20세기 초 피카소와 그의 친구 C. 카사헤마스(C. Casajemas)는 스페인을 떠나 파리로 왔습니다. 여기에서 파블로는 프랑스 인상파, 특히 A. Toulouse-Lautrec과 E. Degas의 작품에 대해 자세히 알게 되었습니다. 이들은 당시 예술가의 창의적인 사고 발전에 심각한 영향을 미쳤습니다.
불행하게도 카사헤마스는 한 프랑스 여성과 사랑에 빠져 그녀에게 거절당했고 1901년 2월 자살했습니다. 피카소에게는 실제 삶과 예술의 측면이 항상 분리될 수 없었으며, 예술가에게 깊은 충격을 준 이 비극적인 사건은 그의 후속 작품에 반영되었습니다.
1901년 이래로 피카소의 캔버스에서 여러 가지 색상의 물감이 사라지고 청록색 팔레트의 색조가 바뀌었습니다. 작가의 작업에는 '청색' 시기가 시작된다.
에메랄드, 파란색, 파란색, 녹색 색상과 음영의 깊고 차갑고 우울한 범위는 인간의 고통, 죽음, 노년, 빈곤 및 낙담과 같은 이 시대 피카소 작품의 주요 주제를 완벽하게 전달합니다. 그림은 시각 장애인, 매춘부, 거지, 알코올 중독자의 이미지로 가득 차 있으며 우울함과 절망감이 물씬 풍깁니다. 이 기간 동안 작가는 보헤미안 라이프 스타일을 멈추지 않고 하루에 최대 세 장의 그림을 그리는 작업을 진행합니다. "The Blue Room"(1901), "Blindman's Breakfast"(1903), "소년과 함께 있는 거지 노인"(1903), "Tragedy"(1903), "Two"(1904) 그리고 물론 유명한 " Absinthe Drinker(1901) – 이 모든 것은 "청색" 시대 그림의 생생한 예입니다.
1904년 피카소는 많은 예술가들이 피난처를 찾았던 몽마르트르의 유명한 호스텔인 바토 라부아르(Bateau Lavoir)에 정착했습니다. 이때 그는 그의 많은 유명한 작품에 영감을 준 그의 뮤즈이자 모델인 페르난다 올리비에(Fernanda Olivier)를 만납니다. 그리고 시인 M. Jacob과 G. Apollinaire와의 친분은 새로운 주제, 그의 그림에 구현된 - 서커스와 삶 서커스 공연자. 그리하여 작가의 삶과 작업에는 점차 새로운 색들이 스며들기 시작한다. "블루" 기간은 마스터의 예술적 탐구의 "핑크" 기간으로 대체됩니다.
이때 작가는 핑크, 스모키 핑크, 골든 핑크, 황토색 등 더욱 밝은 톤으로 변합니다. 그림의 영웅은 광대, 곡예사, 체조 선수, 할리퀸입니다. "곡예사와 젊은 할리퀸"(1905), "원숭이가있는 곡예사 가족"(1905), "광대"(1905). 여행하는 예술가들의 낭만적인 삶에 대한 주제는 그의 가장 상징적이고 눈에 띄는 그림 중 하나인 "공 위의 소녀"(1905)에서 드러납니다.
나중에 "핑크"시대 말기에 작가는 "염소를 안고있는 소녀"(1906), "말을 이끄는 소년"(1906)과 같은 고대 유산의 정신으로 그림을 그렸습니다.
"파란색" 및 이후의 "분홍색" 기간 창의적인 삶파블로 피카소의 작품은 색상을 사용하여 세상에 대한 그의 비전과 분위기를 전달하려는 그의 탐구의 표현이 되었습니다.
파블로 피카소라는 이름을 모르는 사람은 지구상에 거의 없습니다. 큐비즘의 창시자이자 다양한 스타일의 예술가로, 20세기 유럽뿐만 아니라 전 세계의 미술에 영향을 미쳤습니다.
아티스트 파블로 피카소 : 어린 시절과 연구 기간
가장 뛰어난 사람 중 한 명은 1881년 10월 25일 말라가의 머세드 광장에 있는 집에서 태어났습니다. 요즘에는 P. Picasso의 이름을 딴 박물관과 재단이 있습니다. 세례식에서 스페인 전통에 따라 부모는 소년에게 성인의 이름과 가족 중 가장 가깝고 존경받는 친척의 이름을 번갈아 가며 꽤 긴 이름을 부여했습니다. 궁극적으로 그는 처음이자 마지막으로 알려져 있습니다. 파블로는 아버지의 성이 너무 단순하다고 생각하여 어머니의 성을 따르기로 결정했습니다. 그림에 대한 소년의 재능과 열정은 처음부터 나타났습니다. 어린 시절. 예술가이기도 한 그의 아버지는 그에게 첫 번째이자 매우 귀중한 교훈을 가르쳤습니다. 그의 이름은 호세 루이즈였습니다. 그는 여덟 살 때 첫 번째 진지한 그림 인 "Picador"를 그렸습니다. 파블로 피카소의 작업이 시작된 것은 그녀와 함께였다고 안전하게 말할 수 있습니다. 미래 예술가의 아버지는 1891년에 라 코루냐에서 교사로 일하겠다는 제안을 받았으며 가족은 곧 스페인 북부로 이주했습니다. 그곳에서 파블로는 지역 미술 학교에서 1년 동안 공부했습니다. 그런 다음 가족은 가장 아름다운 도시 중 하나인 바르셀로나로 이사했습니다. 어린 피카소는 당시 14세였으며 La Lonja(미술 학교)에서 공부하기에는 너무 어렸습니다. 그러나 그의 아버지는 그가 경쟁적으로 입학 시험을 치를 수 있도록 허락해 주셨고, 그는 이를 훌륭하게 해냈습니다. 4년이 더 지난 후, 그의 부모는 그를 당시 최고의 미술 학교인 마드리드의 "산 페르난도(San Fernando)"에 입학시키기로 결정했습니다. 아카데미에서 공부하는 것은 젊은 재능을 빨리 지루하게 만들었습니다. 고전적인 표준과 규칙에서 그는 비좁고 심지어 지루함을 느꼈습니다. 따라서 그는 프라도 미술관에 더 많은 시간을 할애하고 컬렉션을 연구했으며 1년 후 바르셀로나로 돌아왔습니다. 그의 초기 작업에는 1986년에 그린 그림인 피카소의 "자화상", "첫 영성체"(작가의 여동생 롤라를 묘사함), "어머니의 초상"(아래 그림) 등이 포함됩니다.
