L’art de la Grèce antique est devenu le support et le fondement sur lequel s’est développée toute la civilisation européenne. La sculpture de la Grèce antique est un sujet particulier. Sans la sculpture ancienne, il n'y aurait pas de chefs-d'œuvre brillants de la Renaissance et il est difficile d'imaginer le développement ultérieur de cet art. Dans l'histoire du développement de la sculpture grecque antique, trois grandes étapes peuvent être distinguées : archaïque, classique et hellénistique. Chacun a quelque chose d'important et de spécial. Regardons chacun d'eux.
Archaïque
Cette période comprend les sculptures créées du 7ème siècle avant JC au début du 5ème siècle avant JC. L'époque nous a donné des figures de jeunes guerriers nus (kuros), ainsi que de nombreuses figures féminines vêtues (koras). Les sculptures archaïques se caractérisent par une certaine esquisse et une certaine disproportion. En revanche, chaque œuvre du sculpteur séduit par sa simplicité et son émotivité retenue. Les personnages de cette époque se caractérisent par un demi-sourire, ce qui confère aux œuvres mystère et profondeur.
La "Déesse à la grenade", conservée au Musée national de Berlin, est l'une des sculptures archaïques les mieux conservées. Malgré la rugosité extérieure et les « fausses » proportions, l’attention du spectateur est attirée sur les mains de la sculpture, exécutée avec brio par l’auteur. Le geste expressif de la sculpture la rend dynamique et surtout expressive.
"Kouros du Pirée", qui orne la collection du Musée d'Athènes, est une œuvre plus tardive, et donc plus avancée, du sculpteur antique. Devant le spectateur se trouve un jeune guerrier puissant. Une légère inclinaison de la tête et des gestes de la main indiquent une conversation paisible que mène le héros. Les proportions perturbées ne sont plus aussi frappantes. Et les traits du visage ne sont pas aussi généralisés que dans les premières sculptures de la période archaïque.
Classique
La plupart des gens associent les sculptures de cette époque particulière à l’art plastique ancien.
À l'époque classique, des sculptures aussi célèbres qu'Athéna Parthénos, Zeus Olympien, Discobole, Doryphore et bien d'autres ont été créées. L'histoire a conservé pour la postérité les noms de sculpteurs marquants de l'époque : Polyclète, Phidias, Myron, Scopas, Praxitèle et bien d'autres.
Les chefs-d'œuvre de la Grèce classique se distinguent par l'harmonie, les proportions idéales (ce qui indique une excellente connaissance de l'anatomie humaine), ainsi que par le contenu et la dynamique internes.
C'est la période classique qui se caractérise par l'apparition des premières figures féminines nues (l'Amazone blessée, Aphrodite de Cnide), qui donnent une idée de l'idéal de beauté féminine aux belles heures de l'Antiquité.
Hellénisme
L'Antiquité grecque tardive se caractérise par une forte influence orientale sur l'ensemble de l'art en général et sur la sculpture en particulier. Des angles complexes, des draperies exquises et de nombreux détails apparaissent.
L'émotivité et le tempérament orientaux pénètrent dans le calme et la majesté des classiques.
Aphrodite de Cyrène, décorant le musée romain des Thermes, est pleine de sensualité, voire de coquetterie.
La composition sculpturale la plus célèbre de l'époque hellénistique est Laocoon et ses fils d'Agesander de Rhodes (le chef-d'œuvre est conservé dans l'un des). La composition est pleine de drame, l'intrigue elle-même suggère des émotions fortes. Résistant désespérément aux serpents envoyés par Athéna, le héros lui-même et ses fils semblent comprendre que leur sort est terrible. La sculpture est réalisée avec une précision extraordinaire. Les figurines sont en plastique et réelles. Les visages des personnages font forte impression sur le spectateur.
classique de la sculpture grecque antique
Sculpture grecque antique de la période classique
En parlant de l'art des civilisations anciennes, nous nous souvenons et étudions tout d'abord l'art de la Grèce antique, et en particulier sa sculpture. En vérité, dans ce beau petit pays, cette forme d’art a atteint une telle hauteur qu’elle est encore aujourd’hui considérée comme une norme dans le monde entier. L'étude des sculptures de la Grèce antique nous permet de mieux comprendre la vision du monde des Grecs, leur philosophie, leurs idéaux et leurs aspirations. Dans la sculpture, plus que partout ailleurs, se manifeste l'attitude envers l'homme, qui dans la Grèce antique était la mesure de toutes choses. C'est la sculpture qui nous donne l'occasion de juger les idées religieuses, philosophiques et esthétiques des Grecs anciens. Tout cela permet de mieux comprendre les raisons de l’essor, du développement et de la chute de cette civilisation.
Le développement de la civilisation grecque antique est divisé en plusieurs étapes - époques. Tout d’abord, brièvement, je parlerai de l’époque archaïque, car elle a précédé l’ère classique et « a donné le ton » à la sculpture.
La période archaïque marque le début de la formation de la sculpture grecque antique. Cette époque était également divisée en archaïque précoce (650 - 580 avant JC), haute (580 - 530 avant JC) et tardive (530 - 480 avant JC). La sculpture était l'incarnation d'une personne idéale. Elle exaltait sa beauté, sa perfection physique. Les premières sculptures uniques sont représentées par deux types principaux : l'image d'un jeune homme nu - kouros et la figure d'une fille vêtue d'un long chiton ajusté - kora.
La sculpture de cette époque était très similaire à celle égyptienne. Et ce n'est pas surprenant : les Grecs, se familiarisant avec la culture égyptienne et les cultures d'autres pays de l'Orient ancien, ont beaucoup emprunté et ont découvert dans d'autres cas des similitudes avec elles. Certains canons ont été observés dans la sculpture, ils étaient donc très géométriques et statiques : une personne fait un pas en avant, ses épaules sont redressées et ses bras sont abaissés le long du corps, un sourire stupide joue toujours sur ses lèvres. De plus, les sculptures étaient peintes : cheveux dorés, yeux bleus, joues roses.
Au début de l'ère classique, ces canons sont toujours en vigueur, mais plus tard l'auteur commence à s'éloigner de la statique, la sculpture acquiert du caractère et un événement, une action, se produit souvent.
La sculpture classique constitue la deuxième époque du développement de la culture grecque antique. Il est également divisé en étapes : style classique primitif ou strict (490 - 450 avant JC), haut (450 - 420 avant JC), style riche (420 - 390 avant JC), classique tardif (390 - environ 320 avant JC).
À l’ère des premiers classiques, une certaine refonte de la vie a lieu. La sculpture acquiert personnage héroïque. L'art se libère du cadre rigide qui l'enchaînait à l'époque archaïque ; c'est une époque de recherche de nouveaux développements intensifs de diverses écoles et directions et de création d'œuvres diverses. Les deux types de figures – kurosu et kore – sont remplacés par une bien plus grande variété de types ; les sculptures s'efforcent de transmettre le mouvement complexe du corps humain.
