을 쓰고 Charles V가 말을 타고 숲 가장자리로 가는 승리를 거둔 승리의 모습으로 나타납니다.
티치아노는 황제 카를 5세의 초상화를 그렸을 때 붓을 떨어뜨렸고 황제는 그것을 들어올렸습니다. 그런 다음 예술가는 "폐하, 당신의 종은 그런 영예를받을 자격이 없습니다."라고 말했습니다. 황제는 이에 대해 "티치아노는 카이사르의 섬김을 받기에 합당하다"고 대답했다고 한다.

두 번째 초상화는 로지아를 배경으로 안락의자에 앉아 있는 전통적인 스페인 검은 양복을 입은 황제를 보여줍니다.
50년대 초반. 아버지 카를 5세의 퇴위 후 황제가 된 필립 2세의 위촉을 받은 티치아노는 신화적 주제를 인간의 삶에 대한 은유로 해석하여 "시"라고 불렀던 신화적 주제에 대해 7점의 캔버스를 그렸습니다. 시 중 - "Actaeon의 죽음", "Venus and Adonis", "The Abduction of Europe". 지난 몇 년티치아노는 일생 동안 베니스에서 살았습니다. 그의 작품에서는 불안과 실망이 커지고 있다. 종교화에서 티치아노는 점점 더 극적인 이야기- 비극적 인 메모도 울리는 순교와 고통의 장면.

후기 르네상스. 파올로 베로네세(1528-1588). 출생지 이름을 따서 Veronese라는 별명을 가진 P. Caliari는 1528년 베로나에서 태어났습니다. 베니스에 도착한 그는 즉시 Doge's Palazzo에서의 작업으로 인정을 받았습니다. 베로네세는 생이 끝날 때까지 35년 동안 베니스를 꾸미고 영화롭게 하는 일을 했습니다. Veronese의 그림은 모두 색상을 기반으로 합니다. 그는 화해가 특히 강렬한 소리를 만들어내는 방식으로 개별 색상을 비교하는 방법을 알고 있었습니다. 보석처럼 불타기 시작합니다. 주로 이젤 화가였던 티치아노와 달리 베로네세는 타고난 장식가입니다. 베로네제 이전에는 벽에 별도의 이젤 그림을 붙여 인테리어를 장식했고, 일반적인 장식적 통일성이 없었고, 회화와 건축의 합성적 융합이 이루어지지 않았다. Veronese는 전체 장식 앙상블을 만든 최초의 베네치아 예술가였으며 교회, 수도원, 궁전 및 빌라의 벽을 위에서 아래로 칠하고 그의 그림을 건축에 새겼습니다. 이러한 목적을 위해 그는 프레스코 기법을 사용했습니다. Veronese는 그의 그림과 주로 plafonds에서 그림을 아래에서 위로 볼 수 있도록 설계된 강력한 단축법, 대담한 공간 축소를 사용했습니다. 그의 plafonds에서 그는 "하늘을 열었습니다".

자코포 틴토레토. 본명 Jacopo Robusti(1518-1594). Tintoretto의 그림은 르네상스의 이탈리아 버전의 끝을 표시합니다. 틴토레토는 복잡한 주제적 성격의 회화적 순환에 끌렸고 희귀하고 전에 본 적이 없는 주제를 사용했습니다. 따라서 Scuola di San Rocco의 거대한주기에 대한 확장 된 서사에서 구약과 신약의 잘 알려진 많은 에피소드와 함께 덜 일반적이고 완전히 새로운 주제 인 "그리스도의 유혹"과 풍경 구성이 도입됩니다. 이집트의 막달라 마리아와 마리아. 성 베드로의 기적의 순환 베니스 아카데미와 밀라노 브레라의 마크는 일반적인 회화 솔루션과는 거리가 먼 형태로 제공됩니다.

전투를 묘사한 Doge's Palace는 디자인의 다양성과 대담함을 보여줍니다. 고대 신화 주제에서 Tintoretto는 주제에 대한 자유로운 시적 해석을 계속했으며, 그 시작은 Titian의 "시"입니다. 이것의 예는 "은하수의 기원"이라는 그림입니다. 그는 새로운 플롯 소스를 사용했습니다. 그래서 그림 '아르시노에의 구원'에서 작가는 프랑스 중세 전설에 나오는 로마 작가 뤼캉의 시를 편곡한 것을 이어받아 '탕크레드와 클로린다'는 타소의 시를 바탕으로 썼다.

틴토레토는 최후의 만찬의 줄거리를 반복해서 언급했습니다. Santa Maria Marquola 교회의 엄숙한 프리즈와 같은 "최후의 만찬"에서 교사의 말을 이해하는 방법에 대한 토론이 있다면 Santa Trovaso 교회의 그림에서 그리스도의 말씀은 타격과 같습니다. 충격을 받은 학생들을 흩어지게 하고, Scuola di San Rocco의 캔버스에서 그는 행동의 극적인 측면과 성례전의 상징성을 결합하고, San Giorgio Maggiore 교회에서 성찬례의 성사는 보편적인 품질을 획득했습니다. 영감을 주는 힘. 고전주의 화가들이 시작과 끝이 없는 시간의 이동에 끌린다면, 틴토레토는 사건을 전달하는 원리를 사용한다. 틴토레토 작품의 특징은 암시성, 역동성, 자연적 모티브의 표현적 밝기, 공간적 다차원성이다.

베니스의 예술은 원칙 자체 개발의 특별한 버전을 나타냅니다. 예술 문화르네상스 및 이탈리아의 다른 모든 르네상스 예술 센터와 관련하여.

연대순으로 보면 르네상스 예술은 그 시대 이탈리아의 다른 주요 중심지보다 다소 늦게 베니스에서 형성되었습니다. 특히 플로렌스보다 늦게 그리고 일반적으로 투스카니에서 형성되었습니다. 베니스의 순수 예술에서 르네상스 예술 문화의 원리 형성은 15 세기에만 시작되었습니다. 이것은 결코 베니스의 경제적 후진성에 의해 결정된 것이 아닙니다. 그에 반해 베니스는 피렌체, 피사, 제노바, 밀라노와 함께 당시 이탈리아에서 가장 경제적으로 발전된 중심지 중 하나였습니다. 12세기부터 시작되어 특히 십자군 전쟁 중에 가속화된 생산력이라기보다는 베니스가 거대한 상업으로, 더욱이 주로 상업으로 변모한 것은 이러한 지연에 대한 책임이 있습니다.

이탈리아와 중부 유럽의 이 창인 베니스의 문화는 동부 국가로 "통과"되어 제국 비잔틴 문화의 장엄한 웅장함과 엄숙한 사치, 그리고 부분적으로는 아랍 세계의 세련된 장식 문화와 밀접하게 연결되었습니다. 이미 12세기, 즉 지배의 시대에 부유한 무역 공화국 로마네스크 양식유럽에서는 부와 권력을 확증하는 예술을 창조하면서 당시 가장 부유하고 가장 발전된 기독교 중세 권력인 비잔티움의 경험으로 널리 눈을 돌렸습니다. 본질적으로, 일찍이 14세기 베니스의 예술 문화는 동양의 화려한 장식과 독특하고 우아한 재고의 영향으로 활기를 얻은 기념비적인 비잔틴 예술의 장엄하고 축제적인 형태의 일종의 혼합이었습니다. 장식 요소성숙한 고딕 예술.

이탈리아의 다른 지역과 비교하여 르네상스로의 전환에서 베네치아 문화의 일시적 지연의 특징적인 예는 Doge's Palace(14세기)의 건축입니다. 회화에서 중세 전통의 극도로 독특한 생명력은 Lorenzo와 Stefano Veneziano와 같은 14세기 후반의 거장들의 후기 고딕 작품에 분명히 반영됩니다. 그들은 예술이 이미 완전히 르네상스 성격을 지닌 15 세기 예술가의 작품에서도 느껴집니다. Bartolomeo의 "Madonnas", Alvise Vivarini, 초기 르네상스의 미묘하고 우아한 대가인 Carlo Crivelli의 작품입니다. 그의 작품에서 중세의 회상은 투스카니와 움브리아의 동시대 작가들보다 훨씬 강하게 느껴진다. 베네치아 공화국에서도 활동한 카발리니와 지오토의 예술(그의 최고의 사이클 중 하나는 파도바를 위해 만들어졌다)과 마찬가지로 원시 르네상스 경향이 약하고 산발적으로 느껴지게 된 것이 특징이다.

15세기 중반이 되어서야 비로소 르네상스 시대 전체 예술 문화의 특징인 베네치아 미술이 세속적 위치로 이행하는 필연적이고 자연스러운 과정이 마침내 완전히 실현되기 시작했다고 말할 수 있다. Venetian quattrocento의 특성은 주로 사람을 둘러싼 풍경 환경에서 풍경 배경에 대한 더 큰 관심으로 구성의 장식성과 미묘한 사실주의의 독특한 조합에 대한 색의 축제 증가에 대한 열망에 반영되었습니다. 또한 자연경관에 대한 관심보다 도시경관에 대한 관심이 더욱 발달한 것도 특징이다. 15세기 후반에 이르러 베니스에서 르네상스학파의 형성이 예술에서 중요한 자리를 차지하는 중요하고 독창적인 현상으로 일어났다. 이탈리아 르네상스. 이 시기에 고대 크리벨리의 예술과 함께 Antonello da Messina의 작품이 구체화되어 세계에 대한 보다 총체적이고 일반화된 인식, 시적 장식 및 기념비적 인식을 추구했습니다. 얼마 지나지 않아 Gentile Bellini와 Carpaccio의 예술 발전에서 더 많은 이야기가 나타납니다.

이것은 자연스러운 일입니다. 15세기 중반의 베니스는 상업적, 정치적 전성기의 최고 수준에 도달했습니다. "아드리아 해의 여왕" 교역소의 식민 소유지는 아드리아 해의 동부 해안 전체를 덮었을 뿐만 아니라 동부 지중해 전역에 널리 퍼졌습니다. 키프로스, 로도스, 크레타 섬에서 산마르코의 사자 깃발이 펄럭입니다. 해외 베네치아 과두정의 지배 엘리트를 구성하는 많은 고귀한 귀족 가문은 대도시 또는 전체 지역의 통치자 역할을 합니다. 베네치아 함대는 동유럽과 서유럽 간의 거의 모든 운송 무역을 확고하게 통제합니다.

사실, 콘스탄티노플 함락으로 끝난 투르크에 의한 비잔틴 제국의 패배는 베니스의 무역 위치를 흔들었습니다. 그러나 15세기 후반의 베니스의 쇠퇴에 대해서는 결코 말할 수 없습니다. 베네치아 동부 무역의 전반적인 붕괴는 훨씬 나중에 발생했습니다. 베네치아 상인들은 그 시간 동안 무역에서 부분적으로 해방된 막대한 자금을 베니스의 공예품 및 제조소 개발에 투자했으며, 부분적으로는 석호에 인접한 반도에 위치한 소유의 합리적인 농업 개발에 투자했습니다(소위 테라 농장 ).

게다가 1509-1516년에 부유하고 여전히 활력이 넘치는 공화국은 무력과 유연한 외교를 결합하여 여러 유럽 열강의 적대적인 연합과의 어려운 투쟁에서 독립을 수호했습니다. 일시적으로 베네치아 사회의 모든 부분을 결집시킨 이 어려운 투쟁의 결과로 인한 전반적인 상승은 티치아노를 시작으로 베니스의 르네상스 예술의 특징인 영웅적 낙관주의와 기념비적 축제의 특징을 성장시키는 원인이 되었습니다. . 베니스가 독립을 유지하고 상당 부분 부를 유지했다는 사실이 베네치아 공화국의 전성기 르네상스 예술의 전성기를 결정지었습니다. 후기 르네상스로의 전환은 로마와 피렌체보다 다소 늦은 16세기 40년대 중반 베니스에서 윤곽이 잡혔습니다.