마드리드에 머무는 동안 그는 첫 번째 여행을 떠나 모든 박물관과 위대한 거장의 그림을 공부했습니다. 그 후 그는 이 세계 예술의 중심지에 여러 차례 왔고 1904년에는 영구적으로 이사했습니다.
"파란색" 기간
이 시기는 여전히 외부의 영향을 받는 그의 개성이 피카소의 작품에서 드러나기 시작하는 시기라고 볼 수 있다. 알려진 사실: 창조적 인 사람들의 재능은 어려운 삶의 상황에서 가장 분명하게 나타납니다. 이것이 바로 현재 전 세계적으로 그의 작품이 알려진 파블로 피카소에게 일어난 일입니다. 이륙은 절친한 친구인 카를로스 카사게마스의 죽음으로 인한 오랜 우울증 끝에 도발되어 발생했습니다. 1901년 볼라르가 주최한 전시회에서 작가의 작품 64점이 출품됐지만 당시에는 여전히 관능미와 밝음이 넘쳐 인상파의 영향이 뚜렷이 느껴졌다. 그의 작품의 "청색"시대는 점차 정당한 권리를 갖게되었으며, 인물의 엄격한 윤곽과 이미지의 3차원 성 상실, 예술적 관점의 고전적 법칙에서 벗어나는 것으로 나타났습니다. 그의 캔버스의 색상 팔레트는 파란색을 강조하면서 점점 더 단조로워지고 있습니다. 이 시기의 시작은 1901년에 그린 '제이미 사바르테스의 초상'과 피카소의 자화상으로 볼 수 있다.
"청색" 시대의 그림
이 시기 스승의 키워드는 외로움, 두려움, 죄책감, 고통이었다. 1902년에 그는 다시 바르셀로나로 돌아왔지만 그곳에 머물 수는 없었다. 카탈로니아 수도의 긴장된 상황, 사방의 빈곤, 사회적 불의는 대중의 불안을 초래하고 점차 스페인 전체뿐만 아니라 유럽을 휩쓸었습니다. 아마도 이런 상황은 올해도 열심히 열심히 일하는 작가에게도 영향을 미쳤을 것입니다. 조국에서는 '두 자매(날짜)', '소년과 함께 있는 늙은 유대인', '비극'(위 캔버스 사진), '인생' 등 '청색' 시대의 걸작이 탄생했습니다. 죽은 카사게마스가 다시 등장합니다. 1901년에는 <압생트 마시는 사람>이라는 그림도 그려졌다. 이는 프랑스 예술의 특징이었던 "악랄한" 캐릭터에 대한 당시 대중적 매력의 영향을 추적합니다. 압생트라는 주제는 많은 그림에 등장합니다. 무엇보다도 피카소의 작품은 드라마로 가득 차 있습니다. 특히 자신을 방어하려는 듯한 여성의 비대해진 손이 인상적이다. 현재 "The Absinthe Lover"는 혁명 후 S.I. Shchukin의 피카소 작품 (51 작품)의 개인적이고 매우 인상적인 컬렉션에서 가져온 Hermitage에 보관되어 있습니다.
다시 스페인으로 갈 기회가 생기자마자 그는 그것을 이용하기로 결심하고 1904년 봄에 스페인을 떠났습니다. 그곳에서 그는 새로운 관심, 감각, 인상을 접하게 되었고, 이는 그의 창의성에 새로운 단계를 불러일으켰습니다.
"핑크" 기간
피카소의 작품에서 이 단계는 1904년(가을)부터 1906년 말까지 비교적 오랜 시간 동안 지속되었으며 완전히 동질적이지는 않았습니다. 최대그 시대의 그림은 밝은 색상 범위, 황토색, 진주 회색, 붉은 분홍색 톤으로 표시됩니다. 특징은 배우, 서커스 공연자, 곡예사, 운동 선수 등 예술가의 작업에 대한 새로운 주제의 출현과 그에 따른 지배력입니다. 물론, 그 자료의 압도적인 대부분은 그 당시 몽마르트르 기슭에 있던 메드라노 서커스(Medrano Circus)에 의해 그에게 제공되었습니다. 밝은 연극 환경, 의상, 행동, 다양한 유형은 P. Picasso를 비록 변형되었지만 실제 형태와 볼륨, 자연 공간의 세계로 되돌려 놓은 것처럼 보였습니다. 그의 그림 속 이미지는 창의성의 '청색' 단계의 캐릭터와는 대조적으로 다시 감각적이고 생기와 밝기로 가득 차게 되었습니다.
파블로 피카소 : "핑크"시대의 작품
새로운 시대의 시작을 알리는 그림은 1905년 겨울 말 Serurrier 갤러리에서 처음 전시되었습니다. 이들은 "Seated 누드"와 "배우"입니다. '핑크' 시대의 걸작으로 인정받은 작품 중 하나는 '개그맨 가족'(위 사진)입니다. 캔버스는 높이와 너비가 2m가 넘는 인상적인 크기를 가지고 있습니다. 푸른 하늘을 배경으로 서커스 공연자들의 모습이 그려져 있으며, 오른쪽의 할리퀸은 피카소 자신이라는 것이 일반적으로 받아들여지고 있습니다. 모든 캐릭터는 정적이며 그들 사이에는 내부 친밀감이 없습니다. 각각은 전체 "핑크"시대의 주제인 내부 외로움에 묶여 있습니다. 또한 Pablo Picasso의 "Woman in a Shirt", "Toilet", "Boy Leading a Horse", "Acrobats"등의 작품에 주목할 가치가 있습니다. 엄마와 아들', '염소를 안고 있는 소녀'. 그들 모두는 작가의 그림에서는 보기 드문 아름다움과 평온함을 관객에게 보여줍니다. 1906년 말 피카소가 스페인을 여행하다가 피레네 산맥의 작은 마을에 도착했을 때 창의성에 대한 새로운 자극이 일어났습니다.