Tout cela se déroule dans le contexte de la guerre avec les Perses, et c'est cette guerre qui a tellement changé la pensée grecque antique. Les centres culturels ont été déplacés et sont aujourd'hui les villes d'Athènes, du nord du Péloponnèse et de l'ouest grec. À cette époque, la Grèce avait atteint le point culminant de sa croissance économique, politique et culturelle. Athènes a pris une place prépondérante dans l'union des villes grecques. La société grecque était démocratique, fondée sur les principes de l'égalité d'activité. Tous les hommes habitant Athènes, à l’exception des esclaves, étaient des citoyens égaux. Et ils jouissaient tous du droit de vote et pouvaient être élus à n’importe quelle fonction publique. Les Grecs étaient en harmonie avec la nature et ne supprimaient pas leurs désirs naturels. Tout ce que faisaient les Grecs était la propriété du peuple. Des statues se dressaient dans les temples et sur les places, sur les palestres et au bord de la mer. Ils étaient présents sur les frontons et dans les décorations des temples. Comme à l’époque archaïque, les sculptures étaient peintes.
Malheureusement, la sculpture grecque nous est parvenue principalement sous forme de décombres. Bien que, selon Plutarque, il y avait plus de statues à Athènes que de personnes vivantes. De nombreuses statues nous sont parvenues sous forme de copies romaines. Mais ils sont assez rudimentaires comparés aux originaux grecs.
L'un des sculpteurs les plus célèbres des premiers classiques est Pythagore de Rhegium. Peu de ses œuvres nous sont parvenues et ses œuvres ne sont connues que grâce aux mentions d'auteurs anciens. Pythagore est devenu célèbre pour sa représentation réaliste des veines, des veines et des cheveux humains. Plusieurs copies romaines de ses sculptures ont survécu : « Garçon sortant un éclat », « Jacinthe », etc. De plus, on lui attribue la célèbre statue en bronze « Le Char », trouvée à Delphes. Pythagore de Rhegium a créé plusieurs statues en bronze des athlètes vainqueurs des Jeux Olympiques et Delphiques. Et il possède les statues d'Apollon - le Tueur de Python, l'Enlèvement d'Europe, Etéocle, Polynice et le Philoctète blessé.
On sait que Pythagore de Rhegium était un contemporain et un rival de Myron. C'est un autre sculpteur célèbre de cette époque. Et il est devenu célèbre comme le plus grand réaliste et expert en anatomie. Mais malgré tout cela, Myron n’a pas su donner vie et expression aux visages de ses œuvres. Miron a créé des statues d'athlètes - vainqueurs de compétitions, reproduites héros célèbres, dieux et animaux, était particulièrement excellent pour représenter des poses difficiles qui semblaient très réalistes.
Le meilleur exemple d’une telle sculpture est le célèbre « Discobole ». Les écrivains anciens mentionnent également la célèbre sculpture de Marsyas et d'Athéna. Ce célèbre groupe sculptural nous est parvenu en plusieurs exemplaires. En plus des personnes, Myron a également représenté des animaux, son image des « vaches » étant particulièrement célèbre.
Myron travaillait principalement le bronze ; ses œuvres n'ont pas survécu et sont connues grâce aux témoignages d'auteurs anciens et aux copies romaines. Il était également un maître en toreutique : il fabriquait des tasses en métal avec des images en relief.
Un autre sculpteur célèbre de cette période est Kalamis. Il créa des statues en marbre, en bronze et chryséléphantines et représenta principalement des dieux, des figures héroïques féminines et des chevaux. L'art de Kalamis peut être jugé par la copie qui nous est parvenue plus tard d'une statue d'Hermès portant un bélier qu'il fit pour Tanagra. La figure du dieu lui-même est exécutée dans un style archaïque, avec l'immobilité de la pose et la symétrie de la disposition des membres caractéristiques de ce style ; mais le bélier porté par Hermès se distingue déjà par une certaine vitalité.
De plus, les frontons et les métopes du temple de Zeus à Olympie font partie des monuments de la sculpture grecque antique des premiers classiques. Une autre œuvre importante des premiers classiques est ce qu’on appelle le « Trône de Ludovisi ». Il s'agit d'un autel en marbre à trois côtés représentant la naissance d'Aphrodite, sur les côtés de l'autel se trouvent des hétaïres et des épouses, symbolisant différentes hypostases d'amour ou des images de service à la déesse.
Les grands classiques sont représentés par les noms de Phidias et Polyclète. Son apogée à court terme est associée aux travaux sur l'Acropole athénienne, c'est-à-dire à la décoration sculpturale du Parthénon. Le summum de la sculpture grecque antique était apparemment les statues d'Athéna Parthénos et de Zeus Olympien de Phidias.
Phidias est l'un des meilleurs représentants du style classique et il suffit de dire qu'il est considéré comme le fondateur de l'art européen. L'école attique de sculpture, qu'il dirige, occupe une place de premier plan dans l'art des grands classiques.
Phidias connaissait les réalisations de l'optique. Une histoire a été conservée sur sa rivalité avec Alcamène : tous deux étaient des statues commandées d'Athéna, qui étaient censées être érigées sur de hautes colonnes. Phidias a réalisé sa statue en fonction de la hauteur de la colonne : au sol, elle semblait laide et disproportionnée. Le cou de la déesse était très long. Lorsque les deux statues furent érigées sur de hauts piédestaux, la justesse de Phidias devint évidente. Ils notent l'énorme habileté de Phidias dans l'interprétation des vêtements, dans laquelle il surpasse à la fois Myron et Polyclète.
La plupart de ses œuvres n'ont pas survécu ; nous ne pouvons en juger qu'à partir de descriptions d'auteurs anciens et de copies. Néanmoins, sa renommée était colossale. Et ils étaient tellement nombreux qu’il en restait déjà beaucoup. Les œuvres les plus célèbres de Phidias - Zeus et Athéna Parthénos ont été réalisées selon la technique chrysoéléphantine - or et ivoire.
La hauteur de la statue de Zeus, ainsi que du piédestal, était, selon diverses sources, de 12 à 17 mètres. Les yeux de Zeus avaient la taille du poing d'un adulte. La cape qui recouvrait une partie du corps de Zeus, le sceptre avec un aigle dans la main gauche, la statue de la déesse Nike dans la droite et la couronne sur sa tête sont en or. Zeus est assis sur un trône ; quatre Nikes dansantes sont représentées sur les pieds du trône. Sont également représentés : des centaures, des lapithes, les exploits de Thésée et d'Hercule, des fresques illustrant la bataille des Grecs contre les Amazones.
L'Athéna Parthénon était, comme la statue de Zeus, immense et réalisée selon la technique chrysoéléphantine. Seule la déesse, contrairement à son père, ne s'asseyait pas sur le trône, mais se tenait debout pleine hauteur. "Athéna elle-même est faite d'ivoire et d'or... La statue la représente de toute sa hauteur dans une tunique jusqu'à la plante des pieds, sur sa poitrine se trouve la tête de Méduse en ivoire, dans sa main elle tient une image de Nike, environ quatre coudées, et de l'autre main - - une lance. A ses pieds se trouve un bouclier, et près de sa lance se trouve un serpent ; ce serpent est probablement Erichthonius. (Description de la Hellas, XXIV, 7).
Le casque de la déesse avait trois crêtes : celle du milieu avec un sphinx, celles latérales avec des griffons. Comme l’écrit Pline l’Ancien, à l’extérieur du bouclier il y avait une bataille avec les Amazones, à l’intérieur il y avait un combat entre dieux et géants, et sur les sandales d’Athéna il y avait une image d’une centauromachie. La base était décorée d'une histoire de Pandore. La tunique, le bouclier, les sandales, le casque et les bijoux de la déesse sont tous en or.