미술

르네상스로의 전환을 위한 전제 조건의 성숙 기간은 이탈리아의 나머지 지역과 마찬가지로 15세기 말과 일치합니다. 이 기간 동안 Gentile Bellini와 Carpaccio의 내러티브 예술과 병행하여 새로운 예술적 방향, 말하자면 Giovanni Bellini와 Cima da Conegliano의 여러 거장들의 작품이 형성되었습니다. 시간이 지남에 따라 그들은 Gentile Bellini 및 Carpaccio와 거의 동시에 작업하지만 베네치아 르네상스 예술 발전 논리의 다음 단계를 나타냅니다. 이들은 르네상스 문화 발전의 새로운 단계로의 전환이 가장 명확하게 설명 된 화가였습니다. 이것은 특히 성숙한 Giovanni Bellini의 작품에서, 적어도 동시대의 젊은 Cima da Conegliano나 그의 남동생 Gentile Bellini의 그림보다 훨씬 더 명확하게 드러났습니다.

조반니 벨리니(Giovanni Bellini, 1425년 이후 1429년 이전에 출생, 1516년 사망)는 그의 직계 전임자들이 축적한 업적을 발전시키고 향상시킬 뿐만 아니라 베네치아 예술과 더 넓게는 르네상스 문화 전체를 더 높은 수준으로 끌어올립니다. 작가는 형식의 기념비적인 의미, 내면의 비 유적 감정적 내용에 대해 놀라운 감각을 가지고 있습니다. 그의 그림에서 풍경이 만들어내는 분위기와 구성 속 주인공들의 심정 사이의 연관성이 탄생하는데, 이는 현대회화 전반의 놀라운 성과 중 하나이다. 동시에 Giovanni Bellini의 예술에서 가장 중요한 것은 인간 성격의 도덕적 세계의 중요성이 놀라운 힘으로 드러납니다.

그의 작업 초기 단계에서 구성의 캐릭터는 여전히 매우 정적이며 그림은 다소 거칠고 색상 조합은 거의 선명합니다. 그러나 사람의 영적 상태의 내적 중요성에 대한 느낌, 내적 경험의 아름다움에 대한 계시는 이미 이 기간 동안 엄청난 영향력을 행사합니다. 전반적으로 외부의 급격한 도약없이 점차적으로 Giovanni Bellini는 자신의 작품의 인본주의적 기반을 유기적으로 발전시키고 직계 전임자와 동시대 인의 서사 예술의 순간에서 자신을 해방시킵니다. 그의 구성에서 플롯은 비교적 극적인 전개를 자세히 받지 못하지만, 색채의 감성적 소리, 그림의 리드미컬한 표현과 구성의 명료한 단순성, 형식의 기념비적 의미를 통해 더욱 그렇다. 절제되지만 내면의 힘 흉내로 가득 찬 인간의 영적 세계의 위대함이 드러납니다.

조명 문제, 자연 환경과 인물의 관계 문제에 대한 Bellini의 관심은 또한 네덜란드 르네상스의 거장들의 업적에 대한 관심을 결정했습니다(이탈리아 북부 미술의 많은 예술가들의 일반적 특징 15세기 후반). 그러나 형식의 명확한 가소성, 해석의 모든 자연적 생명력을 가진 사람의 이미지의 기념비적인 중요성에 대한 갈망(예: "컵을 위한 기도")은 의 대가인 벨리니 사이의 결정적인 차이를 결정합니다. 북부 르네상스 예술가들의 영웅적 휴머니즘을 지닌 이탈리아 르네상스 초기그의 작품에서 예술가는 때때로 이미지의 날카로운 심리적, 서사적 특성을 찾기 위해 북부인, 더 정확하게는 네덜란드로 눈을 돌렸습니다(Bergamo의 "Pieta", c. 1450). 특질 창의적인 방법 Mantegna 및 북부의 주인 모두와 비교하여 Venetian은 그의 "그리스 비문이 있는 Madonna"(1470년대, Milan, Brera)에서 매우 명확하게 나타납니다. 슬픔에 잠긴 마리아가 슬픈 아기를 부드럽게 껴안고 있는 이 이미지는 마치 성화를 연상케 하며, 주인이 거부하는 또 다른 전통, 즉 비잔틴 전통과 더 넓게는 모든 유럽 중세 회화의 전통을 말해주고 있습니다. 선형 리듬의 영성과 아이콘의 색상 코드가 결정적으로 극복됩니다. 표현이 억제되고 엄격하며 색상 비율이 매우 구체적입니다. 색상은 사실이고 입체적으로 조형된 형태의 솔리드 조형은 매우 리얼합니다. 실루엣 리듬의 미묘하게 명확한 슬픔은 인물 자체의 움직임, 살아 있는 인간의 절제된 생생한 표현과 분리할 수 없으며, 마리아의 슬프고 애통하고 사려 깊은 얼굴의 추상적인 심령주의적 표현이 아니라 아기의 크게 뜨인 눈. 시적 영감, 깊은 인간적, 신비롭게 변형되지 않은 느낌이 단순하고 겸손해 보이는 구성에서 표현됩니다.

1480년대에 조반니 벨리니(Giovanni Bellini)는 그의 작품에서 결정적인 한 걸음을 내디뎠으며 르네상스 예술의 창시자 중 한 명이 되었습니다. 성숙한 조반니 벨리니의 예술의 독창성은 그의 "변모곡"(1480년대)과 초기 "변모곡"(베니스, 코러 박물관)을 비교할 때 분명히 두드러집니다. Correr 박물관의 "변형"에는 기념비의 큰 받침대와 상징적 인 "도미"를 연상시키는 작은 바위에 견고하게 추적 된 그리스도와 선지자의 인물이 있습니다. 삶의 특징과 몸짓의 시적 쾌감의 통일이 아직 이루어지지 않은 움직임이 다소 각진 형상은 입체로 구별됩니다. 가벼우면서 차갑고 투명하며 거의 화려한 색채의 체적 조형 인물들이 차고 투명한 분위기에 둘러싸여 있다. 유색 그림자의 대담한 사용에도 불구하고 인물 자체는 여전히 균일 한 조명과 특정 정적 특성으로 구별됩니다.

조반니 벨리니(Giovanni Bellini)와 시마 다 코넬리아노(Cima da Conegliano)의 예술 다음 단계는 전적으로 전 르네상스에 속한 베네치아 학교의 초대 대가인 조르조네(Giorgione)의 작품이었습니다. Giorgione라는 별명을 가진 Giorgio Barbarelli del Castelfranco(1477/78 - 1510)는 조반니 벨리니의 제자이자 동시대 주니어였습니다. 조르조네는 레오나르도 다빈치처럼 정신적으로 부유하고 육체적으로 완벽한 사람의 세련된 조화를 드러낸다. 레오나르도와 마찬가지로 조르조네의 작품은 깊은 지성주의와 결정적인 합리성으로 구별됩니다. 그러나 그의 예술이 매우 숨겨져 있고 말하자면 이성적 지성주의의 파토스에 종속된 레오나르도와 달리, 조르조네에서는 서정적 원리가 합리적 원리와 명확하게 일치함으로써 더 직접적이고 더 큰 힘.

조르조네의 그림에서 자연, 자연 환경은 벨리니와 레오나르도의 작품보다 더 중요한 역할을 하기 시작한다.

조르조네가 풍경의 인물과 사물을 하나의 들판 전체로 연결하는 단일한 공기 환경을 묘사한다고 여전히 말할 수 없다면, 어쨌든 우리는 조르조네의 등장인물과 자연은 이미 배경과 그림 속 등장인물 모두에게 시각적으로 공통적인 분위기입니다. 자연 환경에 인물을 도입하고 Bellini와 Leonardo의 경험을 유기적으로 새로운 것으로 다시 녹인 독특한 예 - "Giorgionev"는 그의 그림 "St. Elizabeth with baby John"입니다. 수정처럼 맑고 시원한 분위기는 그래픽을 통해 매우 미묘하게 전달되어 Giorgione의 작품에 내재되어 있습니다.

조르지오 자신과 그의 서클의 작품은 거의 남아 있지 않습니다. 많은 귀인이 논란의 여지가 있습니다. 그러나 1958년 베니스에서 열린 조르조네와 조르지오네스코의 첫 번째 완전한 작품 전시회는 거장의 작품에 대한 많은 설명을 할 수 있게 했을 뿐만 아니라 이전에 논란의 여지가 많은 여러 작품은 일반적으로 그의 창의성의 성격을보다 완전하고 명확하게 제시하는 데 도움이되었습니다.

1505년 이전에 완성된 조르조네의 비교적 초기 작품에는 워싱턴 박물관의 양치기 숭배와 런던 내셔널 갤러리의 동방 숭배가 있습니다. 동방박사의 경배(런던)에서는 이미 잘 알려진 그림의 파편화와 극복할 수 없는 색채의 경직성에도 불구하고 등장인물들의 내면세계를 전달하고자 하는 주인의 관심이 느껴진다. 창의성의 초기 기간 조르조네는 그의 훌륭한 작곡 "카스텔프랑코의 성모"(c. 1504, 카스텔프랑코, 대성당)를 완성합니다.

1505년부터 예술가의 창조적 성숙기가 시작되었고 곧 그의 치명적인 병으로 중단되었습니다. 이 짧은 5년 동안 그의 주요 걸작은 "Judith", "Thunderstorm", "Sleeping Venus", "Concert" 및 대부분의 몇 안 되는 초상화로 만들어졌습니다. 이 작품들에서 베네치아 학교의 위대한 화가들에게 내재된 특별한 색채와 비유적 표현 능력의 숙달이 드러납니다. 오일 페인팅. 유화의 최초 ​​창시자이자 유통업자가 아닌 베네치아인들은 실제로 유화의 구체적인 가능성과 특징을 발견한 최초의 사람들이었다고 말해야 합니다.

베네치아 화파의 특징은 바로 유화의 지배적인 발전과 프레스코화의 발전이 훨씬 약한 것이라는 점에 유의해야 합니다. 중세 시스템에서 기념비적 인 회화의 르네상스 현실적 시스템으로 전환하는 동안 베네치아는 예술 문화 발전에서 중세에서 르네상스 단계로 넘어간 대부분의 사람들과 마찬가지로 자연스럽게 모자이크를 거의 포기했습니다. 매우 화려하고 장식적인 색도는 더 이상 새로운 예술적 도전을 완전히 충족시킬 수 없었습니다. 물론 모자이크 기법은 계속 사용되었지만 그 역할은 점점 덜 두드러지고 있습니다. 모자이크 기법을 사용하면 여전히 당시의 미학적 요구를 비교적 만족시키는 르네상스의 결과를 얻을 수 있었습니다. 그러나 모자이크 스몰트의 고유한 특성, 독특한 음향적 광채, 초현실적인 반짝임, 동시에 전반적인 효과의 증가된 장식성은 새로운 예술적 이상 조건 하에서 완전히 적용될 수 없었습니다. 사실, 무지개 빛깔의 반짝이는 모자이크 그림의 증가된 빛의 광도는 간접적으로 변형되었지만 항상 울려 퍼지는 명료함과 찬란한 색상의 풍부함으로 끌렸던 베니스의 르네상스 그림에 영향을 미쳤습니다. 그러나 모자이크와 관련된 바로 그 문체 체계와 그 기술은 몇 가지 예외를 제외하고는 거대한 기념비적 그림의 영역을 벗어났습니다. 이제 더 사적이고 좁은 목적으로 더 자주 사용되는 모자이크 기술 자체, 더 장식적이고 적용된 자연은 베네치아인들에게 완전히 잊혀지지 않았습니다. 또한 베네치아 모자이크 워크샵은 모자이크 기술, 특히 스몰트의 전통을 우리 시대에 가져온 센터 중 하나였습니다.