아프리카 창조 시대
P. Picasso는 Trocadero Museum의 주제별 전시회에서 처음으로 고대 아프리카 예술을 만났습니다. 그는 자연의 위대한 힘을 구현하고 가장 작은 세부 사항과는 거리가 먼 원시 형태의 이교도 우상, 이국적인 가면 및 인형에 깊은 인상을 받았습니다. 작가의 이데올로기는 이 강력한 메시지와 일치했고, 그 결과 그는 영웅들을 단순화하여 돌 우상처럼 기념비적이고 날카롭게 만들기 시작했습니다. 그러나이 스타일의 첫 번째 작품은 1906 년에 나타났습니다. 이것은 작가 파블로 피카소의 초상화입니다. 그는 그림을 80 번 다시 썼고 이미 그녀의 이미지를 고전적인 스타일로 구현할 가능성에 대한 믿음을 완전히 잃었습니다. . 이 순간은 자연을 따르는 것에서 형태의 변형으로 전환되는 전환기라고 할 수 있습니다. "Nude Woman", "베일과의 춤", "Dryad", "우정", "선원의 흉상", "자화상"과 같은 그림을 살펴보십시오.
그러나 아마도 피카소 작품의 아프리카 무대에서 가장 눈에 띄는 예는 주인이 약 1년 동안 작업한 그림 "Les Demoiselles d'Avignon"(위 사진)일 것입니다. 그녀는 이 무대에서 왕관을 썼다 창의적인 길예술가는 예술 전체의 운명을 크게 결정했습니다. 이 그림은 그려진 지 불과 30년 만에 처음 출판되었고 아방가르드의 세계로 향하는 열린 문이 되었습니다. 파리의 보헤미안 서클은 말 그대로 "for"와 "against"라는 두 개의 진영으로 나뉩니다. 이 그림은 현재 박물관에 보관되어 있습니다 현대 미술뉴욕시.
피카소의 작품에 나타난 입체주의
이미지의 독창성과 정확성 문제는 입체파가 터지는 순간까지 유럽 미술에서 가장 먼저 남아있었습니다. 많은 사람들은 개발의 원동력이 예술가들 사이에서 발생한 질문인 "왜 그리는가? "라고 생각합니다. 20세기 초에는 눈에 보이는 것에 대한 신뢰할 수 있는 이미지를 거의 누구에게나 가르칠 수 있었고, 사진은 말 그대로 사진의 뒤를 이어 다른 모든 것을 완전히 대체하겠다고 위협했습니다. 시각적 이미지는 믿을 수 있을 뿐만 아니라 접근 가능하고 쉽게 복제됩니다. 파블로 피카소의 큐비즘 이 경우외부 세계에 대한 그럴듯한 이미지를 버리고 완전히 새로운 가능성과 인식의 경계를 열어 창작자의 개성을 반영합니다.
초기 작품으로는 "냄비, 유리 및 책", "목욕", "회색 주전자에 담긴 꽃다발", "테이블 위의 빵과 과일 그릇"등이 있습니다. 캔버스는 작가의 스타일이 어떻게 변화하고 있는지 명확하게 보여줍니다. 이 기간(1918-1919)이 끝날 무렵에는 점점 더 추상적인 특징을 갖게 됩니다. 예를 들어 "Harlequin", "Three Musicians", "Still Life with a Guitar"(위 그림) 등이 있습니다. 관객이 거장의 작품과 추상 미술을 연관시키는 것은 피카소에게 전혀 어울리지 않았습니다. 그림의 매우 감정적인 메시지는 그에게 중요했습니다. 숨겨진 의미. 결국, 자신이 창조한 입체주의 스타일은 점차 예술가에게 영감과 관심을 주지 않게 되었고, 창의성의 새로운 트렌드로 가는 길을 열었습니다.
고전 시대
20세기의 두 번째 10년은 피카소에게 꽤 힘든 시기였습니다. 따라서 1911년은 루브르 박물관에서 도난당한 인형 이야기로 표시되었는데, 이는 예술가를 최고의 빛으로 보여주지 못했습니다. 1914년에 피카소는 오랜 세월 동안 그 나라에 살았음에도 불구하고 제1차 세계 대전에서 프랑스를 위해 싸울 준비가 되어 있지 않았음이 밝혀졌고, 이로 인해 그는 많은 친구들과 헤어졌습니다. 그리고 다음 해에 그의 사랑하는 Marcelle Humbert가 사망했습니다.
가독성, 비유성, 예술적 논리로 다시 한 번 작품을 가득 채웠던 더욱 사실적인 파블로 피카소의 복귀 역시 많은 외부 요인의 영향을 받았다. 고대 예술에 흠뻑 젖게 된 로마 여행, 디아길레프 발레단과의 소통, 곧 예술가의 두 번째 아내가 된 발레리나 올가 코클로바와의 만남도 포함됩니다. 어떤 면에서는 실험적인 성격을 지닌 그녀의 1917년 초상화는 새로운 시대의 시작이라고 볼 수 있습니다. 러시아 발레 파블로 피카소는 새로운 걸작 창작에 영감을 주었을 뿐만 아니라 사랑하는 오랫동안 기다려온 아들에게도 영감을 주었습니다. 이 시대의 가장 유명한 작품 : "Olga Khokhlova"(위 사진), "Pierrot", "주전자와 사과가 있는 정물", "Sleeping Peasants", "Mother and Child", "Women Running on the Beach", “세 가지 은혜” .