Sur les copies en marbre, la main de la déesse avec Niké est soutenue par un pilier ; son existence dans l'original fait l'objet de nombreux débats. Nika semble petite, en réalité sa taille était de 2 mètres.
Athéna Promachos est une image colossale de la déesse Athéna brandissant une lance sur l'Acropole athénienne. Érigé en mémoire des victoires sur les Perses. Sa hauteur atteignait 18,5 mètres et dominait tous les bâtiments environnants, brillant de loin sur la ville. Malheureusement, cette déesse de bronze n'a pas survécu jusqu'à nos jours. Et nous n'en savons que par des sources chroniques.
Athéna Lemnia - une statue en bronze de la déesse Athéna, créée par Phidias, nous est également connue grâce à des copies. Il s'agit d'une statue en bronze représentant une déesse appuyée sur une lance. Il doit son nom à l'île de Lemnos, pour les habitants de laquelle il a été conçu.
L'Amazone blessée, une statue qui a remporté la deuxième place au célèbre concours de sculpture pour le temple d'Artémis d'Éphèse. Outre les sculptures ci-dessus, d'autres sont également attribuées à Phidias, sur la base de similitudes stylistiques: une statue de Déméter, une statue de Koré, un relief d'Éleusis, Anadumen (un jeune homme nouant un bandage autour de sa tête), Hermès Ludovisi, Apollon tibérien, Apollon de Kassel.
Malgré le talent, ou plutôt le don divin, de Phidias, ses relations avec les habitants d'Athènes n'étaient pas du tout chaleureuses. Comme l'écrit Plutarque dans sa Vie de Périclès, Phidias était le principal conseiller et assistant de Périclès (un homme politique athénien, célèbre orateur et commandant).
«Comme il était un ami de Périclès et jouissait d'une grande autorité auprès de lui, il avait de nombreux ennemis personnels et envieux. Ils persuadèrent l'un des assistants de Phidias, Menon, de dénoncer Phidias et de l'accuser de vol. Phidias était accablé par l'envie de la gloire de ses œuvres... Lorsque son cas fut examiné par l'Assemblée populaire, il n'y avait aucune preuve de vol. Mais Phidias fut envoyé en prison et y mourut de maladie.
Polyclète l'Ancien est un sculpteur et théoricien de l'art grec ancien, contemporain de Phidias. Contrairement à Phidias, ce n’était pas à si grande échelle. Cependant, sa sculpture a un certain caractère : Polyclète aimait représenter des athlètes en état de repos et se spécialisait dans la représentation d'athlètes, vainqueurs olympiques. Il fut le premier à penser à poser les personnages de manière à ce qu'ils reposent sur la partie inférieure d'une seule jambe. Polyclète savait montrer le corps humain en état d'équilibre - sa figure humaine au repos ou au rythme lent semble mobile et animée. Un exemple en est la célèbre statue de Polyclète « Doriphoros » (lancier). C’est dans cette œuvre que s’incarnent les idées de Polyclète sur les proportions idéales du corps humain, qui sont numériquement proportionnelles les unes aux autres. On croyait que la figure avait été créée sur la base des dispositions du pythagorisme. C'est pourquoi, dans les temps anciens, la statue de Doryphore était souvent appelée le « canon de Polyclète ». Les formes de cette statue se retrouvent dans la plupart des œuvres du sculpteur et de son école. La distance du menton au sommet de la tête dans les statues de Polyclète est d'un septième, tandis que la distance des yeux au menton est d'un seizième, et la hauteur du visage est d'un dixième de la figure entière. Polyclète est étroitement lié à la tradition pythagoricienne. « Le Canon de Polyclète » est un traité théorique du sculpteur, créé par Polyclète pour que d'autres artistes puissent l'utiliser. En effet, le chanoine de Polyclète a eu une grande influence sur culture européenne, malgré le fait que seuls deux fragments ont survécu du travail théorique, les informations à ce sujet sont fragmentaires et la base mathématique n'a pas encore été définitivement déduite.
Outre le lancier, d'autres œuvres du sculpteur sont connues : « Diadumen » (« Jeune homme attachant un bandage »), « Amazone blessée », une statue colossale d'Héra à Argos. Il était fabriqué selon la technique chrysoéléphantine et était perçu comme un pandan de Phidias le Zeus Olympien, « Discophoros » (« Jeune homme tenant un disque »). Malheureusement, ces sculptures n'ont survécu que dans d'anciennes copies romaines.
Au stade « Rich Style », on connaît les noms de sculpteurs comme Alkamen, Agorakrit, Callimachus, etc.
Alcamène, sculpteur grec, élève, rival et successeur de Phidias. Alcamène était considéré comme l'égal de Phidias et, après la mort de ce dernier, il devint le principal sculpteur d'Athènes. Son Hermès en forme d'hermès (un pilier couronné de la tête d'Hermès) est connu en de nombreux exemplaires. A proximité, près du temple d'Athéna Niké, se trouvait une statue d'Hécate, qui représentait trois personnages reliés par le dos. Sur l'Acropole d'Athènes, un groupe appartenant à Alkamen a également été retrouvé - Procne, levant un couteau sur son fils Itis, qui cherchait le salut dans les plis de ses vêtements. Dans le sanctuaire sur le versant de l'Acropole se trouvait une statue de Dionysos assis appartenant à Alkamen. Alkamen a également créé une statue d'Arès pour le temple de l'agora et une statue d'Héphaïstos pour le temple d'Héphaïstos et d'Athéna.
Alcamène a vaincu Agoracritus dans un concours pour créer une statue d'Aphrodite. Mais l'Aphrodite assise dans les jardins, au pied nord de l'Acropole, est encore plus célèbre. Elle est représentée sur de nombreux vases attiques à figures rouges entourée d'Eros, de Peyto et d'autres incarnations du bonheur qu'apporte l'amour. La tête souvent répétée par les copistes anciens, appelée « Sappho », a peut-être été copiée de cette statue. La dernière œuvre d'Alkamen est un relief colossal représentant Hercule et Athéna. Alcamène est probablement mort peu de temps après.
Agorakritos était également un élève de Phidias et, comme on dit, son favori. Lui, comme Alkamen, a participé à la création de la frise du Parthénon. Les deux œuvres les plus célèbres d'Agorakritos sont la statue culte de la déesse Némésis (refaite par Athéna après le duel avec Alcaménès), offerte au temple de Ramnos, et la statue de la Mère des Dieux à Athènes (parfois attribuée à Phidias). . Parmi les œuvres mentionnées par les auteurs anciens, seules les statues de Zeus-Hadès et d'Athéna à Coronea appartenaient sans aucun doute à Agorakrit. De ses œuvres, seule une partie de la tête de la statue colossale de Némésis et des fragments des reliefs qui décoraient la base de cette statue ont survécu. Selon Pausanias, la base représentait la jeune Hélène (fille de Némésis), avec Léda qui la allaitait, son mari Ménélas et d'autres parents d'Hélène et Ménélas.
Le caractère général de la sculpture classique tardive a été déterminé par le développement de tendances réalistes.