스테인드 글라스 그림은 "광도"로 인해 어느 정도 중요성을 유지했지만 베니스나 이탈리아에서 프랑스와 독일의 고딕 문화에서와 같이 전체적으로 동일한 의미를 갖지 못했다는 점을 인정해야 합니다. 중세 스테인드 글라스 그림의 환상적인 빛에 대한 르네상스 플라스틱 재고에 대한 아이디어는 San Giovanni e Paolo 교회의 Mochetto가 "St. George"(16 세기)에 의해 제공되었습니다.

일반적으로 르네상스 예술에서 기념비적 인 회화의 발전은 프레스코 회화의 형태로 진행되거나 템페라의 부분적 발전을 기반으로 이루어졌으며 주로 유화 (벽 패널)의 기념비적이고 장식적인 사용을 기반으로 진행되었습니다. .

프레스코는 마사치오 주기, 라파엘로의 연, 미켈란젤로의 시스티나 예배당 그림과 같은 걸작이 르네상스 초기와 전성기에 창작된 기법입니다. 그러나 베네치아 기후에서는 매우 일찍 불안정성을 발견했으며 16세기에는 널리 보급되지 않았습니다. 따라서 Giorgione이 젊은 Titian의 참여로 실행 한 독일 화합물 "Fondaco dei Tedeschi"(1508)의 프레스코 화는 거의 완전히 파괴되었습니다. 습기로 인해 훼손된 반쯤 바랜 조각 몇 개만이 살아남았고, 그 중 조르조네가 만든 거의 프락시텔레의 매력으로 가득 찬 벌거벗은 여성의 모습이 남아 있습니다. 따라서 벽화의 자리는 정확한 의미의 캔버스 위의 벽 패널에 의해 특정 방을 위해 디자인되고 유화의 기법을 사용하여 수행되었습니다.

그러나 유화는 습한 기후에 적합한 다른 회화 기법으로 프레스코를 대체하는 가장 편리한 방법처럼 보였을 뿐만 아니라 베니스에서 사람의 이미지를 전달하려는 욕망 때문에 베니스에서 특히 광범위하고 풍부한 발전을 받았습니다. 주변의 자연 환경과의 긴밀한 연결, 가시 세계의 색조와 색채 풍부함의 사실적인 구현에 대한 관심은 유화 기법에서 특히 완전성과 유연성으로 드러날 수 있었습니다. 이와 관련하여 뛰어난 색채강도와 명료하게 빛나는 음색에 만족하지만, 더 장식적인 성질을 지닌 이젤 구성의 판자화는 자연히 유채에 자리를 내주어야 하며, 이러한 템페라를 유화로 대체하는 과정은 특히 일관되게 이루어졌다. 베니스. 베네치아 화가들에게 유화의 특히 귀중한 속성은 템페라, 심지어 프레스코보다 더 유연하여 인간 환경의 밝은 색상과 공간적 음영을 전달하는 능력, 부드럽고 경쾌하게 인체의 모양을 조각합니다. 대규모 기념비적 구성 분야에서 상대적으로 거의 작업하지 않은 조르조네에게(그의 그림은 본질적으로 본질적으로 이젤이거나 일반적인 사운드에서 기념비적이지만 내부의 주변 건축 구성의 구조와 연결되지 않았습니다. ), 유화에 내재된 이러한 가능성은 특히 가치가 있었습니다. 그의 드로잉에도 chiaroscuro를 이용한 형태의 부드러운 조형이 내재되어 있는 것이 특징이다.

고귀한 외양의 명백하고 투명한 아름다움 뒤에 숨겨진 사람의 내면의 영적 세계의 신비한 복잡성에 대한 느낌은 유명한 "유디트"(1504년 이전, 에르미타주 레닌그라드)에서 표현됩니다. "Judith"는 공식적으로 성경 주제에 대한 작곡입니다. 게다가 많은 Quattrocentists의 그림과 달리 성경 본문의 삽화가 아니라 주제에 대한 구성입니다. 따라서 마스터는 Quattrocento 마스터가 일반적으로했던 것처럼 사건의 발전의 관점에서 절정의 순간을 묘사하지 않습니다 (Judith는 Holofernes를 칼로 치거나 절단 된 머리를 하녀와 함께 운반합니다).

해가 지기 전의 고요한 풍경을 배경으로, 참나무 캐노피 아래, 난간에 신중하게 기대어 가느다란 Judith가 서 있습니다. 그녀의 부드러운 부드러움은 거대한 나무의 거대한 줄기와 대조를 이룹니다. 부드러운 주홍색 옷에는 회오리바람의 먼 메아리처럼 쉴 새 없이 끊어지는 주름의 리듬이 스며든다. 그녀의 손에는 끝이 땅에 닿아 바닥에 놓여 있는 커다란 양날의 검이 있습니다. 차가운 빛과 직선은 대조적으로 홀로페르네스의 머리를 짓밟는 반쯤 벗은 다리의 유연성을 강조합니다. 눈에 띄지 않는 반쯤 미소가 Judith의 얼굴에 스쳐지나갑니다. 이 구성은 마치 일종의 반주처럼 주변의 평화로운 자연의 부드러운 명료함이 메아리치는 차갑게 아름다운 젊은 여성의 이미지의 모든 매력을 전달하는 것 같습니다. 동시에, 칼날의 차가운 칼날, 예상치 못한 잔인한 동기 - 부드러운 맨발이 홀로페르네스의 죽은 머리를 짓밟음 - 이 겉보기에 조화롭고 거의 목가적인 분위기의 이 그림에 막연한 불안과 불안을 가져옵니다.

물론 전체적으로 몽환적인 분위기의 명확하고 차분한 순수함이 지배적인 동기로 남아 있습니다. 그러나 이미지의 희열과 검과 짓밟힌 머리의 모티프의 신비한 잔혹함, 이 이중적인 무드의 거의 역설적인 복잡성의 비교는 현대 관객을 약간의 혼란에 빠뜨릴 수 있다.

그러나 조르조네의 동시대 사람들은 대조의 잔혹성에 덜 충격을 받은 것 같다(르네상스 인본주의는 결코 지나치게 민감하지 않았다). 꿈꾸는 듯한 아름다운 인간 영혼의 평온한 상태.

문학에서는 때때로 조르조네의 예술의 의미를 당시 베니스의 소수의 인본주의적으로 계몽된 귀족의 이상을 표현한 것으로 축소하려는 시도가 있습니다. 그러나 이것은 전적으로 사실이 아니며, 오히려 그렇지도 않습니다. 조르조네 예술의 객관적인 내용은 그의 작업이 직접적으로 연결되어 있는 그 좁은 사회적 계층의 영적 세계보다 헤아릴 수 없이 더 넓고 더 보편적이다. 인간 영혼의 세련된 고귀함, 환경과 주변 세계와 조화롭게 사는 사람의 아름다운 이미지의 이상적인 완성을위한 노력 또한 문화 발전에 대한 일반적인 진보적 의의가 있습니다.

언급했듯이 인물의 선명도에 대한 관심은 조르조네 작품의 특징이 아닙니다. 그렇다고 해서 그의 등장인물이 고전 고미술의 이미지처럼 구체적인 개별적 독창성이 결여되어 있다는 의미는 아니다. 초기 "동방의 경배"에서 그의 동방 박사와 "세 철학자"(c. 1508, 비엔나, 미술사 박물관)의 철학자들은 나이뿐만 아니라 외모, 성격 면에서도 서로 다릅니다. 그러나 그들, 특히 "세 철학자"는 이미지의 모든 개별적 차이를 가지고 우리에게 주로 독특하고 생생하게 특징 지워진 개인이라기보다는 세 시대(청년)의 이미지로 인식됩니다. , 성숙한 남편과 노인), 그러나 다양한 측면의 구체화로서 인간 정신의 다른 측면. 세 과학자에게서 지혜의 세 가지 측면, 즉 동부 아베로주의(터번을 두른 남자)의 인본주의적 신비주의, 아리스토텔레스주의(노인), 예술가와 동시대의 인본주의( 호기심 어린 시선으로 세상을 바라보는 청년). 조르조는 자신이 만든 이미지에 이러한 의미를 담았을 가능성이 큽니다.

그러나 인간적인 내용, 그림의 세 영웅의 영적 세계의 복잡한 풍부함은 그들에 대한 어떤 일방적 해석보다 더 넓고 풍부합니다.

본질적으로, 신흥 르네상스 예술 시스템의 틀 내에서 이러한 첫 번째 비교는 지오토의 프레스코 "유다의 키스"에서 수행되었습니다. 그러나 그곳에서는 그리스도와 유다의 비교가 그 당시 보편적으로 알려진 종교 전설과 연결되어 매우 명확하게 읽혔으며, 이러한 대립은 선과 악의 화해할 수 없는 깊은 갈등의 성격을 띠고 있습니다. 악의적으로 배신하고 위선적인 유다의 얼굴은 그리스도의 고귀하고 고상하고 엄격한 얼굴에 대적하는 역할을 합니다. 플롯의 명료성으로 인해 이 두 이미지의 충돌은 즉각적으로 의식하는 엄청난 윤리적 내용을 담고 있습니다. 더욱이 이 갈등에서 유다에 대한 그리스도의 도덕적 승리인 도덕적 윤리적(더 정확하게는 도덕적이고 윤리적인 융합) 우월성은 우리에게 부인할 수 없이 분명합니다.

조르조네에서 외적으로는 조용하고 구속이 없고 귀족적인 고귀한 남편의 모습과 그녀와 관련하여 종속적인 위치를 차지하는 다소 사악하고 천박한 인물의 모습을 병치하는 것은 어떤 경우에도 갈등 상황과 관련이 없습니다. 파충류 유다와 그리스도의 입맞춤으로 결합된 조토의 비극적 의미를 그토록 높이 주는 등장인물과 그들의 투쟁의 비타협적 갈등, 조용하고 엄격한 영성이 아름다운 ( 십자가에서 교사의 고통을 예고하는 유다의 포옹이 그리스도의 생애의 일반적인 순환과 방송에 조토가 포함시킨 엘리사벳과 마리아의 만남의 구성 모티브로 다시 메아리치는 것이 신기하다. 다가오는 메시아의 탄생에 대해.).

숨겨진 복잡성과 신비 속에서 투시력과 조화를 이루는 조르조네의 예술은 등장인물들의 공개적인 충돌과 투쟁에 이질적입니다. 그리고 조르조는 자신이 묘사한 모티프에 숨겨진 극적인 갈등 가능성을 포착하지 못한 것도 우연이 아니다.

이것은 조토뿐 아니라 그의 뛰어난 제자 티치아노와도 다른데, 그는 여전히 영웅적이고 쾌활한 창의성이 처음 꽃을 피우던 시기에 조토와는 다른 방식으로 "카이사르의 데나리온"에 사로잡혔습니다. 말하자면, 바리새인의 성격이 지닌 비열하고 잔인한 힘에 대한 그리스도의 육체적 정신적 고귀함과 미학적 대립의 윤리적 의미. 동시에, 티치아노가 잘 알려진 복음 에피소드를 언급하는 것도 매우 유익하며, 음모 자체의 본질에서 강력하게 충돌하고, 물론 이 주제를 합리적이고 조화로운 의지의 절대적인 승리라는 관점에서 해결합니다. 자신의 정반대를 넘어 르네상스와 인본주의적 이상을 구현한 인물이다.