초현실주의
창의성의 분할은 그것을 선반으로 분류하고 특정 (문체, 시간) 틀에 집어 넣으려는 욕구에 지나지 않습니다. 그러나 세계 최고의 박물관과 갤러리를 장식하는 파블로 피카소의 작품에 대한 이러한 접근 방식은 매우 조건부라고 할 수 있습니다. 연대기를 따라가면 작가가 초현실주의에 가까웠던 시기는 1925~1932년이다. 주인의 작업의 모든 단계에서 뮤즈가 붓의 주인을 방문했고 O. Khokhlova가 그의 캔버스에서 자신을 인식하고 싶었을 때 신고전주의로 변한 것은 전혀 놀라운 일이 아닙니다. 그러나 창조적 인 사람들은 변덕스럽고 곧 지인 당시 겨우 17 세였던 젊고 매우 아름다운 마리아 테레사 월터가 피카소의 삶에 들어 왔습니다. 그녀는 여주인 역할을 할 운명이었고 1930년에 예술가는 노르망디에 성을 구입하여 그녀의 집이자 그를 위한 작업장이 되었습니다. 마리아 테레사(Maria Teresa)는 파블로 피카소(Pablo Picasso)가 죽을 때까지 우호적인 서신을 유지하면서 창작자의 창의적이고 사랑스러운 던지기를 꾸준히 견디는 충실한 동반자였습니다. 초현실주의 시대 작품: '댄스', '의자 위의 여인'(아래 사진), '목욕', '해변의 누드', '드림' 등
제2차 세계 대전 기간
1937년 스페인 전쟁 당시 피카소의 동정심은 공화당의 몫이었다. 같은 해 이탈리아와 독일의 항공기가 바스크 지방의 정치, 문화 중심지인 게르니카를 파괴했을 때, 파블로 피카소는 단 두 달 만에 폐허가 된 도시를 같은 이름의 거대한 캔버스에 그려냈습니다. 그는 문자 그대로 그의 창의성에 영향을 미칠 수밖에 없었던 유럽 전체를 위협하는 위협에 대한 공포에 사로잡혔습니다. 감정은 직접적으로 표현되지 않았지만 어조, 우울함, 괴로움, 풍자 등으로 구체화되었습니다.
전쟁이 종식되고 세상이 상대적인 균형을 이루고 파괴된 모든 것을 복원한 후 피카소의 작품은 더욱 행복하고 밝은 색상을 얻었습니다. 1945~1955년에 그린 그의 캔버스는 지중해풍의 느낌을 주며 매우 분위기 있고 부분적으로 이상주의적입니다. 동시에 그는 도자기 작업을 시작하여 장식용 주전자, 접시, 접시 및 인형을 많이 만들었습니다 (위 사진 참조). 그의 생애 마지막 15년 동안 창작된 작품들은 스타일과 질이 매우 고르지 못하다.
20세기 가장 위대한 예술가 중 한 명인 파블로 피카소가 프랑스에 있는 자신의 별장에서 91세의 나이로 사망했습니다. 그는 자신이 소유한 Vovenart 성 근처에 묻혔습니다.
파란색과 분홍색 시대의 역할에 대해 반대 의견이 있습니다. 창의적인 전기피카소. 어떤 사람들은 이 시대가 타의 추종을 불허한다고 믿습니다. 당시 피카소는 진정한 인문주의 예술가였지만 모더니즘의 유혹에 굴복하고 파괴의 악마에 사로잡혀 다시는 젊음의 정점에 도달하지 못했습니다. 이 평가는 우리 언론과 부분적으로 외국 언론에서도 다소 단호하게 표현되었습니다. 그러나 외국 작가들의 대부분의 책과 기사는 다른 생각을 전달합니다. 파란색과 분홍색 시대에 피카소는 아직 자신이 아니었고 전통주의의 주류에 남아 있었기 때문에 뒤따른 것들에 비해 큰 의미가 없습니다.
이 두 가지 극단적인 관점은 모두 불공평합니다. 그것은 예술가의 창작물 자체에서 나온 것이 아니라 사실주의와 모더니즘, 전통주의와 혁신에 대한 선입견에서 나온 것이기도 합니다. 두 경우 모두 가치의 주요 기준은 르네상스의 비유 개념에 대한 예술가의 태도, 즉 극복 또는 반대로 보존입니다. 한편, 피카소 자신에게는 이 순간이 분명히 결정적이지 않았습니다. 그가 얼마나 자주 "전통적인" 형태에서 "파괴적인" 형태로 전환했는지 또는 동시에 사용했는지 판단하여 서로를 선호하는 것을 단번에 거부했습니다. 전통과의 첫 번째 단절은 날카롭고 극적이었지만 나중에는 두 가지 표현 방식의 대립이 제거되는 것처럼 보였습니다. 그들 사이에 많은 전환 링크가 발견되었습니다. 피카소의 가장 "정확한" 이미지와 가장 "전통적인" 이미지는 모두 특별한 경우로서 그의 일반적인 창작 개념과 관련되며 이러한 의미에서 동일합니다.
게르니카의 창작자에게 블루와 핑크 시대는 절대적인 정점은 아닙니다. 그러나 창작의 역사피카소의 경력은 1906년에 끝났습니다. 만약 그가 "파란색"과 "분홍색" 캔버스의 작가로만 남아 있었다면 그는 역사상 위대한 예술가로 남았을 것입니다.
스무 살의 피카소는 이미 완전히 독창적인 대가였습니다. 학생의 인식과 학업주의, 감상적 장르(그리고 인상주의와 후기 인상주의)의 제거 과정은 우리가 본 것처럼 그와 함께 시작되어 집중적으로 진행되었습니다. 청색 시대가 시작될 무렵에는 이 모든 것이 남겨졌습니다. 섬세하고 푹신한 황금빛 녹색의 "개를 안고 있는 여인"(1900)이 후기 인상주의의 색채와 질감이 있는 미식가를 재현(동시에 비밀리에 패러디)한다면; 빨간 모자를 쓴 불길한 코코트(1900)가 파란 방의 세탁부인 툴루즈 로트렉(1901)을 연상시킨다면 드가의 작품, 1901년의 작품에서는 "비둘기와 소녀", 슈킨의 걸작으로 컬렉션- "Embrace", "Harlequin and His Wife", "Portrait of Sabartes", 피카소는 자신과 똑같이 생겼습니다. (젊은 예술가의 많은 작품 중에서 피카소의 실제 작품을 선별한 모스크바 수집가 슈킨의 취향과 통찰력에 감탄하지 않을 수 없습니다.)
첫인상에서 피카소의 입체파 이전 작품은 후기 작품과 거의 유사하지 않습니다. 그러나 그 안에는 그의 가장 깊은 주제와 동기, 작품의 서곡의 기원이 담겨 있습니다.
정신 분석가로서 피카소의 예술에 접근한 C. 융은 청색시대의 지옥으로의 하강 콤플렉스를 보았다. 그리고 사실, 형이상학적 빈곤과 말없는 고통이 있는 이 황혼의 황량한 푸른 세계의 입구에는 다음과 같은 말이 새겨져 있는 것 같습니다. "나는 당신을 버림받은 마을로 데려갑니다."