Scopas est l'un des plus grands sculpteurs de cette période. Skopas, préservant les traditions de l'art monumental des grands classiques, imprègne ses œuvres de drame, révèle-t-il sentiments compliqués et les expériences humaines. Les héros de Skopas continuent d’incarner les qualités parfaites d’un peuple fort et vaillant. Cependant, Skopas introduit les thèmes de la souffrance et de l’effondrement interne dans l’art de la sculpture. Ce sont les images de guerriers blessés des frontons du temple d'Athéna Aley à Tégée. La plasticité, un jeu de clair-obscur aigu et agité, souligne le drame de ce qui se passe.
Skopas a préféré travailler le marbre, abandonnant presque le matériau privilégié par les maîtres des grands classiques : le bronze. Le marbre a permis de transmettre jeu subtil ombre et lumière, contrastes de textures variés. Sa Ménade (Bacchantes), qui survit dans une petite copie antique endommagée, incarne l'image d'un homme possédé par un violent élan de passion. La danse de la Ménade est rapide, la tête est rejetée en arrière, les cheveux tombent en une lourde vague sur les épaules. Le mouvement des plis courbes de son chiton souligne l'impulsion rapide du corps.
Les images de Skopas sont soit profondément réfléchies, comme le jeune homme de la pierre tombale de la rivière Ilissa, soit vives et passionnées.
La frise du mausolée d'Halicarnasse représentant la bataille entre les Grecs et les Amazones a été conservée dans l'original.
L'impact de l'art de Skopas sur le développement ultérieur des arts plastiques grecs fut énorme et ne peut être comparé qu'à l'impact de l'art de son contemporain Praxitèle.
Dans son travail, Praxitèle se tourne vers des images imprégnées d’un esprit d’harmonie claire et pure, de réflexion calme et de contemplation sereine. Praxitèle et Scopas se complètent, révélant les différents états et sentiments d'une personne, son monde intérieur.
Représentant de beaux héros harmonieusement développés, Praxitèle révèle également des liens avec l'art des grands classiques, cependant, ses images perdent l'héroïsme et la grandeur monumentale des œuvres de l'apogée, mais acquièrent un caractère plus lyriquement raffiné et contemplatif.
La maîtrise de Praxitèle se révèle le plus pleinement dans le groupe de marbre « Hermès avec Dionysos ». La courbe gracieuse de la silhouette, la pose détendue au repos du jeune corps élancé, le beau visage spirituel d'Hermès sont transmis avec une grande habileté.
Praxitèle a créé un nouvel idéal de beauté féminine, l'incarnant à l'image d'Aphrodite, représentée au moment où, après s'être déshabillée, elle s'apprête à entrer dans l'eau. Bien que la sculpture soit destinée à des fins cultes, l'image de la belle déesse nue était libérée de la majesté solennelle. "Aphrodite de Cnide" a provoqué de nombreuses répétitions dans les temps ultérieurs, mais aucune d'entre elles ne pouvait se comparer à l'original.
La sculpture d'« Apollo Saurocton » est l'image d'un adolescent gracieux visant un lézard courant le long d'un tronc d'arbre. Praxitèle repense les images mythologiques, des traits y apparaissent Vie courante, éléments du genre.
Si dans l'art de Scopas et de Praxitèle il existe encore des liens tangibles avec les principes de l'art des grands classiques, alors dans culture artistique, dernier tiers du IVe siècle. avant JC e., ces liens sont de plus en plus affaiblis.
Grande importance dans la vie sociale et politique ancien monde acquis par la Macédoine. Tout comme la guerre avec les Perses a changé et repensé la culture de la Grèce au début du Ve siècle. avant JC e. Après les campagnes victorieuses d'Alexandre le Grand et sa conquête des cités-États grecques, puis des vastes territoires d'Asie devenus partie de l'État macédonien, une nouvelle étape dans le développement de la société antique a commencé - la période de l'hellénisme. La période de transition entre les classiques tardifs et la période hellénistique proprement dite se distingue par ses caractéristiques particulières.
Lysippe est le dernier grand maître des classiques tardifs. Son œuvre se déroule dans les années 40-30. Vème siècle avant JC e., sous le règne d'Alexandre le Grand. Dans l'art de Lysippe, ainsi que dans le travail de ses grands prédécesseurs, la tâche de révéler les expériences humaines a été résolue. Il a commencé à introduire des caractéristiques d'âge et de profession plus clairement exprimées. Ce qui est nouveau dans l’œuvre de Lysippe, c’est son intérêt pour ce qui est typiquement expressif chez l’homme, ainsi que pour l’expansion des possibilités visuelles de la sculpture.
Lysippe a incarné sa compréhension de l'image de l'homme dans la sculpture d'un jeune homme se grattant le sable après un concours - « Apoxiomène », qu'il représente non pas dans un moment d'effort, mais dans un état de fatigue. La silhouette élancée de l'athlète est représentée dans un tour complexe, ce qui oblige le spectateur à marcher autour de la sculpture. Le mouvement se déploie librement dans l'espace. Le visage exprime la fatigue, les yeux enfoncés et ombragés regardent au loin.
Lysippe transmet habilement le passage d'un état de repos à l'action et vice versa. C'est l'image d'Hermès au repos.
L'œuvre de Lysippe fut d'une grande importance pour le développement du portrait. Les portraits qu'il a réalisés d'Alexandre le Grand révèlent un profond intérêt pour la révélation du monde spirituel du héros. Le plus remarquable est la tête en marbre d'Alexandre, qui traduit sa nature complexe et contradictoire.
L'art de Lysippe occupe la zone frontière au tournant des époques classique et hellénistique. Cela reste fidèle aux concepts classiques, mais cela les mine déjà de l’intérieur, créant les bases d’un passage à autre chose, plus détendu et plus prosaïque. En ce sens, la tête d'un combattant au poing est indicative, n'appartenant pas à Lysippe, mais peut-être à son frère Lysistratus, qui était également sculpteur et, comme on disait, fut le premier à utiliser des masques tirés du visage du modèle pour les portraits (répandus dans l'Egypte ancienne, mais complètement étrangers à l'art grec). Il est possible que la tête d'un combattant au poing ait également été réalisée à l'aide de ce masque ; on est loin du canon, loin des idées idéales de perfection physique que les Hellènes incarnaient à l'image d'un athlète. Ce vainqueur d'un combat au poing n'est pas du tout comme un demi-dieu, juste un artiste pour une foule désœuvrée. Son visage est rugueux, son nez aplati, ses oreilles gonflées. Ce type d'images « naturalistes » est ensuite devenu courant dans l'hellénisme ; un combattant encore plus disgracieux a été sculpté par le sculpteur attique Apollonius dès le 1er siècle avant JC. e.
Ce qui jetait auparavant des ombres sur la structure lumineuse de la vision hellénique du monde est survenu à la fin du IVe siècle avant JC. e. : décomposition et mort de la polis démocratique. Cela a commencé avec l’essor de la Macédoine, la région nord de la Grèce, et la quasi-prise de tous les États grecs par le roi macédonien Philippe II.