조르조네의 실제 초상화 작품을 살펴보면, 그의 창작의 성숙기의 가장 특징적인 초상화 중 하나가 경이로운 "안토니오 브로카르도의 초상화"(c. 1508 - 1510, 부다페스트, 미술관)라는 점을 인식해야 합니다. 물론 그 안에는 고귀한 청년의 개별적인 초상적 특징이 정확하게 전달되지만, 명료하게 부드러워지고 말하자면 완벽한 사람의 이미지로 짜여져 있다.

청년의 손의 자유로운 움직임, 헐렁한 로브 아래 반쯤 감춰진 몸에서 느껴지는 에너지, 창백하고 거무스름한 얼굴의 고상한 아름다움, 강하고 가느다란 목에 머리를 기대고 있는 절제된 자연스러움, 탄력적으로 정의된 입의 윤곽의 아름다움, 보는 이의 시선에서 먼 곳과 옆을 바라보는 사람의 사려깊은 몽환 - 이 모든 것이 맑고 차분하고 깊은 생각. 잔잔한 만의 부드러운 곡선, 엄숙하게 고요한 건물이 있는 고요한 산악 해안은 풍경 배경을 형성합니다( 그림의 어두운 배경으로 인해 복제품의 풍경은 구별할 수 없습니다.), 조르조네와 마찬가지로 만장일치로 주인공의 리듬과 분위기를 반복하는 것이 아니라, 말하자면 이 분위기와 간접적으로 일치합니다.

잘려진 얼굴과 손 조각의 부드러움은 다소 레오나르도의 스푸마토를 연상시킨다. Leonardo와 Giorgione는 인체 형태의 소성적으로 투명한 건축학을 부드러운 모델링과 결합하는 문제를 동시에 해결하여 플라스틱 및 chiaroscuro 색조의 모든 풍부함을 전달할 수 있습니다. 말하자면 바로 "숨결" 인체의. Leonardo가 오히려 빛과 어둠의 그라데이션, 형태의 가장 미세한 음영이라면 Giorgione sfumato와 함께 특별한 성격이 있습니다. 말하자면 부드러운 빛의 넓은 흐름으로 인체의 볼륨을 모델링하는 것입니다. .

조르조네의 초상화는 르네상스 전성기의 베네치아 초상화의 놀라운 발전을 시작합니다. 조르조네 초상화의 특징은 조르조네와 달리 묘사된 인간 캐릭터의 개별적 고유성에 대한 훨씬 더 날카롭고 강한 감각, 세계에 대한 보다 역동적인 인식을 가진 Titian에 의해 더욱 발전될 것입니다.

Giorgione의 작업은 "Sleeping Venus"(c. 1508-1510, Dresden, Art Gallery)와 루브르 박물관 "콘서트"(1508)의 두 작품으로 끝납니다. 이 그림들은 미완성으로 남아 있었고, 그 풍경 배경은 조르조네의 어린 친구이자 제자인 위대한 티치아노에 의해 완성되었습니다. 또한 "Sleeping Venus"는 많은 손상과 실패한 복원으로 인해 화질이 일부 상실되었습니다. 그러나 이 작품에서 인간의 육체적, 정신적 아름다움의 통일성의 이상은 위대한 인본주의적 충만함과 거의 고대의 명료함으로 드러났습니다.

조르조네는 고요한 잠에 빠져 벌거벗은 금성을 시골 풍경을 배경으로 묘사하고, 언덕의 잔잔하고 부드러운 리듬이 그녀의 이미지와 너무 조화를 이룹니다. 흐린 날의 분위기는 모든 윤곽을 부드럽게 만드는 동시에 형태의 조형적 표현력을 보존합니다. 여기서도 인물과 배경의 구체적인 상관관계가 드러나면서 일종의 주인공의 정신적 상태에 대한 반주로 이해되는 것이 특징이다. 초원과 목초지의 넓은 리듬과 풍경과 결합된 긴장된 고요한 언덕의 리듬이 신체 윤곽의 부드럽고 길쭉한 부드러움과 독특한 조화를 이루는 대조를 이루는 것은 우연이 아닙니다. 벌거벗은 비너스가 기대어 있는 천의 불안하고 부드러운 주름과 대조를 이룹니다. 풍경은 조르조네 자신이 아니라 티치아노에 의해 완성되었지만, 그림 전체의 조형적 구조의 통일성은 이 풍경이 비너스의 이미지와 단지 조화를 이루고 있는 것이 아니라 그러나 그 선이 음악에서 발견되는 복잡한 관계에 있습니다. Giorgione은 "인간 - 자연"관계의 영역으로 고전 시대의 그리스인이 조각상 이미지에 사용한 결정 원칙을 전달하여 신체의 생명과 그 위에 던져진 가벼운 옷의 커튼 사이의 관계를 보여줍니다. 그곳에서 커튼의 리듬은 말하자면 메아리, 즉 인체의 생명과 움직임의 메아리였으며, 동시에 그 움직임에서 탄력 있고 살아있는 본성과는 다른 불활성 존재의 다른 본성에 복종했습니다. 날씬한 인간의 몸. 따라서 기원전 5-4세기의 동상 휘장 게임에서. 이자형. 대조적으로 신체 자체의 명확하고 탄력적으로 "둥근" 가소성을 음영 처리하는 리듬이 드러났습니다.

높은 르네상스의 다른 창조물과 마찬가지로 George 's Venus는 완벽한 아름다움으로 닫혀 있고 말하자면 "소외"되었으며 동시에 시청자와 그녀를 둘러싼 자연의 음악, 자음과 "상호 관련"되었습니다. 그녀의 아름다움과 함께. 그녀가 고요한 잠에 대한 명확한 꿈에 잠겨있는 것은 우연이 아닙니다. 머리 위로 던져 오른손몸을 감싸는 하나의 리드미컬한 곡선을 만들고 모든 형태를 하나의 부드러운 윤곽으로 닫습니다.

잔잔한 이마, 차분한 아치형 눈썹, 부드럽게 내려간 눈꺼풀, 엄숙한 입술은 말로 표현할 수 없는 투명하고 순수한 이미지를 연출한다.

온전한 육체에 맑고 탁하지 않은 정신이 거할 때만 얻을 수 있는 수정 같은 투명함으로 모든 것이 가득 차 있습니다.

'콘서트'는 고요한 엄숙한 풍경을 배경으로 멋진 옷을 입은 두 청년과 두 명의 벌거벗은 여성이 한없이 자유로운 그룹을 이루는 모습을 그린다. 둥근 나무의 면류관, 촉촉한 구름의 잔잔하게 느린 움직임은 자유롭고 넓은 리듬의 옷과 젊은 남성의 움직임, 벌거벗은 여성의 호화로운 아름다움과 놀라운 조화를 이룹니다. 시간이 지남에 따라 어두워지는 옻칠은 그림에 따뜻하고 거의 뜨거운 황금색을 부여했습니다. 사실 그녀의 그림은 원래 전체적으로 균형 잡힌 톤이 특징이었습니다. 절제된 차가운 톤과 적당히 따뜻한 톤의 정확하고 미묘한 하모니 병치를 통해 달성되었습니다. 정밀하게 포착된 대조를 통해 획득된 이 미묘하고 복합적인 전체 톤의 부드러운 중립성은 색조의 세련된 차별화와 색채 전체의 차분한 선명도 사이에서 조르조네의 단일성을 생성했을 뿐만 아니라 유쾌하게 관능적이었던 다소 부드러워졌습니다. 그림에 구현된 장엄한 아름다움과 삶의 향유에 대한 찬가 . .

조르조네의 다른 작품들에 비해 '콘서트'는 티치아노의 모습을 많이 준비한 것 같다. 동시에 조르조네의 이 후기 작품의 의미는 말하자면 준비적 역할에 있을 뿐만 아니라, 그의 창작물이 지닌 독특한 매력을 다시 한 번 드러낸다는 데 있다. 인격. 티치아노에 있는 감각적인 기쁨은 인간의 행복, 즉 인간의 행복에 대한 밝고 경쾌한 신나는 찬가처럼 들립니다. 조르조네에서 동기의 관능적 기쁨은 삶에 대한 전체론적 관점의 명확하고 계몽적으로 균형 잡힌 조화에 종속된 꿈꾸는 명상에 의해 부드러워집니다.

베니스는 이탈리아 르네상스의 중심지이자 회화 학교의 독창성입니다. 창의력 D.Bellini. 베니스의 높은 르네상스 . 16세기 베니스 회화파의 개화. 베네치아 르네상스의 특징, 16세기 르네상스 전통의 보존 기간. 조르조네와 베니스의 전성기 르네상스 형성에 대한 그의 역할.

티치아노의 작품. 베네치아 르네상스의 마지막 단계; P. Veronese와 J. Tintoretto의 창의성. 2시간

베니스의 부흥. 피렌체-로마와 함께 베네치아 르네상스는 이탈리아 르네상스의 가장 중요한 중심지 중 하나였습니다. 베니스의 르네상스 발전에는 고유 한 특성이 있음을 이해하는 것이 중요합니다. 본질적으로 여기에는 초기 르네상스 단계가 없었으며 초기 르네상스의 시작은 15 세기 후반에 떨어졌으며 예술의 르네상스 전통은 거의 16 세기 말까지 생존하여 독특한 단계를 형성했습니다. 후기 르네상스 /16세기 후반./. 베네치아파의 특징은 회화의 주도적 역할, 관심 증가색상의 문제, 자연의 표시.

베니스 초기 르네상스의 거장 중 한 사람은 조반니 벨리니(Giovanni Bellini)였습니다. 높은 르네상스 단계의 형성은 베네치아 높은 르네상스의 가장 큰 대표자인 그의 제자인 조르조네와 티치아노의 작업과 관련이 있습니다. Titian 작업의 주요 단계, 그의 채색의 진화를 연구하는 것이 필요합니다. 이탈리아의 사회와 문화에서 비극적 모순의 성장을 반영한 P. Veronese와 J. Tintoretto의 작품, Titian의 후기 작품과 함께 발표된 베니스의 후기 르네상스 예술에 대해 알아야 합니다.

후반부의 미켈란젤로의 작품이 이미 새로운 시대의 특징을 지니고 있다면 베니스의 경우 16 세기 전체가 여전히 Cinquecento의 표시 아래에 전달됩니다. 독립을 유지해 온 베네치아는 오랫동안 르네상스의 전통을 충실히 지켜왔다.

Gianbellino의 워크샵에서 High Venetian 르네상스의 두 명의 위대한 예술가인 Giorgione과 Titian이 나왔습니다.

조르지오 바르바렐리 다 카스텔프랑코, 별명 조르조네(1477-1510) - 르네상스 시대의 전형적인 예술가. 그는 베네치아 땅에서 문학적 주제와 신화적 주제를 다룬 최초의 사람이었습니다. 풍경, 자연, 아름다운 벌거벗은 인간의 몸은 그에게 예술의 대상이자 숭배의 대상이 되었다. 조화의 감각, 완벽한 비율, 선형적인 리듬, 부드러운 라이트 페인팅, 그의 이미지의 영성과 심리적 표현력, 그리고 동시에 조르조네의 논리, 합리주의는 그에게 직접적인 영향을 미친 레오나르도에 가깝다. 1500년 밀라노에서 베니스로 여행을 갔을 ​​때. 그러나 조르조네는 위대한 밀라노의 거장보다 더 감성적이며, 전형적인 베니스 예술가와 마찬가지로 선형적 관점보다는 통풍이 잘되고 주로 색상 문제에 관심이 있습니다.