그 당시 피카소는 반쯤 가난한 보헤미안들 사이에서 살았고, 배고프고 가난했으며 때로는 그림 더미를 난로에 피워야 했습니다. 그러나 무엇보다도 개인적인 역경이 그의 예술의 분위기를 결정했습니다. 시인 막스 제이콥(Max Jacob)은 당시를 이렇게 회상했습니다. “우리는 나쁘게 살았지만 훌륭하게 살았습니다.” 피카소는 항상 친구들에게 둘러싸여 있었고, 에너지와 삶에 대한 사랑으로 가득 차 있었습니다. 그러나 예술가로서 그는 잔인하고 상처받는 인상을 추구했습니다. 그는 "바닥"에 매력을 느꼈습니다. 그는 고통의 광경을 통해 자신의 영혼을 최대로 키우고 단련시키기 위해 정신 병원, 매춘부 병원을 방문하고 환자를 오랫동안 관찰하고 그림을 그렸습니다. 그 시절 그의 그림에는 어두운 유머가 번쩍이는 모습이 담겨 있습니다. 그는 친구 중 한 사람의 벽에 끔찍한 상징적 장면을 그렸습니다. 흑인이 나무에 매달려 있고, 나무 아래에는 사랑에 빠진 벌거벗은 커플이 있었습니다.
청색시대는 1901년부터 1904년까지를 가리킨다. 그 당시 피카소는 아직 프랑스에 완전히 정착하지 않았으며 종종 바르셀로나에서 파리로, 다시 바르셀로나로 이사했습니다. 청색 시대 회화는 스페인의 전통에 뿌리를 두고 있습니다. "프랑스 정신으로" 경험한 수많은, 그러나 단명한 피카소의 성숙한 재능은 모든 것에서 다시 스페인 본성을 발견했습니다. 자랑스러운 가난과 숭고한 비참함을 주제로, 잔인한 "자연주의"와 황홀한 영성이 결합되어, 고야처럼 유머러스하고, 삶과 죽음의 상징을 선호합니다. 초기 그림 중 가장 크고 가장 복잡한 그림인 "카사게마스의 매장"(피카소 친구의 자살에 대한 인상을 받아 쓰여짐)은 엘 그레코의 "오르가스 백작의 장례식"처럼 지어졌습니다. 아래는 죽은 자의 애도입니다. , 위는 카바레 세계의 신비로운 비전의 경박 한 이미지가 얽혀있는 하늘의 한 장면입니다. 스타일 면에서 이는 예술가가 파리를 처음 방문하기 전에 했던 작업과 유사합니다. 예를 들어 큰 수채화 "The Path"(1898)에서는 장례 상여와 구부정한 노부인의 줄을 이용한 상징적 행렬을 묘사합니다. 아이들과 함께-그들은 산을 헤매다가 거대한 올빼미가 날개를 펴고 기다리고 있습니다. (우리는 반세기 후에 "전쟁" 패널에서 이 장례식 뿔을 보게 될 것이며 올빼미는 피카소 예술의 변함없는 속성입니다.)
“두 자매”는 상징적입니다. 지치고 지친 담요에 싸인 두 여자, 매춘부와 수녀가 만나면서 만나는 것입니다. 오래된 그림엘리자베스와 마리아. "인생"은 상징적입니다. 사랑, 모성, 외로움, 외로움으로부터의 구원에 대한 갈증 등 이상하고 의도적으로 구성된 구성입니다.
점차적으로 피카소의 상징주의는 너무 뻔한 우화의 맛에서 벗어납니다. 구성은 외견상 단순해집니다. 중성으로 반짝이는 파란색 배경에 고통스러울 정도로 연약한 하나 이상의 인물이 서로 밀착되어 있습니다. 그들은 침착하고, 복종하며, 사려 깊고, 내성적입니다. "입체파 이전" 피카소는 정물화가 없습니다. 그는 사람만 그립니다.
20세기 초 프랑스 회화에서 피카소의 파란색 그림은 고립된 것처럼 보이지만, 스페인에게는 유기적이다. 젊은 피카소의 프랑스 친구들은 그에게 낯선 요소가 있다는 것을 느꼈습니다. Maurice Raynal은 이후 다음과 같이 썼습니다. “적어도 우리에게는 스페인 정신에 익숙하지 않은 신비한 무언가가 그의 성격을 덮었습니다. 그의 예술의 고통스럽고 무거운 힘과 그의 쾌활한 본성, 그의 극적인 천재성과 쾌활한 성격 사이의 대조는 다음과 같습니다. 치는."
피카소는 이전의 반 고흐와 마찬가지로 반 고흐와는 완전히 다른 방식이지만 세상에 대한 자신의 가장 깊은 이해를 표현하려는 갈증을 가지고 왔습니다. 이 이유만으로도 그는 (반 고흐처럼) 인상주의의 매력에 굴복할 수 없었습니다. 묵상, "외모"의 고요한 행복은 그에게 적합하지 않았습니다. 적극적인 내면 이해의 이름으로 그는 가시적인 것의 껍질을 깨뜨려야 했습니다.
접근 방식의 활동은 오랫동안 드로잉의 우선권과 관련되어 왔으며 젊은 피카소는 드로잉을 우선권으로 되돌리는 것에서 시작했으며 Degas와 Toulouse-Lautrec보다 더 단호하고 강력하게 수행했습니다. 파란색 그림의 단색은 선의 힘을 강조한다. 푸른 빛을 띤 인물은 배경의 파란색에 익사하지 않고 명확하게 눈에 띄지만 그 자체는 배경과 거의 동일한 색상이고 주로 윤곽선으로 강조 표시됩니다. 윤곽선 내부에는 명암과 색상 모델링이 최소화되고 배경에는 원근감이 만들어내는 환상적 깊이가 부족하지만 윤곽선 자체는 볼륨감, 즉 평면의 볼륨감을 만들어냅니다. (예를 들어 뒤에서 벌거벗은 여성에 대한 녹청색 연구에서 이는 명확하게 볼 수 있습니다. 여기에는 모델링이 거의 없습니다. 이 등의 모든 풍부한 가소성, 볼륨의 방향, 형태의 충만함은 다음과 같습니다. 등고선으로 전달됩니다.)