Alexandre le Grand a goûté aux fruits de la plus haute culture grecque dans sa jeunesse. Son professeur était le grand philosophe Aristote et ses artistes de cour étaient Lysippe et Apelles. Cela ne l'a pas empêché, après avoir conquis l'État perse et pris le trône des pharaons égyptiens, de se déclarer dieu et d'exiger qu'il reçoive également les honneurs divins en Grèce. Peu habitués aux coutumes orientales, les Grecs ont ri et ont dit : « Eh bien, si Alexandre veut être un dieu, qu'il le soit » - et l'ont officiellement reconnu comme le fils de Zeus. Cependant, la démocratie grecque, sur laquelle s'est développée sa culture, est morte sous Alexandre et n'a pas été relancée après sa mort. L’État nouvellement émergé n’était plus grec, mais grec-oriental. L'ère de l'hellénisme est arrivée - l'unification sous les auspices de la monarchie des cultures hellénique et orientale.
Le cinquième siècle de l’histoire de la sculpture grecque de la période classique peut être qualifié de « pas en avant ». Le développement de la sculpture dans la Grèce antique au cours de cette période est associé aux noms de maîtres aussi célèbres que Myron, Polyclène et Phidias. Dans leurs créations, les images deviennent plus réalistes, si l'on peut dire, voire « vivantes », et le schématisme qui les caractérisait . Mais les principaux « héros » restent les dieux et les personnes « idéales ».
Myron, qui vécut au milieu du Ve siècle. avant JC e, que nous connaissons par des dessins et des copies romaines. Ce brillant maître maîtrisait parfaitement la plasticité et l'anatomie et exprimait clairement la liberté de mouvement dans ses œuvres (« Discobole »). On connaît également son œuvre «Athéna et Marsyas», créée sur la base du mythe de ces deux personnages. Selon la légende, Athéna a inventé la flûte, mais en jouant, elle a remarqué à quel point l'expression de son visage avait changé de colère, elle a jeté l'instrument et a maudit tous ceux qui voulaient en jouer. Elle était surveillée tout le temps par la divinité de la forêt Marsyas, qui avait peur de la malédiction. Le sculpteur a tenté de montrer la lutte de deux opposés : le calme face à Athéna et la sauvagerie face à Marsyas. Les connaisseurs d'art moderne admirent toujours son travail et ses sculptures animalières. Par exemple, environ 20 épigrammes ont été conservées sur une statue en bronze d'Athènes.
Polyclète, qui travaillait à Argos, dans la seconde moitié du Ve siècle. avant JC e, est un éminent représentant de l'école du Péloponnèse. La sculpture de la période classique est riche de ses chefs-d'œuvre. Il était un maître de la sculpture sur bronze et un excellent théoricien de l'art. Polyclète préférait représenter des athlètes, en qui les gens ordinaires voyaient toujours un idéal. Parmi ses œuvres figurent les célèbres statues de « Doryphore » et de « Diadumen ». Le premier métier est celui d’un guerrier fort, armé d’une lance, incarnation d’une dignité calme. Le second est un jeune homme élancé avec un bandage de vainqueur du concours sur la tête.
Phidias est un autre représentant éminent du créateur de sculpture. Son nom résonnait vivement à l’apogée de l’art classique grec. Ses sculptures les plus célèbres étaient les statues colossales d'Athéna Parthénos et de Zeus dans le Temple olympique en bois, or et ivoire, et d'Athéna Promachos, en bronze et situées sur la place de l'Acropole d'Athènes. Ces chefs-d’œuvre de l’art sont irrémédiablement perdus. Seules les descriptions et les petites copies romaines nous donnent une vague idée de la magnificence de ces sculptures monumentales.
Athéna Parthénos, une sculpture saisissante de la période classique, a été construite dans le temple du Parthénon. Il avait une base en bois de 12 mètres, le corps de la déesse était recouvert de plaques d'ivoire et les vêtements et les armes eux-mêmes étaient en or. Le poids approximatif de la sculpture est de deux mille kilogrammes. Étonnamment, les pièces d’or étaient retirées et pesées à nouveau tous les quatre ans, puisqu’elles constituaient le fonds d’or de l’État. Phidias a décoré le bouclier et le piédestal de reliefs sur lesquels il se représentait lui-même et Périclès combattant les Amazones. Pour cela, il fut accusé de sacrilège et envoyé en prison, où il mourut.
La statue de Zeus est un autre chef-d’œuvre de la sculpture de la période classique. Sa hauteur est de quatorze mètres. La statue représente la divinité grecque suprême assise avec la déesse Nike à la main. La statue de Zeus, selon de nombreux historiens de l'art, est la plus grande création de Phidias. Il a été construit selon la même technique que lors de la création de la statue d'Athéna Parthénos. La figure était en bois, représentée nue jusqu'à la taille et recouverte de plaques d'ivoire, et les vêtements étaient recouverts de feuilles d'or. Zeus était assis sur le trône et dans sa main droite il tenait la figure de la déesse de la victoire Niké, et dans sa gauche il y avait un bâton, symbole de pouvoir. Les anciens Grecs considéraient la statue de Zeus comme une autre merveille du monde.
Athéna Promachos (vers 460 avant JC), une sculpture en bronze de 9 mètres de la Grèce antique, a été construite au milieu des ruines après la destruction de l'Acropole par les Perses. Phidias « donne naissance » à une Athéna complètement différente - sous la forme d'un guerrier, protecteur important et strict de sa ville. Elle a une puissante lance dans sa main droite, un bouclier dans sa gauche et un casque sur la tête. Athéna dans cette image représentait la puissance militaire d'Athènes. Cette sculpture de la Grèce antique semblait régner sur la ville, et tous ceux qui voyageaient par mer le long des rivages pouvaient contempler le sommet de la lance et la crête du casque de la statue scintillant sous les rayons du soleil, recouverts d'or. En plus des sculptures de Zeus et d'Athéna, Phidias crée des images en bronze d'autres dieux en utilisant la technique chrysoéléphantine et participe à des concours de sculpture. Il fut également le chef de grands travaux de construction, par exemple la construction de l'Acropole.
La sculpture de la Grèce antique reflétait la beauté physique et intérieure et l’harmonie de l’homme. Déjà au IVe siècle, après la conquête d'Alexandre le Grand en Grèce, de nouveaux noms de sculpteurs talentueux sont devenus connus, tels que Scopas, Praxitèle, Lysippe, Timothée, Léochares et d'autres. Les créateurs de cette époque commencent à accorder plus d'attention à l'état interne d'une personne, à son état psychologique et à ses émotions. De plus en plus, les sculpteurs reçoivent des commandes individuelles de citoyens fortunés, dans lesquelles ils demandent à représenter des personnalités célèbres.
Un célèbre sculpteur de la période classique était Scopas, qui vécut au milieu du IVe siècle avant JC. Il introduit l'innovation en révélant le monde intérieur d'une personne, en essayant de représenter des émotions de joie, de peur et de bonheur dans des sculptures. Cet homme talentueux a travaillé dans de nombreuses villes grecques. Ses sculptures de la période classique sont riches en images de dieux et de héros divers, de compositions et de reliefs sur des thèmes mythologiques. Il n'avait pas peur d'expérimenter et représentait des personnes dans diverses poses complexes, à la recherche de nouvelles possibilités artistiques pour représenter de nouveaux sentiments sur le visage humain (passion, colère, rage, peur, tristesse). Une merveilleuse création de sculpture ronde est la statue de la Ménade ; une copie romaine en a aujourd'hui été conservée. Une nouvelle œuvre de relief aux multiples facettes peut être appelée l'Amazonomachie, qui orne le mausolée d'Halicarnasse en Asie Mineure.