이미 처음에 유명한 작품"Castelfranco의 Madonna"(1505년경) Giorgione은 완전히 확립된 예술가로 나타납니다. 마돈나의 이미지는 시, 사려 깊은 꿈, 조르조네의 모든 여성 이미지의 특징인 슬픔의 분위기로 가득 차 있습니다. 그의 생애의 마지막 5년 동안(조르조는 특히 베니스를 자주 방문했던 전염병으로 사망) 최고의 작품, 모자이크가 중세 예술 시스템 전체와 함께 과거의 것이 되었고 프레스코가 습한 베네치아 기후에서 불안정한 것으로 판명 된 시기에 베네치아 학교의 주요 기법으로 오일 기법으로 실행되었습니다. 1506년 "뇌우"의 그림에서 조르조네는 인간을 자연의 일부로 묘사합니다. 아이에게 먹이를 주는 여자와 지팡이를 든 청년(미늘창을 든 전사로 오인될 수 있음)은 어떤 행동으로도 하나가 되지 않고, 이 장엄한 풍경 속에서 공통의 분위기, 공통의 마음의 상태로 하나가 된다. Giorgione은 가장 훌륭하고 매우 풍부한 팔레트를 소유하고 있습니다. 젊은 남자의 주황색-빨간색 옷의 음소거된 색조, 여자의 흰색 망토를 메아리치는 그의 녹색-흰색 셔츠는 말하자면 폭풍 전 조명의 특징인 반황혼의 공기에 싸여 있습니다. 녹색에는 많은 음영이 있습니다. 나무의 올리브, 물 깊숙한 곳의 거의 검은 색, 구름의 납. 그리고 이 모든 것이 하나의 밝은 톤으로 결합되어, 임박한 뇌우를 예상하는 사람의 상태와 같은 불안정, 불안, 불안, 기쁨의 인상을 전달합니다.

사람의 복잡한 영적 세계 앞에서 같은 놀라움을 느끼는 것은 용감한 위엄과 미묘한 시라는 양립할 수 없는 것처럼 보이는 특징을 결합한 Judith의 이미지에서도 나타납니다. 그림은 단일 황금색으로 노란색과 빨간색 황토색으로 작성되었습니다. 얼굴과 손의 부드러운 흑백 조형은 다소 레너드의 스푸마토를 연상시킨다. 일종의 난간에 서 있는 Judith의 포즈는 절대적으로 고요하고 그녀의 얼굴은 고요하고 사려깊습니다. 아름다운 자연을 배경으로 한 아름다운 여성입니다. 그러나 그녀의 손에는 양날의 검이 차갑게 빛나고 그녀의 부드러운 발은 홀로페르네스의 죽은 머리 위에 놓여 있습니다. 이 대조는 혼란감을 불러일으키고 목가적인 그림의 완전성을 깨뜨립니다.

영성과 시는 "잠자는 비너스"(1508-1510년경)의 이미지에 스며들어 있습니다. 그녀의 몸은 쉽고, 자유롭고, 우아하게 쓰여져 있으며, 연구자들이 조르조네 리듬의 "음악성"에 대해 이야기하는 것은 헛된 것이 아닙니다. 관능적인 매력이 없는 것은 아니다. 그러나 눈을 감고 있는 얼굴은 순결하고 그에 비하면 티치아노의 비너스는 ​​진정한 이교도 여신처럼 보인다. Giorgione은 "Sleeping Venus" 작업을 완료할 시간이 없었습니다. 동시대 사람들에 따르면 그림의 풍경 배경은 Titian과 마스터의 또 다른 후기 작품인 "Country Concert"(1508-1510)에서 그렸습니다. 멋진 옷을 입은 두 신사와 두 명의 벌거벗은 여성이 한 명은 우물에서 물을 길어오고 다른 한 명은 피리를 연주하는 이 그림은 조르조네의 가장 명랑하고 전혈적인 작품이다. 그러나 존재의 기쁨에 대한 이 살아 있고 자연스러운 느낌은 어떤 특정한 행동과 관련이 없습니다.

티치아노에게 영광이 일찍 옵니다. 이미 1516 년에 그는 베니스의 가장 유명한 예술가 인 20 대부터 공화국의 첫 번째 화가가되었으며 성공은 그의 날이 끝날 때까지 그를 떠나지 않습니다. 1520년경에 페라라 공작은 그에게 티치아노가 정신을 느끼고 가장 중요하게는 구현할 수 있는 고대 가수로 등장하는 일련의 그림을 의뢰했습니다.

이 시대의 베니스는 선진 문화와 과학의 중심지 중 하나입니다. 티치아노는 예술적 사색과 몽환적인 분위기의 중심 인물이 된다. 이러한 특징의 조합이 조르조의 특징이라 할 수 있는 것이 바로 '컨트리 콘서트'다. 조르조네의 관능적 기쁨은 항상 시적이고 영적인 것입니다.

티치아노 베첼리(1477?-1576)- 가장 위대한 예술가베네치아 르네상스. 그는 신화와 기독교 주제 모두에 대한 작품을 창작했으며 초상화 장르에서 작업했으며 그의 색채 재능은 탁월하고 작곡의 창의성은 무궁무진하며 행복한 장수를 통해 후손에게 큰 영향을 미친 풍부한 창조적 유산을 남길 수 있었습니다. 티치아노는 알프스 기슭의 작은 마을 카도레(Cadore)에서 태어난 군인 가족으로 조르조네처럼 지안벨리노에게 사사했으며 첫 작품(1508)은 조르조네와 베니스의 독일 복합 헛간을 공동으로 그린 ​​그림이었다. 1511년 조르조네가 사망한 후 티치아노는 파도바에서 스쿠올로 자선단체의 여러 방을 그렸는데, 의심할 여지 없이 그곳에는 한때 파도바에서 일했던 조토와 마사초의 영향이 느껴집니다. 파도바에서의 생활은 물론 예술가에게 Mantegna와 Donatello의 작품을 소개했습니다.

티치아노에게 영광이 일찍 옵니다. 이미 1516 년에 그는 베니스의 가장 유명한 예술가 인 20 대부터 공화국의 첫 번째 화가가되었으며 성공은 그의 날이 끝날 때까지 그를 떠나지 않습니다. 1520년경 페라라 공작은 티치아노가 이교의 정신(Bacchanal, Feast of Venus, Bacchus and Ariadne)을 느끼고 구현하는 고대 가수로 등장하는 일련의 그림을 그에게 의뢰했습니다.

이 시대의 베니스는 선진 문화와 거미의 중심지 중 하나입니다. 티치아노는 건축가 야코포 산소비노(Jacopo Sansovino), 저널리스트 피에트로 아레티노(Pietro Aretino)와 함께 베니스의 예술적 삶의 중심 인물이 되어 공화국의 전체 지적 생활을 이끄는 일종의 삼두정치를 형성한다. 부유한 베네치아 귀족들은 티치아노에게 제단 이미지를 주문하고 그는 거대한 아이콘을 만듭니다. 마리아의 승천, 마돈나 페사로(전경에 묘사된 고객의 이름을 따서 명명됨) 등 - 동시에 재생되는 종교적 음모에 대한 특정 유형의 기념비적 구성 제단 이미지뿐만 아니라 장식 패널의 역할. 페자로의 <마돈나>에서 티치아노는 피렌체나 로마 학파가 몰랐던 탈중앙화 구성의 원리를 발전시켰다. 그는 마돈나의 형상을 오른쪽으로 이동하여 두 개의 중심을 대조했습니다. 즉, 마돈나의 형상으로 의인화된 의미론적 중심과 프레임 너머로 멀리 왼쪽에 배치된 소실점에 의해 결정된 공간적 중심입니다. , 작품의 감정적 강렬함을 만들어 냈습니다. 울려퍼지는 그림 같은 갈도트(Mary의 흰색 베일, 녹색 카펫, 다가오는 파란색, 갈색, 황금색 옷은 모순되지 않지만 모델의 밝은 캐릭터와 조화롭게 일치하여 작동합니다. Carpaccio의 "똑똑한" 그림에서 제기, Gianbellino의 절묘한 채색에서 Titian은 베네치아 거리, 건축물의 화려함, 축제를 즐기는 호기심 많은 군중을 보여줄 수 있는 이 시기의 플롯을 좋아합니다. 이것이 그의 가장 큰 작곡 중 하나인 "The Introduction of Mary into the Temple"입니다. (1538년경) - 그룹 장면을 묘사하는 예술의 다음 단계로, Titian은 생명의 자연스러움과 Titian을 능숙하게 결합하여 특히 1545년 로마를 여행한 후 신화적 주제에 대해 많은 글을 씁니다. 가장 완벽한 고대의 정신. : 나머지는 모두 - 약 1554), 신화의 음모를 엄격히 따르고 제우스의 도착을 기다리며 시들어가는 공주를 묘사합니다. 탐욕스럽게 황금비를 맞고 있는 초원. 다나에(Danae)는 베네치아 주인이 따르는 고대 미의 이상에 따라 완벽하게 아름답다. 이 모든 변형에서 이미지에 대한 티치의 해석은 육욕적이고 세속적인 시작, 존재의 단순한 기쁨의 표현을 전달합니다. 많은 연구자들이 Urbino의 Duchess Eleanor의 초상화를 보고 있는 그의 "Venus"(1538년경)는 George의 것과 구성이 비슷합니다. 하지만 풍경을 배경으로 하지 않고 실내에 국내 장면을 도입한 모델의 세심한 시선, 크게 뜬 눈, 다리에 껴안은 강아지 등은 올림푸스가 아닌 지상에서의 실제 삶의 느낌을 전달하는 디테일이다.

평생 동안 Titian은 초상화에 종사했습니다. 그의 모델(특히 창의성 초기 및 중기의 초상화에서), 외모의 고상함, 자세의 위엄, 동등하게 고귀한 색 구성표에 의해 생성된 자세와 제스처의 억제, 엄격하고 엄격하게 선택된 세부 사항(초상화 장갑을 낀 젊은 남자의 초상화, Ippolito Riminaldi, Lavinia의 딸 Pietro Aretino의 초상화).

Titian의 초상화가 항상 인물의 복잡성과 내부 상태의 강도로 구별된다면 창조적 성숙기에 그는 특히 극적인 이미지, 모순적인 인물, 대립과 충돌로 제시되는 진정한 셰익스피어의 힘으로 묘사됩니다. 조카 오타비오와 알렉산드로 파르네세와 함께 있는 교황 바오로 3세의 단체 초상화, 1545-1546). 이러한 복잡한 집단 초상화는 티치아노의 '물요르그 전투의 샤를 5세'와 같은 기마 의례용 초상화가 반 다이크의 초상화의 전통적인 대표 구성의 기초가 된 것처럼 17세기 바로크에서만 개발되었습니다.

티치아노의 생애가 끝나갈 무렵, 그의 작업은 큰 변화를 겪습니다. 그는 여전히 고대 주제("Venus and Adonis", "The Shepherd and Nymph", "Diana and Actaeon", "Jupiter and Antiope")에 대해 많은 글을 씁니다. 이교도의 쾌활함, 고대 조화가 비극적 인 세계관으로 대체 된 순교 ( "그리스도의 깃발", "회개 한 막달라 마리아", "성 세바스찬", "애가", "카이사르의 데나리우스").

쓰기 기술도 변화하고 있습니다. 황금빛 빛의 채색과 가벼운 유약이 강력하고 폭풍우가 치는 풀칠한 그림으로 바뀌었습니다. 객관적인 세계의 질감 전달, 그 중요성은 제한된 팔레트의 넓은 스트로크에 의해 달성됩니다.

"성. Sebastian"은 사실 황토와 그을음으로만 쓰여졌습니다. 붓놀림은 재료의 질감을 전달할 뿐만 아니라 움직임에 따라 형태 자체가 성형되고 묘사된 것의 가소성이 생성됩니다.