피카소는 이미 비교할 수 없는 소묘가였습니다. Sabartes는 피카소가 작업하는 것을 보면서 손의 움직임에 대한 자신감에 놀랐다고 회상했습니다. 그의 손은 이미 캔버스에 존재하는 보이지 않는 윤곽선을 추적하는 것 같았습니다.
"블루 스타일"은 인상주의 회화에 대한 도전이며, 시각적 인식의 지시에 복종하기를 거부하고 구조적, 구성적, 생성된 이미지에 대한 결정적인 초점입니다. 그리고 이후 피카소는 그의 모든 변형 과정에서 이 원래 원칙을 결코 바꾸지 않았습니다.
연구자들은 작품에서 실명이라는 주제의 특별한 중요성에 주목합니다. 초기. 여러 버전의 "맹인의 아침 식사"구성, 소년과 함께하는 맹인 노인 그림 "맹인 기타리스트", 가이드가있는 맹인을 묘사 한 그림, 맹인 여성의 머리 조각품. 그리고 시력이 있는 사람은 거의 시각 장애인처럼 행동합니다. 그들의 눈은 반쯤 감겨 있거나 활짝 열려 있지만 움직이지 않고 서로를 바라보지 않고 손을 만지거나 더듬는 동작을 통해 소통합니다. 긴 손가락, 가늘고 매우 민감한 "고딕"손을 가진 초기 피카소 그림의 손은 시각 장애인의 손, 눈의 손입니다.
시각 장애인을 향한 이 열정은 어디서 나오는 걸까요? 그것은 단지 사람들의 극도의 박탈감을 표현하려는 욕망에서인가, 아니면 이질적인 세계에서 더듬어가는 모습을 상징적으로 보여주기 위한 것인가? 분명히 여기에는 또 다른 것이 숨겨져 있습니다. 맹목의 통찰과 동시에 사랑의 통찰이라는 아이디어입니다. 펜로즈는 실명이라는 주제를 현상의 외부적이고 시각적으로 인식되는 측면에 대한 예술가의 끊임없는 불만과 연결합니다. “외적인 측면은 항상 그에게 부족해 보였습니다. 감각적 지각과 마음의 깊은 영역이 수렴되는 지점 어딘가에는 느낌의 힘으로 보고 이해하는 내면의 눈이 있습니다. 그는 육체적인 시각으로 지각하는 것이 불가능하더라도 지각하고, 이해하고, 사랑할 수 있습니다. 이러한 인식은 외부 세계로 향하는 창문이 굳게 닫혀 있을 때 더욱 강렬해집니다.” 나중에 피카소가 한 신비한 말 중 하나가 분명해졌습니다. “모든 것은 사랑에 달려 있습니다. 이것이 항상 핵심입니다. 노래를 더 잘하려면 예술가들의 눈을 금붕어를 뽑듯이 뽑아내야 합니다.”
일반적으로 “순수한 플라스틱”으로 간주되는 문제(그림과 색상, 공간, 형태, 변형)는 피카소가 인간의 문제인 의사소통, 이해, 침투로 직면했습니다. 사람들을 하나로 모으는 것은 무엇이며, 외로움의 고통에서 그들을 구해 주는 것은 무엇입니까? 서로를 바라보고 있는 것일까요? 아니, 그들은 육감으로 서로를 느낀다. 그리고 예술가는 사물을 이해함에 있어서 육감의 도움으로 단순히 보는 것 이상으로 나아가야 하지 않을까요? 피카소는 낮에는 눈이 멀지만 어둠 속에서는 경계하는 새인 올빼미를 항상 존경했습니다.
그의 "지옥으로의 하강"에서 피카소는 인간 빈곤의 모든 슬픔을 맛보았지만 절망을 느끼지 않았습니다. 그것은 지옥보다 연옥에 더 가깝습니다. 그의 불구자와 방랑자들에게서 소망이 사라지지 아니하니 이는 사랑의 선물이 빼앗기지 아니함이라. 피카소에는 반 고흐의 녹색과 빨간색의 '카페'만큼 얼음장 같은 외로움을 발산하는 그림이 없습니다. 그는 두 존재가 분리되지 않고 조용히 함께 있기 위해 어떻게 노력하는지 끊임없이 보여줍니다. 내부 테마파란색 시대.
이는
피카소는 포옹의 모티브를 절대적인 순결함으로 해석했습니다. 여기에는 에로티시즘이 없으며 오히려 영적 에로스가 플라톤적 의미로 지배합니다. 실제로 피카소의 작품에서 에로틱한 것은 폭력과 잔인함이라는 주제와 관련하여 항상 위협적이고 우울하게 들립니다. 이것은 아마도 스페인의 특성이기도 하므로 프랑스 예술에서 배양된 쾌활한 관능미와는 다릅니다.
피카소의 예술에서 감각적 열정은 다양한 적대감 중 하나, 파괴적인 힘의 작용 영역인 "전쟁"입니다. 사람을 하나로 모으는 사랑을 이야기할 때 그는 관능적인 요소를 배제한다. 때때로 그는 자신의 캐릭터를 성별이 없는 것처럼 보이게 만들기도 합니다(비평가들은 "중성적인 특징"에 대해 썼습니다). 빈 테이블에 앉아 껴안고 잠이 드는 남자와 여자의 영양 장애, 피로, 처진 피로는 에로틱 한 연관성을 배제합니다. 버려진 두 사람이 서로 구원 받기를 원하는 욕망은 영적인 성격이 다릅니다.
사랑으로 보호받는 이 “두 사람”은 어떤 경우에만 남자와 여자, 남편과 아내, 그리고 더 자주 다른 커플입니다: 노인과 소년, 어머니와 아이, 두 자매, 심지어는 사람과 동물: 개를 안고 있는 소년, 까마귀를 안고 있는 여자, 비둘기를 안고 있는 어린 소녀.
이 모든 캐릭터는 작고 닫힌 윤곽선으로 윤곽이 그려져 있습니다. 포즈 자체는 마치 보이지 않거나 따뜻하게 유지하기 위해 무의식적으로 가능한 한 적은 공간을 차지하려고 노력하는 것처럼 보입니다. 손을 꽉 쥐고, 다리를 집어넣고, 머리를 당깁니다. 그들의 어깨에. 두 개가 있는 경우 때로는 두 인물이 모두 이 닫힌, 닫힌 구성에 포함되어 거의 문자 그대로 "하나로 변합니다".