Praxitèle était un éminent sculpteur de la période classique qui vivait à Athènes vers 350 avant JC. Malheureusement, seule la statue d'Hermès d'Olympie nous est parvenue, et nous ne connaissons le reste des œuvres que grâce à des copies romaines. Praxitèle, comme Scopas, essayait de transmettre les sentiments des gens, mais il préférait exprimer des émotions « plus légères » et agréables à la personne. Il a transféré les émotions lyriques, la rêverie aux sculptures et a glorifié la beauté du corps humain. Le sculpteur ne forme pas de figures en mouvement. Parmi ses œuvres, il faut noter « Le Satyre au repos », « Aphrodite de Cnide », « Hermès avec l'enfant Dionysos », « Apollon tuant le lézard ».
L'œuvre la plus célèbre est la statue d'Aphrodite de Cnide. Il a été réalisé sur commande pour les habitants de l'île de Kos en deux exemplaires. Le premier est habillé et le second est nu. Les habitants de Kos préféraient Aphrodite en termes de vêtements et les Cnidiens en acquérirent un deuxième exemplaire. La statue d'Aphrodite dans le sanctuaire de Cnide resta longtemps un lieu de pèlerinage. Scopas et Praxitèle furent les premiers à oser représenter Aphrodite nue. La déesse Aphrodite à son image est très humaine, elle se prépare à la baignade. Elle est une excellente représentante de la sculpture de la Grèce antique. La statue de la déesse fut un modèle pour de nombreux sculpteurs pendant plus d'un demi-siècle.
La sculpture "Hermès avec l'enfant Dionysos" (où il divertit l'enfant avec une vigne) est la seule statue originale. Les cheveux prirent une teinte rouge-brun, la robe était d'un bleu vif, comme celle d'Aphrodite, mettant en valeur la blancheur du corps de marbre. Comme les œuvres de Phidias, les œuvres de Praxitèle étaient placées dans des temples et des sanctuaires ouverts et étaient cultes. Mais les œuvres de Praxitèle ne personnifiaient pas la force et la puissance passées de la ville ni la valeur de ses habitants. Scopas et Praxitèle ont grandement influencé leurs contemporains. Leur style réaliste a été utilisé par de nombreux artistes et écoles au fil des siècles.
Lysippe (seconde moitié du IVe siècle avant JC) fut l'un des plus grands sculpteurs de la période classique. Il préférait travailler le bronze. Seules les copies romaines nous donnent l'occasion de prendre connaissance de son œuvre. Les œuvres célèbres incluent Hercules avec une biche, Apoxyomenos, Hermes Resting et The Wrestler. Lysippe modifie les proportions, il représente une tête plus petite, un corps plus sec et des jambes plus longues. Toutes ses œuvres sont individuelles et le portrait d'Alexandre le Grand est également humanisé.
La période classique de la sculpture grecque antique tombe aux Ve-IVe siècles avant JC. (ancien classique ou « style strict » - 500/490 - 460/450 avant JC ; haut - 450 - 430/420 avant JC ; « style riche » - 420 - 400/390 avant JC ; classique tardif - 400/390 - D'ACCORD. 320 avant JC e.). Au tournant de deux époques - archaïque et classique - se dresse le décor sculptural du temple d'Athéna Aphaia sur l'île d'Égine. . Les sculptures du fronton ouest remontent à la fondation du temple (510 - 500 avant JC BC), sculptures du deuxième oriental, remplaçant les précédentes, - au début de l'époque classique (490 - 480 avant JC). Le monument central de la sculpture grecque antique des premiers classiques est constitué par les frontons et les métopes du temple de Zeus à Olympie (environ 468 - 456 avant JC e.). Une autre œuvre importante des premiers classiques - le soi-disant « Trône de Ludovisi », décoré de reliefs. De cette époque, un certain nombre d'originaux en bronze ont également survécu - "Le conducteur de char de Delphes", statue de Poséidon du Cap Artémisium, Bronze de Riace . Les plus grands sculpteurs des premiers classiques - Pythagore Regian, Kalamid et Miron . Nous jugeons le travail de célèbres sculpteurs grecs principalement à partir de preuves littéraires et de copies ultérieures de leurs œuvres. Les grands classiques sont représentés par les noms de Phidias et Polyclète . Son apogée à court terme est associée aux travaux sur l'Acropole athénienne, c'est-à-dire à la décoration sculpturale du Parthénon. (Frontons, métopes et zophores ont survécu, 447 - 432 avant JC). Le summum de la sculpture grecque antique était apparemment la chrysoéléphantine. Statues d'Athéna Parthénos et Zeus de l'Olympe de Phidias (tous deux n'ont pas survécu). Le « style riche » est caractéristique des œuvres de Callimaque, d'Alcamène, Agorakrit et autres sculpteurs du Ve siècle. avant JC e.. Ses monuments caractéristiques sont les reliefs de la balustrade du petit temple de Nike Apteros sur l'Acropole athénienne (environ 410 avant JC) et un certain nombre de stèles funéraires, parmi lesquelles la plus célèbre est la stèle Hegeso . Les œuvres les plus importantes de la sculpture grecque antique des classiques tardifs - la décoration du temple d'Asclépios à Épidaure (environ 400 - 375 avant JC), temple d'Athéna Aley à Tegea (environ 370 - 350 avant JC), le temple d'Artémis à Éphèse (environ 355 - 330 avant JC) et le mausolée à Halicarnasse (vers 350 avant JC), sur la décoration sculpturale dont Scopas, Briaxides, Timothée ont travaillé et Léohar . On attribue également à ce dernier les statues d'Apollon du Belvédère et Diane de Versailles . Il existe également un certain nombre d'originaux en bronze du IVe siècle. avant JC e. Les plus grands sculpteurs des classiques tardifs - Praxitèle, Scopas et Lysippe, anticipant à bien des égards l’ère ultérieure de l’hellénisme.
La sculpture grecque a survécu en partie dans les décombres et les fragments. La plupart des statues nous sont connues grâce à des copies romaines, qui ont été réalisées en grand nombre, mais ne transmettaient pas la beauté des originaux. Les copistes romains les rendaient rugueux et séchés, et lors de la transformation des objets en bronze en marbre, ils les défiguraient avec des supports maladroits. Les grandes figures d'Athéna, d'Aphrodite, d'Hermès, de Satyre, que l'on voit aujourd'hui dans les salles de l'Ermitage, ne sont que de pâles reprises de chefs-d'œuvre grecs. Vous passez devant eux presque indifféremment et vous vous arrêtez soudain devant une tête au nez cassé, à l'œil endommagé : c'est un original grec ! Et l’incroyable puissance de la vie s’est soudainement dégagée de ce fragment ; le marbre lui-même est différent de celui des statues romaines - non pas d'un blanc mortel, mais jaunâtre, transparent, lumineux (les Grecs le frottaient également avec de la cire, ce qui donnait au marbre un ton chaud). Si douces sont les transitions fondantes de la lumière et de l'ombre, si noble est la douce sculpture du visage, qu'on rappelle involontairement les délices des poètes grecs : ces sculptures respirent vraiment, elles sont vraiment vivantes* * Dmitrieva, Akimova. Art ancien. Essais. - M., 1988. P. 52.