측량할 수 없는 슬픔의 깊이와 인간의 장엄한 아름다움은 그의 제자가 사후에 완성한 티치아노의 마지막 작품인 애가에서 전해진다. 그녀의 아들을 무릎에 안고 있는 마돈나는 슬픔에 얼어붙었고, 막달레나는 절망에 손을 내밀었고, 노인은 깊은 슬픔에 잠긴 채 남아 있습니다. 깜박이는 푸르스름한 회색 빛은 영웅의 옷, 막달라 마리아의 황금빛 머리카락, 벽감에 있는 거의 조각적으로 모델링된 동상의 대조되는 색상 반점을 결합하고 동시에 퇴색, 지나가는 하루, 시작의 시작이라는 인상을 만듭니다. 황혼, 비극적 인 분위기를 향상시킵니다.

티치아노는 거의 한 세기를 살았던 고령으로 세상을 떠났고, 그의 제단으로 장식된 베네치아 교회 데이 프라리에 묻혔습니다. 그에게는 많은 학생이 있었지만 그 누구도 선생님과 동등하지 않았습니다. 티치아노의 엄청난 영향력은 다음 세기의 그림에 영향을 미쳤으며, 루벤스와 벨라스케스가 이를 상당 부분 경험했습니다.

16세기 내내 베니스는 국가의 독립과 자유의 마지막 거점으로 남아 있었고, 이미 언급했듯이 가장 오랫동안 르네상스 전통에 충실했습니다. 그러나 세기말에 임박한 예술의 새로운 시대, 새로운 예술적 방향의 특징은 이미 여기에서 아주 분명합니다. 이것은 금세기 후반의 두 주요 예술가인 Paolo Veronese와 Tintoretto의 작품에서 볼 수 있습니다.

별명 파올로 칼리아리 베로나(그는 베로나 출신, 1528-1588) 16세기의 축제적이고 환희에 찬 베니스의 마지막 가수가 될 운명이었습니다. 그는 베로나 궁전을 위한 그림과 베로나 교회의 이미지를 만드는 것으로 시작했지만 1553년 베니스의 총독 궁전 벽화 작업을 시작하면서 명성을 얻었습니다. 이제부터 베로네세의 삶은 영원히 베니스("베니스의 승리")와 연결됩니다. 그는 그림을 그리지만, 더 자주 그는 베네치아 귀족들을 위해 캔버스에 대형 유화를, 베네치아 교회를 위한 제단화를 자체 주문이나 공화국의 공식 명령("동방의 경배")에 따라 그립니다. 그는 St. Petersburg의 도서관을 장식하기 위해 경쟁에서 우승했습니다. 표시. 그에게 평생 영광이 함께합니다. 그러나 Veronese가 무엇을 썼는지에 관계없이 San Giorgio Maggiore 수도원 식당의 "갈릴리 가나에서의 결혼"(1562-1563, 크기 6.6 x 9.9m, 138개의 인물 묘사); 우화적, 신화적, 세속적 주제에 관한 그림; 초상화든, 풍속화든, 풍경이든; "시몬 바리새인의 잔치"(1570) 또는 "레빈의 집에서의 잔치"(1573)는 나중에 종교 재판의 요구에 따라 다시 작성되었으며, 모두 베네치아 군중이 옷을 입고 축제를 벌이던 베네치아의 거대한 장식 그림입니다. 마치 예술가를 위한 세계가 끊임없는 찬란한 사치, 하나의 끝없는 연극 행위인 것처럼 널리 그려진 베네치아 건축 풍경의 배경을 배경으로 우아한 의상이 묘사됩니다. 이 모든 것 뒤에는 자연에 대한 놀라운 지식이 있으며, 모든 것이 화려한 옷의 모든 밝기와 잡색과 함께 절묘한 단일(은-진주 및 파란색) 색상으로 실행되며, 예술가의 재능과 기질에 의해 영감을 받았습니다. 연극적 행위는 실제와 같은 설득력을 얻는다. Veronese에는 건강한 삶의 기쁨이 있습니다. 그의 강력한 건축적 배경은 조화에 있어서 라파엘로에 뒤지지 않지만, 그의 작품 말미에 나타나는 복잡한 움직임, 예상치 못한 인물의 각도, 증가된 역동성과 구성의 혼잡함("그리스도의 애가"), 이미지의 환상주의는 다른 가능성과 다른 표현력의 예술의 도래를 말합니다.

비극적 인 태도는 다른 예술가 인 Jacopo Robusti의 작품에서 나타났습니다. 틴토레토(1518-1594) ( "tintoretto"- 염색사: 예술가의 아버지는 실크 염색공이었습니다). Tintoretto는 아주 짧은 시간 동안 Titian의 작업실에 머물렀지만 동시대 사람들에 따르면 그의 작업실 문에는 "Michelangelo의 그림, Titian의 색칠"이라는 모토가 걸려 있었습니다. 그러나 Tintoretto는 Titian 및 Veronese와 달리 그의 인식이 결코 완전하지는 않았지만 그의 교사보다 더 나은 색채 화가였을 것입니다. 신비한 기적을 주제로 쓰여진 틴토레토의 수많은 작품들은 불안과 불안, 혼란으로 가득 차 있다. 이미 그에게 명성을 안겨준 첫 번째 그림인 성 마르코의 기적(1548)에서 그는 성인의 모습을 그토록 복잡한 관점에서 제시하고, 그러한 병적인 상태와 폭풍우가 몰아치는 상태에 있는 모든 사람들을 묘사합니다. 고전 시대의 르네상스 예술에서는 불가능했습니다. Veronese와 마찬가지로 Tintoretto는 Doge's Palace, Venetian 교회를 위해 많은 글을 씁니다. 그의 가장 큰 두 사이클은 Scuolo di San Rocco와 Scuolo di San Marco에서 공연됩니다.

Tintoretto의 비유적 인 원칙은 동시대 사람들을 놀라게 한 모순에 기반을두고 있습니다. 그의 이미지는 분명히 민주적이며 행동은 가장 단순한 환경에서 이루어 지지만 줄거리는 신비롭고 고귀한 감정으로 가득 차 있습니다. 매너리즘적 세련미로 구현된 마스터의 황홀한 판타지. 그는 또한 서정적인 느낌으로 부채질된 미묘하게 낭만적인 이미지를 가지고 있지만("Arsinoe의 구원", 1555) 여기에서도 불안의 분위기는 흔들리는 불안정한 빛, 차가운 녹색 회색 색상의 섬광으로 전달됩니다. 특이한 것은 그의 작곡 "성전 소개"(1555)이며, 이는 모든 허용되는 고전 건축 규범을 위반합니다. 어린 마리아의 연약한 모습은 가파르게 올라가는 계단의 계단에 놓여 있으며 그 꼭대기에서 대제사장이 그녀를 기다리고 있습니다. 공간의 광활함, 빠른 움직임, 단 하나의 느낌의 힘은 묘사된 것에 특별한 의미를 부여합니다. 끔찍한 요소, 번쩍이는 번개는 일반적으로 틴토레토의 그림에서 행동을 수반하여 118번째 사건("산 마르코의 시체 납치")의 드라마를 강화합니다.

60년대부터 틴토레토의 작곡은 더욱 단순해졌습니다. 그는 더 이상 색 반점의 대비를 사용하지 않지만 컬러 솔루션깜박임 또는 페이딩과 같은 비정상적으로 다양한 뇌졸중 전환에 대해 드라마와 사건의 심리적 깊이를 향상시킵니다. 그래서 그는 성 베드로의 형제애를 위한 최후의 만찬을 썼습니다. 마크(1562-1566).

1565년부터 1587년까지 Tintoretto는 Scuolo di San Rocco의 장식 작업을 했습니다. 방의 2개 층을 차지하는 이 그림의 거대한 순환(수십 장의 캔버스와 여러 개의 판자)은 날카로운 감정, 깊은 인간의 감정, 때로는 부식적인 외로움의 느낌, 무한한 공간에 대한 사람의 몰입, 자연의 위대함 앞에서 인간의 무의미함. 이러한 모든 감정은 르네상스 시대의 인본주의적 예술과는 완전히 이질적인 것이었다. 최후의 만찬의 마지막 버전 중 하나에서 틴토레토는 이미 거의 확립된 바로크 표현 수단 체계를 제시합니다. 비스듬히 설정된 테이블, 접시에서 굴절되는 깜박이는 빛과 어둠 속에서 인물을 잡는 것, 날카로운 chiaroscuro, 복잡한 단축법으로 제시된 복수의 인물 - 이 모든 것이 일종의 진동 환경의 인상, 극도의 긴장감을 만듭니다. 같은 Scuolo di San Rocco("이집트로의 비행")에 대한 그의 후기 풍경에서 뭔가 유령적이고 초현실적인 것이 느껴집니다. 창의성의 마지막 기간에 Tintoretto는 Doge's Palace(구성 "Paradise", 1588년 이후)에서 일합니다.

틴토레토는 초상화를 많이 그렸습니다. 그는 웅장하고 자랑스러운 베네치아 개로 폐쇄된 베네치아 귀족을 묘사했습니다. 그의 그림 스타일은 모델에 대한 해석과 마찬가지로 고상하고 절제되며 장엄합니다. 무거운 생각, 고통스러운 불안, 정신적 혼란으로 가득 찬 주인은 자화상으로 자신을 묘사합니다. 그러나 이것은 도덕적 고통이 힘과 위대함을 준 특성입니다.

베니스는 세계에서 가장 놀라운 도시 중 하나입니다. 물 위의 도시입니다. 끝없는 바다, 끝없는 하늘, 그리고 작은 평평한 섬들 - 이것은 운명이 베니스에 내린 최소한의 자연 현상입니다. 그리고 인구는 매우 많고 땅은 매우 작기 때문에 무엇인가 지을 수 있는 모든 나무가 자라도록 허용된 모든 나무가 사치품이 되었습니다.

베니스는 수세기 동안 엄청나게 부유한 도시로 살았고 그 주민들은 풍부한 금, 은, 보석, 직물 및 기타 보물에 놀라지 않을 수 없었지만 궁전의 정원은 항상 그들에게 최고의 한계로 인식되었습니다. 도시에 녹지가 거의 없었기 때문에 부, 사람들은 생활 공간을 위해 투쟁을 포기해야 했습니다. 아마도 그것이 베네치아 사람들이 아름다움에 매우 민감하게 된 이유일 것입니다. 모든 예술적 스타일이 장식 가능성의 최대에 도달한 것도 그들과 함께였습니다. 예술에 구현된 아름다움에 대한 사랑은 베니스를 진정한 "아드리아 해의 진주"로 만들었습니다.

베니스는 국제 정치에서 적극적인 역할을 했습니다. 1167년에는 북부 이탈리아 도시들이 프리드리히 1세 바르바로사(Frederick I Barbarossa) 황제에 맞서 싸우기 위해 창설한 롬바르디아 동맹(Lombard League)의 일부가 되었습니다. 교황 알렉산드르 3세는 다른 교황인 파스칼 3세와 반대한 황제의 적이기도 했다.

중부 및 남부 이탈리아에서는 16세기 초반 30년 동안 전성기 르네상스의 짧은 "황금기"가 완성되었고, 그 후 몇 년 동안 미켈란젤로의 작품인 퇴폐적인 매너리즘 방향이 발전하면서 최고의 절정을 이루었습니다. 이탈리아 북부, 베니스에서는 르네상스 시대와 후기 르네상스 시대의 인본주의적 예술에 완전한 결실을 맺었습니다.

투르크의 맹공격으로 콘스탄티노플이 함락되면서 "아드리아 해의 여왕"의 무역 포지션이 크게 흔들렸습니다. 그러나 베네치아 상인들이 축적한 막대한 돈으로 베네치아는 16세기의 상당 기간 동안 독립과 르네상스 생활 방식을 유지할 수 있었습니다.