피카소는 약자가 약자를 보호하는 그런 주제를 특히 좋아하는 것 같습니다. 그는 자녀를 보호하는 어머니라는 고대 주제를 다시 활성화시켰으며, 그의 "모성애" 중 가장 뛰어난 것은 초기 시대로 거슬러 올라간다는 점을 인정해야 합니다. 젊은 피카소는 작고 무력한 생명체에 대한 나른한 부드러움의 느낌을 깊숙이 조사했고 그에게서 고통에 가까운 무엇인가를 발견했습니다. 언뜻보기에 그의 "어머니"의 매너리즘적인 우아함에는 일종의 냉기가 있지만 그것은 바늘 끝이 벌거 벗은 마음에 닿는 냉기입니다.
Blue Period의 초기 작품 중 하나는 "비둘기와 소녀"입니다. 어린 소녀가 손바닥 사이에 비둘기를 조심스럽게 잡고 있습니다. 여기에서 피카소의 교차적 주제 중 하나가 그의 오랜 작업을 통해 공개적으로 또는 숨겨져 있거나 간접적으로, 상징적으로 또는 직접적으로 실행되는 첫 번째 탄생을 볼 수 있습니다. 이는 폭풍우가 몰아치는 강물을 헤쳐나가며 아기 그리스도를 안고 간 성 크리스토퍼의 전설과 관련이 있습니다.
다가오는 날을 보호하는 것, 시대의 격변을 통해 촛불처럼 약하고 떨리는 생명을 전달하는 것, 이것이 희망의 주제입니다. 수년 후 그것은 피카소의 평화라는 주제로 바뀌었습니다. "비둘기를 안고 있는 소녀" 이후 40여 년이 지난 후, 그는 "양을 안고 있는 남자"의 동상을 만들었습니다. 겁에 질린 양이 떨고 눈물을 흘리는데, 한 남자가 소녀가 비둘기를 안고 있는 것처럼 차분하고 조심스럽게 그것을 들고 다닙니다. 끊임없이 그를 괴롭히는 피카소의 많은 모티프는 이 숨겨진 센터 주변에 있습니다. 강한 누군가가 괴물로부터 보호하는 아이들이 놀고 있습니다(이러한 구성은 "평화의 사원"을 위한 준비 그림 중 하나입니다). 자고 있는 사람 옆에 깨어 있는 사람; 고통받는 부상당한 동물들; 마지막으로 촛불이나 횃불의 모티브-어둠을 비추는 램프 : 게르니카의 지옥으로 터진 빛의 천재가 뻗은 손에 촛불을 들고 있습니다. 때때로 약함은 강함으로, 잔인한 강함은 무력함으로 드러납니다. 미노타우로스와의 에피소드에서 우리는 눈이 멀고 약해진 반수를 자신있게 이끄는 아이를 봅니다.
피카소는 나중에 인정했습니다. “카사게마스가 죽었다는 사실을 알았을 때 나는 우울해졌습니다.” "피카소의 작품에서 1901년부터 1904년까지의 기간은 일반적으로 '청색' 시기라고 불립니다. 이 시기의 그림 대부분은 차가운 청록색 팔레트로 그려져 피로와 비극적인 빈곤의 분위기를 악화시켰기 때문입니다." 나중에 "청색" 시대라고 불린 시대에는 슬픈 장면의 이미지, 깊은 우울로 가득 찬 그림이 증가했습니다. 언뜻보기에 이 모든 것은 예술가 자신의 엄청난 활력과 양립 할 수 없습니다. 하지만 자화상을 기억하는 것은 청년커다란 슬픈 눈을 통해 우리는 "청색"시대의 그림이 당시 예술가를 소유했던 감정을 전달한다는 것을 이해합니다. 개인적인 비극은 고통받고 소외된 사람들의 삶과 슬픔에 대한 그의 인식을 날카롭게 했습니다.
역설적이지만 사실입니다. 삶의 구조의 불의는 어린 시절부터 삶의 고난에 대한 억압을 경험하거나 더 나쁘게는 사랑하는 사람에 대한 혐오를 경험한 사람들뿐만 아니라 꽤 부유한 사람들에게도 심각하게 느껴집니다. 피카소가 그 대표적인 예이다. 그의 어머니는 파블로를 사랑했고, 이 사랑은 그가 죽을 때까지 그에게 뚫을 수 없는 갑옷이 되었습니다. 끊임없이 재정적 어려움을 겪고 있던 아버지는 때때로 돈 호세가 지시한 것과 완전히 반대되는 방향으로 움직이기도 했지만 아들을 돕기 위해 최선을 다하는 방법을 알고 있었습니다. 사랑 받고 번영하는 청년은 자기 중심적이지 않았지만 그가 바르셀로나에서 형성된 퇴폐적 문화의 분위기가 이에 기여한 것 같습니다. 오히려 그는 사회 무질서, 빈자와 부자 사이의 엄청난 격차, 사회 구조의 불의, 그 비인간성, 즉 20세기 혁명과 전쟁으로 이어진 모든 것을 큰 힘으로 느꼈습니다. .
“당시 피카소의 중심 작품 중 하나인 1903년에 완성되어 현재 주립 박물관에 소장되어 있는 그림 “소년을 안고 있는 거지 노인”을 살펴보겠습니다. 미술그들을. A. S. 푸쉬킨. 평평한 중립 배경에는 앉은 두 인물, 즉 노쇠한 시각 장애인 노인과 어린 소년이 묘사되어 있습니다. 이미지는 극명하게 대비되는 대비로 여기에 제시됩니다. 마치 강력한 명암법으로 조각한 것처럼 주름이 가득한 노인의 얼굴, 눈이 깊고 움푹 패인 눈, 뼈만 앙상하고 부자연스러울 정도로 각이 진 그의 모습, 그의 다리와 팔, 그리고 그와 대조적으로 부드러운 소년의 얼굴, 부드럽게 흐르는 옷의 라인에 크게 뜬 눈. 삶의 문턱에 서있는 소년과 이미 죽음의 흔적을 남긴 낡은 노인-이러한 극단은 일종의 비극적 공통점으로 그림에서 통합됩니다. 소년의 눈은 활짝 열려 있지만 노인의 눈구멍에 있는 끔찍한 구멍처럼 보이지 않는 것처럼 보입니다. 그는 똑같은 즐거운 생각에 잠겨 있습니다. 칙칙한 파란색은 슬프게 집중된 사람들의 얼굴에 표현되는 슬픔과 절망의 분위기를 더욱 강화합니다. 여기서의 색은 실제 사물의 색도 아니고, 그림의 공간을 채우는 실제 빛의 색도 아니다. 똑같이 지루하고 치명적인 차가운 색조 파란색피카소는 사람의 얼굴, 옷, 그리고 그들이 묘사되는 배경을 전달합니다.”