En sculpture d’abord un demi siècle Lors des guerres contre les Perses, un style courageux et strict prévalait. Puis un groupe de statuettes de tyrannicides fut créé : un mari mûr et un jeune homme, debout côte à côte, font un mouvement impétueux en avant, le plus jeune lève son épée, le plus âgé lui fait de l'ombre avec son manteau. Il s'agit d'un monument dédié aux personnages historiques - Harmodius et Aristogiton, qui ont tué le tyran athénien Hipparque plusieurs décennies plus tôt - le premier monument politique de l'art grec. En même temps, il exprime l’esprit héroïque de résistance et l’amour de la liberté qui ont éclaté à l’époque des guerres gréco-perses. « Ils ne sont pas les esclaves des mortels, ils ne sont soumis à personne », disent les Athéniens dans la tragédie d’Eschyle « Les Perses ».
Batailles, escarmouches, exploits des héros... L'art des premiers classiques regorge de ces sujets guerriers. Sur les frontons du temple d'Athéna à Égine - la lutte des Grecs contre les Troyens. Sur le fronton occidental du temple de Zeus à Olympie se déroule une lutte entre les Lapithes et les centaures, sur les métopes se trouvent les douze travaux d'Hercule. Un autre ensemble de motifs favoris est celui des compétitions de gymnastique ; à cette époque lointaine, la condition physique et la maîtrise des mouvements du corps étaient déterminantes pour l'issue des combats, les jeux athlétiques étaient donc loin d'être un simple divertissement. Depuis le 8ème siècle avant JC. e. Des compétitions de gymnastique avaient lieu à Olympie une fois tous les quatre ans (leur début fut plus tard considéré comme le début du calendrier grec), et au Ve siècle, elles étaient célébrées avec une solennité particulière, et désormais des poètes qui lisaient de la poésie y étaient également présents. Le temple de Zeus Olympien - le périptère dorique classique - était situé au centre du quartier sacré, où se déroulaient les compétitions, elles commençaient par un sacrifice à Zeus. Sur le fronton oriental du temple, la composition sculpturale représentait le moment solennel précédant le début de la lice des chevaux : au centre se trouve la figure de Zeus, de chaque côté se trouvent des statues des héros mythologiques Pélops et Œnomaos, principaux participants à la compétition à venir, dans les coins se trouvent leurs chars tirés par quatre chevaux. Selon le mythe, le vainqueur fut Pélops, en l'honneur duquel le jeux olympiques, renouvelé plus tard, selon la légende, par Hercule lui-même.
Les thèmes du combat au corps à corps, des compétitions équestres, des compétitions de course à pied et des compétitions de lancer de disque ont appris aux sculpteurs à représenter le corps humain de manière dynamique. La rigidité archaïque des personnages est surmontée. Maintenant ils agissent, ils bougent ; des poses complexes, des angles audacieux et des gestes larges apparaissent. L'innovateur le plus brillant était le sculpteur attique Myron. La tâche principale de Myron était d’exprimer le mouvement de la manière la plus complète et la plus puissante possible. Le métal ne permet pas un travail aussi précis et délicat que le marbre, et c'est peut-être pour cela qu'il s'est tourné vers la recherche du rythme du mouvement. (Le nom rythme fait référence à l’harmonie globale du mouvement de toutes les parties du corps.) Et en effet, le rythme a été parfaitement capturé par Myron. Dans les statues d'athlètes, il transmet non seulement le mouvement, mais aussi le passage d'une étape du mouvement à une autre, comme s'il s'arrêtait un instant. C'est son fameux « Discobole ». L'athlète s'est penché et s'est balancé avant de lancer, une seconde - et le disque volera, l'athlète se redressera. Mais pendant cette seconde, son corps s'est figé dans une position très difficile, mais visuellement équilibrée.
L'équilibre, une « philosophie » majestueuse, est préservé dans la sculpture classique d'un style strict. Le mouvement des personnages n’est ni erratique, ni trop excité, ni trop rapide. Même dans les motifs dynamiques de combat, de course et de chute, le sentiment de « calme olympique », de plénitude plastique holistique et de repli sur soi n’est pas perdu. Voici une statue en bronze d'« Auriga », trouvée à Delphes, l'un des rares originaux grecs bien conservés. Il date de la première période du style strict – environ 470 avant JC. e.. Ce jeune homme se tient très droit (il montait sur un char et conduisait un quadrige de chevaux), ses jambes sont nues, les plis d'un long chiton rappellent les profondes flûtes des colonnes doriques, sa tête est étroitement recouverte de un bandage argenté, ses yeux incrustés semblent vivants. Il est retenu, calme et en même temps plein d'énergie et de volonté. À partir de cette seule figure en bronze, avec son plastique moulé solide, on peut ressentir toute la mesure de la dignité humaine telle que la comprenaient les Grecs de l'Antiquité.
Leur art à cette époque était dominé par des images masculines, mais heureusement, un beau relief représentant Aphrodite sortant de la mer, le soi-disant « trône de Ludovisi », un triptyque sculptural dont la partie supérieure a été cassée, a été conservé. également été préservé. Dans sa partie centrale, la déesse de la beauté et de l'amour, « née en écume », s'élève des flots, soutenue par deux nymphes qui la protègent chastement d'un voile léger. Elle est visible de la taille vers le haut. Son corps et ceux des nymphes sont visibles à travers des tuniques transparentes, les plis des vêtements coulent en cascade, en ruisseau, comme des ruisseaux d'eau, comme de la musique. Sur les parties latérales du triptyque se trouvent deux figures féminines : l'une nue, jouant de la flûte ; l'autre, enveloppée d'un voile, allume une bougie sacrificielle. La première est une hétaïre, la seconde est une épouse, gardienne du foyer, comme deux visages de la féminité, toutes deux sous le patronage d'Aphrodite.
La recherche des originaux grecs survivants se poursuit aujourd'hui ; De temps en temps, des trouvailles chanceuses sont découvertes soit dans le sol, soit au fond de la mer : par exemple, en 1928, une statue en bronze de Poséidon, parfaitement conservée, a été découverte dans la mer, près de l'île d'Eubée.
Mais le tableau général de l’art grec à son apogée doit être mentalement reconstruit et complété ; nous ne connaissons que des sculptures dispersées et conservées au hasard. Et ils existaient dans l'ensemble.
Parmi les maîtres célèbres, le nom de Phidias éclipse toute sculpture des générations suivantes. Brillant représentant de l'époque de Périclès, il a dit le dernier mot en matière de technologie plastique, et jusqu'à présent personne n'a osé se comparer à lui, même si nous ne le connaissons que par allusions. Originaire d'Athènes, il est né quelques années avant la bataille de Marathon et est donc devenu précisément un contemporain de la célébration des victoires sur l'Orient. Parlez d'abord je il est peintre puis se tourne vers la sculpture. D'après les dessins de Phidias et ses dessins, sous sa supervision personnelle, les bâtiments de Périclès furent érigés. Exécutant ordre après ordre, il créa de merveilleuses statues de dieux, personnifiant les idéaux abstraits des divinités en marbre, en or et en os. L'image de la divinité a été développée par lui non seulement en fonction de ses qualités, mais également en relation avec le but de l'honneur. Il était profondément imprégné de l'idée de ce que représentait cette idole et la sculpta avec toute la force et la puissance d'un génie.