베니스의 르네상스는 이탈리아 르네상스의 흥미롭고 독특한 순간입니다. 여기서 그것은 조금 늦게 시작되었고 더 오래 지속되었습니다. 베니스에서 고대 전통의 역할은 가장 작았고 유럽 회화의 후속 발전과의 연결이 가장 직접적이었습니다.

베니스는 발굴과 그것이 "부흥하고 있는" 문화에 대한 연구에 관심이 없었습니다. 르네상스에는 다른 출처가 있었습니다. 비잔티움 문화는 베니스 문화 발전에 특히 밝은 영향을 미쳤지만 비잔티움 고유의 엄격함은 뿌리를 내리지 못했습니다. 베니스는 다채로움과 황금빛 광채를 더 많이 흡수했습니다. 베니스는 고딕 양식과 동양 전통을 모두 재창조했습니다. 이 도시는 모든 곳에서 그림을 그리며 다채롭고 낭만적인 그림을 그리는 고유한 스타일을 개발했습니다. 그러나 환상적인 꽃향기에 대한 취향은 베네치아 상인들의 특징인 비즈니스와 같은 금주 정신, 진정한 삶에 대한 전망에 의해 절제되고 간소화되었습니다.

베니스가 흡수한 모든 것, 서양과 동양의 실에서 그녀는 자신의 르네상스, 그녀의 순전히 세속적인 원시 부르주아 문화를 엮어냈고, 이는 최종 분석에서 이탈리아 인본주의자들의 연구에 가깝습니다. 이것은 15 세기 후반보다 빠르지 않은 시점에 일어났습니다. 그제서야 단기 베네치아 "quattrocento"가 와서 곧 높은 르네상스 문화에 자리를 잡았습니다. 티치아노, 베로네제, 틴토레토의 명화보다 초기 베네치아 르네상스의 작품처럼 베네치아 회화를 접한 사람들이 많다. Quattrocentists의 작품은 더 억제되고 미묘하며, 그들의 순진함이 매료되고 더 많은 음악성을 가지고 있습니다. 초기 르네상스에서 High-Giovanni Bellini로 전환 한 예술가는 시간이 지남에 따라 점점 더 많은 관심을 끌었지만, 오랫동안 그는 그의 장엄한 관능적 인 광채로 젊은 동시대 사람들에 의해 가려졌습니다.

Giorgione - 베니스의 르네상스 시대의 첫 번째 주인으로 여겨지는 예술가 Giovanni Bellini의 학생은 몽상가에 속했습니다. Giorgione의 스타일은 Raphael 및 Leonardo da Vinci와 공통점이 있습니다. Giorgione은 "고전적"이고 명확하고 구성에서 균형이 잡혀 있으며 그의 그림은 드문 부드러움이 특징입니다. 그러나 Giorgione은 더 서정적이고 친밀하며 항상 베네치아 학교의 특징이었고 그에 의해 새로운 차원인 색채주의로 끌어올린 자질을 가지고 있습니다. 색상의 관능적 아름다움에 대한 베네치아인들의 사랑은 이미지의 물질성이 키아로스쿠로가 아니라 색상의 그라데이션에 의해 달성될 때 단계적으로 새로운 회화 원칙으로 이어졌습니다. 부분적으로는 Giorgione이 이미 가지고 있습니다.

조르조네의 예술은 베니스에서 르네상스 시대의 무대를 열었습니다. 레오나르도 미술의 명료한 합리성에 비해 조르조네의 그림은 깊은 서정성과 사색이 스며들어 있다. 그의 작업에서 두드러진 위치를 차지하는 풍경은 시의 폭로와 그의 완벽한 이미지의 조화에 기여한다. 인간과 자연의 조화로운 관계는 조르조네 작품의 중요한 특징이다. 인문주의자, 음악가, 시인, 뛰어난 음악가 사이에서 형성된 조르조네는 자신의 작곡에서 최고의 리듬 음악성을 찾습니다. 색상은 그들에게 큰 역할을합니다. 투명한 층에 놓인 사운드 페인트는 윤곽을 부드럽게합니다. 작가는 유화의 속성을 능숙하게 사용합니다. 다양한 음영과 전환 톤은 볼륨, 빛, 색상 및 공간의 통일성을 달성하는 데 도움이 됩니다. 그의 초기 작품 중 Judith(1502년경, St. Petersburg, Hermitage)는 부드러운 몽환과 미묘한 서정으로 매료됩니다. 성경의 여주인공은 고요한 자연을 배경으로 아름다운 젊은 여성으로 묘사됩니다. 그러나 여주인공의 손에 든 칼과 그녀에게 짓밟힌 적의 잘린 머리가 조화롭게 보이는 이 구성에 묘한 불안한 음표가 도입된다.

그림 "뇌우"(1505년경, 베니스, 아카데미 갤러리)와 "컨트리 콘서트"(1508년~1510년경, 파리, 루브르 박물관)의 그림에서 플롯이 알려지지 않은 채 분위기는 사람뿐만 아니라 사람에 의해 만들어집니다. 자연: 폭풍우가 오기 전 - 첫 번째와 차분하게 빛나는, 엄숙한 - 두 번째. 풍경을 배경으로 사람들은 마치 무언가를 기다리거나 음악을 연주하는 것처럼 생각에 잠겨 주변의 자연과 떼려야 뗄 수 없는 전체를 구성하고 있습니다.

사람의 구체적인 개별 특성과 조화로운 이상적인 조합은 Giorgione이 그린 초상화를 구별합니다. 안토니오 브로카르도(1508-1510, 부다페스트, 미술관)의 깊이 있는 생각, 고상한 성격, 꿈결 같은 정신으로 매료됩니다. 완벽한 숭고한 아름다움과 시의 이미지는 잠자는 비너스(1508-1510년경, 드레스덴, 아트 갤러리)에서 이상적인 구현을 받습니다. 그녀는 평화로운 잠에 빠져있는 시골 풍경을 배경으로 제시됩니다. 그녀의 인물의 선형 윤곽의 부드러운 리듬은 완만한 언덕의 부드러운 선과 자연의 사려 깊은 고요함과 미묘하게 조화를 이룹니다. 모든 윤곽이 부드러워지고 가소성이 이상적으로 아름답고 부드럽게 모델링 된 형태가 비례합니다. 황금빛 톤의 미묘한 뉘앙스가 벌거벗은 몸의 따뜻함을 전달합니다. 조르조는 자신의 가장 완벽한 그림을 완성하지 못한 채 역병으로 생애의 한창을 마감했습니다. 그림 속 풍경은 조르조네에게 맡겨진 다른 주문들을 완성한 티치아노가 완성했다.

수년 동안 수장인 티치아노(1485/1490-1576)의 예술은 베네치아 회화 학교의 발전을 결정했습니다. 레오나르도, 라파엘로, 미켈란젤로의 예술과 함께 르네상스 전성기의 정점으로 보입니다. 인본주의 원칙에 대한 티치아노의 충실함, 의지, 이성과 인간의 능력에 대한 믿음, 강력한 색채주의는 그의 작품에 엄청난 매력을 부여합니다. 그의 작품에서 마침내 베네치아 회화파의 리얼리즘의 독창성이 드러난다. 예술가의 태도는 온전하고 삶에 대한 지식은 깊고 다면적입니다. 그의 재능의 다재다능함은 다양한 장르와 서정적이고 극적인 주제의 발전으로 나타났습니다.

일찍 세상을 떠난 조르조네와 달리 티치아노는 영감을 받은 창작 활동으로 가득 찬 행복한 긴 삶을 살았습니다. 그는 Cadore라는 마을에서 태어나 평생을 베니스에서 살았고 그곳에서 처음에는 Bellini에게, 그 다음에는 Giorgione에게 배웠습니다. 이미 명성을 얻은 그는 잠시 동안만 고객의 초대로 로마와 아우크스부르크를 여행했으며, 그의 인본주의적인 친구들과 예술가들이 자주 모이는 그의 넓고 환대하는 집의 분위기에서 일하는 것을 선호했습니다. 건축가 산소비노.

티치아노의 초기 작품은 시적인 세계관이 특징입니다. 그러나 그의 전임자의 몽환적이고 서정적인 영웅들과 달리 Titian은 더 순수하고 활동적이며 쾌활한 이미지를 만듭니다. 그림 "Love on Earth and Heaven"(1510년대, 로마, Galleria Borghese)에서 아름다운 목가적인 풍경을 배경으로 두 여성이 묘사됩니다. 그들 중 한 명은 화려하게 차려입고 사려 깊게 여유를 가지고 다른 한 명은 황금 머리에 밝은 눈으로, 그녀의 어깨에서 떨어지는 주홍색 망토로 벗은 몸의 완벽한 아름다움을 듣습니다. 이 비유의 줄거리와 조르조네의 여러 그림에는 단일 해석이 ​​없습니다. 그러나 그것은 작가에게 따뜻한 빛이 비추는 무성한 자연과 미묘하게 조화를 이루는 두 개의 다른 인물, 상태, 두 개의 이상적인 이미지를 묘사할 수 있는 기회를 제공합니다.

두 인물의 반대에 따라 티치아노는 "카이사르의 데나리우스"(1515-1520, 드레스덴, 미술관) 구성을 구축합니다. 그리스도의 고귀함과 숭고한 아름다움은 돈을 탐내는 바리새인의 약탈적인 표정과 추함으로 강조됩니다. . 많은 제단 이미지, 초상화 및 신화적 구성이 티치아노의 창조적 성숙기에 속합니다. 티치아노의 명성은 베네치아 국경 너머까지 퍼져나갔고 주문도 계속해서 늘어났다. 1518-1530년의 그의 작품에서 장대한 범위와 파토스는 구성 구성의 역학, 엄숙한 웅장함, 존재의 충만함, 풍부한 색상 조화의 풍부함 및 아름다움의 전달과 결합됩니다. "마리아의 승천"( "Assunta", 1518, 베니스, Santa Maria dei Frari 교회)이 바로 그 대기권, 흐르는 구름, 사도 무리에서 강력한 생명의 숨결이 느껴지는 곳입니다. 하늘로 승천하는 마리아의 모습에 감탄과 놀라움으로, 엄격하게 장엄하고 한심합니다. 각 인물의 키아로스쿠로 조형은 정력적이고 복잡하며 넓은 움직임이 자연스러우며 열정적인 충동으로 가득 차 있다. 짙은 빨간색과 파란색 톤이 엄숙하게 울려 퍼집니다. The Madonna of the Pesaro Family(1519-1526, 베니스, Santa Maria dei Frari)에서 티치아노는 제단 이미지의 전통적인 중심 구조를 버리고 비대칭적이지만 오른쪽으로 이동된 균형 잡힌 구성을 제공하여 밝은 활력으로 가득 차 있습니다. Maria의 다가오는 고객인 Pesaro 가족에게 부여된 날카로운 초상화 특성.

1530-1540년에 티치아노 초기 작곡의 파토스와 역동성은 매우 직접적인 이미지, 명확한 균형, 느린 서사로 대체되었습니다. 종교 및 신화 주제에 대한 그림에서 작가는 특정 환경, 민속 유형, 정확하게 관찰된 삶의 세부 사항을 소개합니다. "성전 입구"(1534-1538, 베니스, 아카데미 갤러리) 장면에서 어린 마리아는 대제사장에게 넓은 계단을 올라가는 것으로 묘사됩니다. 그리고 바로 거기, 사원 앞에 모여든 시끄러운 마을 사람들 사이에서 노상인의 모습이 눈에 띈다. 그녀의 물건 옆 계단에 앉아 있는 노상인-계란 바구니. 그림 "Urbino의 Venus"(1538년경, Florence, Uffizi)에서 관능적인 벌거벗은 아름다움의 이미지는 가슴에서 무언가를 꺼내는 하녀의 인물의 배경에 도입함으로써 시적 높이에서 축소됩니다. 색 구성표는 음색을 유지하면서 절제되고 깊어집니다.