이미지는 실제와 비슷하지만 그 안에는 많은 규칙이 있습니다. 노인의 신체 비율은 과장되어 있고, 불편한 포즈는 그의 망가짐을 강조한다. 얇은 것은 부자연 스럽습니다. 소년의 얼굴 특징이 너무 단순하게 전달됩니다. “작가는 이 사람들이 누구인지, 어느 나라, 어떤 시대에 속해 있는지, 왜 이 푸른 땅 위에 이렇게 옹기종기 모여 앉아 있는지에 대해 아무 말도 하지 않습니다. 그럼에도 불구하고 그림은 많은 것을 말해줍니다. 노인과 소년의 대조되는 반대 속에서 우리는 한 사람의 슬프고 즐거운 과거와 다른 사람의 절망적이고 필연적으로 우울한 미래, 그리고 두 사람 모두의 비극적인 현재를 봅니다. 가난과 외로움의 매우 슬픈 얼굴이 사진 속 슬픈 눈빛으로 우리를 바라보고 있습니다. 이 기간 동안 제작된 그의 작품에서 피카소는 단편화와 세부 묘사를 피하고 묘사된 내용의 주요 아이디어를 강조하기 위해 가능한 모든 방법으로 노력합니다. 이 아이디어는 그의 초기 작품 대부분에 공통적으로 남아 있습니다. <소년과 함께 있는 거지노인>처럼 비극적인 가난의 세계에서 사람들의 무질서, 애절한 외로움을 드러내는 데 있다.”
"청색" 기간에는 이미 언급된 그림("소년을 안고 있는 늙은 거지", "맥주 잔(사바르테스의 초상화)", "인생"), "자화상", "데이트(두 자매)" 외에 )', '여인의 머리', '비극' 등도 탄생했다.
곡예사와 어린 할리퀸 1905
스페인 예술가 파블로 피카소의 작품에서 '블루'와 '핑크' 시기는 작가 개인의 스타일이 형성되는 시기이다. 이때 인상주의에서 벗어나 툴루즈 로트레크, 드가 등 유명 예술가들의 문체를 계승했습니다.
"청색" 시대(1901-1904)
자화상. 1901년
그것은 절망과 외로움의 분위기로 결합된 푸른 톤으로 표현된 그림의 일반적인 색조 때문에 그 이름을 얻었습니다. 이 시기의 첫 번째 작품으로는 '자화상'(1901)과 '압생트 술꾼'(1901)이 있습니다. 피카소 그림의 영웅 대부분은 사회의 낮은 계층, 소외 계층, 병자 또는 사악한 사람들을 대표합니다. 후기 "파란색"작품 중에는 "Head of a Woman"(1902-1903), "Blind Man 's Breakfast"(1903), "Old Jew with a Boy"(1903), "The Ironer"라는 그림이 주목할 가치가 있습니다. (1904). 미학적으로는 새로운 묘사 방법으로 이동하고, 구성에서 불필요한 세부 사항을 제외하고, 시청자가 그림에서 불러일으키는 감정에 집중할 수 있도록 하는 다양한 솔루션을 사용하는 것이 중요합니다. 동시에, 피카소의 이러한 작품은 완전히 독창적인 것으로 간주될 수 없습니다. 그들은 부분적으로 스페인 회화의 특징인 모티프와 기법을 사용합니다. 그림에서 그러한 정서적 분위기의 형성은 삶의 현실에 큰 영향을 받았습니다. "청색" 시대의 시작은 1901년 예술가의 절친한 친구인 카를로스 카사게마스의 자살과 관련이 있습니다. 죽음의 근접성, 외로움, 자금 부족으로 인한 1903년 바르셀로나 강제 귀환 등이 그림의 우울한 성격에 영향을 미쳤습니다.
"공 위의 소녀" - 삶과 죽음의 균형
공 위의 소녀. 1905년
1905년에 그린 이 그림은 전환기의 특징적인 작품이다. 작가의 그림에서 고통과 절망, 괴로움이 점차 사라지는 시간은 서커스 공연자와 예술가들이 의인화한 인간의 기쁨을 살아가는 것에 대한 관심으로 대체됩니다. 대조(움직임과 정적, 소녀와 운동선수, 가벼움과 무거움 등)를 바탕으로 구축된 이 작품의 내용은 죽음의 괴로움과 삶의 기쁨 사이의 전환을 상징하는 것과 완전히 일치합니다.
'핑크' 시대(1904~1906)
그의 작품에서 "핑크" 시대로의 점진적인 전환은 예술가의 삶에 긍정적인 변화가 일어나기 시작한 1904년에 시작되었습니다. 페르낭드 올리비에, 많은 사람들을 만나다 흥미로운 사람들그중에는 Matisse와 Gertrude Stein이 있었습니다. 주요 주제분홍색, 빨간색, 진주 톤으로 공연된 이 시기의 작품은 메드라노 서커스의 코미디언입니다. 그림은 다양한 주제, 역학 및 움직임으로 구별됩니다. 동시에 작가는 '청색' 시대에 형성된 자신만의 스타일을 계속해서 발전시켜 나가고 있습니다. "The Acrobat and the Young Harlequin"(1905), "A Family of Comedians"(1905), "The Jester"(1905) 등의 작품은 "핑크"시대 말기에 영감을 얻은 이미지에 속합니다. 고대 신화에 따르면 피카소의 그림에는 "염소를 안고 있는 소녀"(1906), "말을 이끄는 소년"(1906), "빗질"(1906), 누드 소년(1906) 등 누드 묘사에 대한 관심이 나타납니다.