평생 동안 Titian은 초상화 장르로 전환하여 이 분야의 혁신가로 활동했습니다. 그는 자세, 동작, 표정, 몸짓, 양복을 입는 매너의 독창성에 주목하여 묘사된 것의 특성을 심화시킨다. 그의 초상화는 때때로 사람들 사이의 심리적 갈등과 관계를 드러내는 그림으로 발전합니다. 이미 "장갑을 든 청년"(1515-1520, 파리, 루브르 박물관)의 초기 초상화에서 이미지는 개별적인 구체성을 획득함과 동시에 르네상스 남성의 전형적인 특징을 그의 결단력으로 표현하고 있습니다. 에너지, 독립심, 청년은 질문을 하고 답을 기다리는 것 같다. 압축된 입술, 반짝이는 눈, 옷의 흰색과 검은색의 대비가 캐릭터를 선명하게 합니다. 위대한 드라마와 내면세계의 복잡성, 심리적 사회적 일반화는 티치아노의 작품에서 인간과 외부세계와의 갈등이라는 주제가 탄생한 후기의 초상화로 구별된다. Ippolito Riminaldi(1540년대 후반, Florence, Pitti Gallery)의 초상화는 그의 창백한 얼굴이 특징의 복잡성으로 오만하게 매료되고 떨리는 영성을 끌어들이는 세련된 영적 세계를 드러내는 데 인상적입니다. 내면의 삶은 한 눈에 집중되어 있으며 동시에 강렬하고 흩어져 있으며 그 안에는 의심과 실망의 쓰라림이 있습니다.

조카 알레산드로와 오타비오 파르네세 추기경(1545-1546, 나폴리, 카포디몬테 박물관)과 함께 있는 교황 바오로 3세의 단체 초상화는 이기심과 위선, 잔혹함과 탐욕, 권위와 예속을 드러내는 일종의 시대 문서로 인식된다. , 노쇠함과 끈기 -- 이 사람들을 연결하는 모든 것. 지는 태양의 황금빛 반사가 비추는 풍경을 배경으로 기사 갑옷을 입은 카를 5세(1548, 마드리드, 프라도)의 영웅 기마 초상화가 생생하게 사실적입니다. 이 초상화는 17-18세기 바로크 초상화의 구성에 엄청난 영향을 미쳤습니다.

1540년대와 1550년대에 Titian의 작업에서 그림 같은 특징이 급격히 증가하여 플라스틱 명암 및 색상 솔루션의 완전한 단일성을 달성합니다. 강력한 빛의 스트로크는 색상을 빛나고 반짝입니다. 그는 삶 자체에서 "거울 앞의 비너스"(1555년경, 워싱턴 국립미술관), "다나에"(1554년경, 마드리드, 프라도)와 같은 신화적 이미지로 구현된 완전한 성숙한 아름다움의 이상을 찾습니다. .

봉건-가톨릭 반동의 강화와 베네치아 공화국이 겪은 깊은 위기는 작가의 후기 작품에서 비극적 시작을 가중시킨다. 그들은 순교와 고통의 음모, 삶과의 화해할 수 없는 불화, 금욕적인 용기에 의해 지배됩니다. "성 로렌스의 고통"(1550--1555, 베니스, 예수회 교회), "참회하는 막달라"(1560년대, 상트페테르부르크, 에르미타주), "가시 대관식"(1570년경, 뮌헨, 피나코텍), "성 Sebastian"(1570년경, 상트페테르부르크, 에르미타주), "Pieta"(1573-1576, 베니스, 아카데미 갤러리). 그 안에있는 사람의 이미지는 여전히 강력한 힘을 가지고 있지만 내부 조화 균형의 기능을 잃습니다. 황혼에 잠겨있는 건축 또는 조경 배경을 가진 하나 이상의 인물 조합을 기반으로 구성이 단순화되었습니다. 저녁이나 밤 장면은 불길한 번개, 횃불의 빛으로 밝혀집니다. 세계는 가변성과 움직임으로 인식됩니다. 이 그림들에서는 작가의 후기 화풍이 충분히 발현되어 보다 자유롭고 폭넓은 성격을 획득하여 17세기 색조화의 토대를 마련하였다. 밝고 경쾌한 색상을 거부하고 그는 흐리고 강철 같은 올리브 복합 색조로 변하여 모든 것을 일반적인 황금색 톤에 종속시킵니다. 그는 다양한 질감 기법을 사용하여 캔버스의 다채로운 표면의 놀라운 단일성을 달성하고, 가장 미세한 유약과 두꺼운 풀처럼 열린 페인트의 열린 스트로크, 조각 형태, 가벼운 공기 매체에 선형 패턴을 용해시켜 형식에 스릴을 제공합니다. 삶. 그리고 그의 후기, 가장 비극적으로 들리는 작품들에서도 티치아노는 인본주의적 이상에 대한 믿음을 잃지 않았습니다. 그를 위한 인간은 끝까지 현존하는 최고의 가치로 남아 있었다. 자신의 존엄성에 대한 의식이 충만하고, 이성의 승리에 대한 믿음, 지혜로운 삶의 경험이 평생 동안 인본주의의 밝은 이상을 짊어진 예술가 "자화상"(1560 년경, 마드리드, 프라도)에서 우리 앞에 나타납니다.

르네상스 시대에 발전의 정점에 도달한 르네상스 문화는 위기 현상을 피하지 않았습니다. 그것은 나중에 비극에 이르게 된 예술적 이미지의 극적인 강렬함, 인간에게 대항하는 치명적인 세력과의 싸움에서 인간의 영웅적 노력의 무익함을 보여주고자 하는 쓰라린 욕망에서 분명합니다. 그 당시 뚜렷하게 나타났던 대비 속에서도 신흥 위기 현상의 조짐이 형성된다. 대중의 생각: 합리주의와 현실에 대한 냉정한 시각이 이상적인 지상 도시에 대한 강렬한 유토피아적 탐구와 결합됩니다.

르네상스 베니스의 르네상스는 일반적인 이탈리아 르네상스와는 별개의 독특한 부분입니다. 여기서 그것은 나중에 시작되었고 더 오래 지속되었으며 베니스에서 고대 경향의 역할은 가장 작았고 유럽 회화의 후속 발전과의 연결이 가장 직접적이었습니다. 베네치아 르네상스는 별도로 논의할 수 있고 또 논의해야 합니다. 다른 이탈리아 지역 중에서 베니스의 위치는 중세 러시아의 노브고로드의 위치와 비교할 수 있습니다. 해상 무역로의 열쇠를 쥐고 있던 부유하고 번영한 귀족-상인 공화국이었습니다. 베니스의 상징 인 날개 달린 사자는 지중해 바다를 통치했으며 전 세계에서 금이 베네치아 석호로 흘러 들어갔습니다. 베로네제와 티에폴로는 베니스를 붉은 벨벳과 황록색 모피를 입고 황금빛 비를 내리는 다나에처럼 쏟아지는 장엄한 금발의 미녀로 묘사했습니다. 사도의 신성한 사자는 개처럼 겸손하고 헌신적으로 그녀의 발치에 있습니다.

18세기 예술가인 카날레토(Canaletto)의 캔버스에서 베니스의 즐거움을 특히 쉽게 상상할 수 있습니다. 그는 이러한 전통적인 카니발과 축하 행사를 다큐멘터리처럼 정확하게 묘사했습니다. 성 광장 우표는 군중으로 붐빕니다. 검은색과 금박을 입힌 곤돌라 새들이 석호의 푸른 물을 빠르게 달리고, 깃발이 펄럭이고, 주홍색 캐노피와 망토가 밝게 깜박이고, 검은색 반 가면이 깜박입니다. 무엇보다도 성 베드로 대성당의 멋진, 레이스, 분해 및 다중 색상 건축물이 솟아올라 지배합니다. 마크와 총독의 궁전.

베니스의 광범위한 사교성의 열매는 성 베드로 대성당이었습니다. Marka는 10세기부터 약 7세기의 층이 예기치 않게 조화를 이루고 황홀할 정도로 아름다운 전체로 결합되어 비잔티움에서 가져온 기둥, 비잔틴 모자이크, 고대 로마 조각, 고딕 조각이 평화롭게 공존하는 유례없는 건축 기념물입니다. Doge 's Palace는 덜 기발한 건물입니다. 그것은 아래의 고딕 양식의 란셋 아케이드와 흰색과 빨간색 판의 아랍어 패턴으로 덮인 거대한 매끄러운 블록을 결합한 소위 베네치아 고딕 양식입니다. 베니스는 모든 곳에서 그림을 그리며 다채롭고 낭만적 인 그림을 그리는 자체 스타일을 개발했습니다. 결과적으로, 대운하를 따라 궁전이 뻗어있는 섬의이 도시는 실제로 유일한 광대 한 "땅"이 세인트 루이스 인 물에 반영되었습니다. 마크는 온갖 보석들로 가득 찬 상자처럼 되었다.

Venetian Cinquecento 예술가들은 이탈리아의 다른 지역의 거장들과는 다른 종족의 사람들이었다는 점에 유의해야 합니다. 과학적 인본주의에 참여하지 않은 그들은 피렌체나 파도바만큼 다재다능하지 않았습니다. 그들은 예술 회화에 있어 좁은 범위의 전문가였습니다. 베니스의 위대한 애국자, 그들은 일반적으로 아무데도 움직이지 않고 방황하지 않고 좋은 보상을 제공 한 "아드리아 해의 여왕"에 충실했습니다. 따라서 베네치아 학교는 예술적 성격의 차이에도 불구하고 큰 예술적 가족에서 아버지에서 아들로, 형제에서 형제로 전달되는 많은 공통적 인 특징을 가지고 있습니다. 베네치아인들의 작품에서는 상황, 삶, 풍경, 성격의 안정성이 영향을 받았다. 우리는 그들의 모든 그림에서 축제, 잔치 주제의 풍부함, 궁전의 난간 사이, 개의 빨간 벨벳 망토, 여성의 황금빛 머리카락으로 인해 베니스의 분위기를 인식합니다.

Paolo Veronese는 축제 베니스의 가장 전형적인 예술가로 간주 될 수 있습니다. 그는 화가였고, 단지 화가였으나, 뼛속 깊이 화가, 그림의 사자, 난폭한 재능과 독창성을 지닌 관대한 재능의 장엄한 순수함으로 언제나 사람들을 사로잡았고 많은 것을 속죄할 수 있었습니다. 누락되었습니다. 베로네세의 쾌활한 재능의 전체 범위는 "갈릴리 가나의 결혼", "레위 집의 잔치", "최후의 만찬"이라고 불리는 그의 혼잡한 대규모 작곡에서 느낄 수 있지만 취하게 하는 다채로운 광경에 지나지 않습니다. 음악가, 광대, 개와 함께 베네치아 궁전에서 호화로운 저녁 식사.

고대 질서 체계의 창조적 수정 원칙이 건축에 확립되었고 새로운 유형의 공공 건물이 형성되었습니다. 그림은 선형 및 공중 관점, 해부학 및 인체 비율에 대한 지식으로 풍부했습니다. 세속적인 내용은 예술 작품의 전통적인 종교적 주제에 침투했습니다. 고대 신화, 역사, 일상적인 장면, 풍경, 초상화에 대한 관심 증가. 건축물을 장식한 기념비적인 벽화와 함께 그림이 등장했다. 유화의 기원