Athéna, qu'il réalisa sur ordre de Platées et qui coûta très cher à cette ville, renforça la renommée du jeune sculpteur. Il fut chargé de créer une statue colossale d'Athéna, la patronne de l'Acropole. Il atteignait 60 pieds de hauteur et était plus haut que tous les bâtiments environnants ; De loin, depuis la mer, elle brillait comme une étoile d'or et régnait sur toute la ville. Ce n'était pas un acrolitique (composite), comme celui de Platée, mais il était entièrement coulé en bronze. Une autre statue de l'Acropole, Athéna la Vierge, réalisée pour le Parthénon, était en or et en ivoire. Athéna était représentée dans une combinaison de combat, portant un casque doré avec un sphinx en haut relief et des vautours sur les côtés. Dans une main elle tenait une lance, dans l'autre un morceau de victoire. Un serpent enroulé à ses pieds, le gardien de l'Acropole. Cette statue est considérée comme la meilleure assurance de Phidias après son Zeus. Il a servi d’original à d’innombrables copies.
Mais le summum de la perfection de toutes les œuvres de Phidias est considéré comme son Zeus Olympien. Ce fut la plus grande œuvre de sa vie : les Grecs eux-mêmes lui donnèrent la palme. Il fit une impression irrésistible sur ses contemporains.
Zeus était représenté sur le trône. Dans une main, il tenait un sceptre, dans l'autre, une image de victoire. Le corps était en ivoire, les cheveux étaient en or, la robe était en or et émaillée. Le trône comprenait de l'ébène, des os et des pierres précieuses. Les murs entre les jambes ont été peints par le cousin de Phidias, Panen ; le pied du trône était une merveille de sculpture. L'impression générale était, comme le dit à juste titre un scientifique allemand, véritablement démoniaque : pour plusieurs générations, l'idole semblait être un véritable dieu ; un seul regard suffisait pour satisfaire toutes les peines et toutes les souffrances. Ceux qui mouraient sans le voir se considéraient comme malheureux* * Gnedich P.P. L'histoire du monde arts - M., 2000. P. 97...
La statue est morte sans savoir comment ni quand : elle a probablement brûlé avec le temple olympique. Mais ses charmes devaient être grands si Caligula insistait pour la transporter à Rome à tout prix, ce qui s'avérait pourtant impossible.
L'admiration des Grecs pour la beauté et la structure sage du corps vivant était si grande qu'ils n'y pensaient esthétiquement que dans l'intégralité et l'exhaustivité statuaire, leur permettant d'apprécier la majesté de la posture et l'harmonie des mouvements du corps. Dissoudre une personne dans une foule informe, la montrer sous un aspect aléatoire, l'éloigner plus profondément, la plonger dans l'ombre serait contraire au credo esthétique des maîtres helléniques, et ils ne l'ont jamais fait, bien que les bases de la perspective était claire pour eux. Sculpteurs et peintres ont représenté un personnage avec une extrême clarté plastique, en gros plan (un personnage ou un groupe de plusieurs personnages), essayant de placer l'action au premier plan, comme sur une scène étroite parallèle au plan du fond. Le langage corporel était aussi le langage de l’âme. On dit parfois que l’art grec était étranger à la psychologie ou n’y était pas parvenu. Ce n'est pas tout à fait vrai ; Peut-être que l’art de l’archaïque était encore non psychologique, mais pas l’art des classiques. En effet, il ne connaissait pas cette analyse scrupuleuse des personnages, ce culte de l'individu qui naît dans les temps modernes. Ce n'est pas un hasard si le portrait dans la Grèce antique était relativement peu développé. Mais les Grecs maîtrisaient l'art de transmettre, pour ainsi dire, une psychologie typique - ils exprimaient une riche gamme de mouvements mentaux basés sur des types humains généralisés. En détournant l'attention des nuances des personnages personnels, les artistes helléniques n'ont pas négligé les nuances de l'expérience et ont pu incarner un système complexe de sentiments. Après tout, ils étaient contemporains et concitoyens de Sophocle, d’Euripide et de Platon.
Mais l’expressivité ne réside pas tant dans les expressions faciales que dans les mouvements du corps. En regardant Moira du Parthénon, mystérieusement sereine, en voyant Nike, rapide et enjouée, dénouer sa sandale, on oublierait presque que leurs têtes ont été coupées tant la plasticité de leurs figures est éloquente.
Chaque motif purement plastique - qu'il s'agisse de l'équilibre gracieux de tous les membres du corps, de l'appui sur les deux jambes ou sur une seule, du transfert du centre de gravité sur un support extérieur, de la tête inclinée vers l'épaule ou rejetée en arrière - a été pensé par les Grecs. maîtres comme analogue de la vie spirituelle. Le corps et le psychisme étaient perçus comme indissociables. Caractérisant l'idéal classique dans ses Conférences sur l'esthétique, Hegel a déclaré que dans « la forme classique de l'art, le corps humain dans ses formes n'est plus reconnu uniquement comme une existence sensorielle, mais n'est reconnu que comme l'existence et l'apparence naturelle de l'esprit ». .»
En effet, les corps des statues grecques sont exceptionnellement spirituels. Le sculpteur français Rodin a dit de l'un d'eux : « Ce jeune torse sans tête sourit plus joyeusement à la lumière et au printemps que ne pourraient le faire les yeux et les lèvres. »* * Dmitrieva, Akimova. Art ancien. Essais. - M., 1988. P. 76.
Les mouvements et les postures sont dans la plupart des cas simples, naturels et ne sont pas nécessairement associés à quelque chose de sublime. Nika dénoue sa sandale, un garçon enlève une écharde de son talon, un jeune coureur sur la ligne de départ se prépare à courir et Myrona le disque lance un disque. Le jeune contemporain de Myron, le célèbre Polyclète, contrairement à Myron, n'a jamais représenté de mouvements rapides ni d'états instantanés ; ses statues en bronze de jeunes athlètes sont dans des poses calmes de lumière, de mouvements mesurés, courant par vagues à travers la silhouette. Épaule gauche légèrement étendue, la droite en abduction, la hanche gauche penchée en arrière, la droite relevée, la jambe droite bien au sol, la jambe gauche légèrement en arrière et légèrement fléchie au niveau du genou. Ce mouvement soit n’a aucun prétexte « d’intrigue », soit le prétexte est insignifiant – il est précieux en lui-même. C’est un hymne plastique à la clarté, à la raison, au sage équilibre. Il s'agit de Doryphore (lancier) Polyclète, que nous connaissons grâce à des copies romaines en marbre. Il semble marcher et en même temps maintenir un état de repos ; Les positions des bras, des jambes et du torse sont parfaitement équilibrées. Polyclète était l'auteur du traité « Canon » (qui ne nous est pas parvenu, comme le montrent les mentions d'écrivains anciens), où il a théoriquement établi les lois des proportions du corps humain.
Les têtes des statues grecques sont, en règle générale, impersonnelles, c'est-à-dire peu individualisées, réduites à quelques variations d'un type général, mais ce type général a une grande capacité spirituelle. Dans le visage de type grec, l'idée de « l'humain » dans sa version idéale triomphe. Le visage est divisé en trois parties d’égale longueur : le front, le nez et la partie inférieure. Ovale correct et doux. La ligne droite du nez prolonge la ligne du front et forme une perpendiculaire à la ligne tracée depuis le début du nez jusqu'à l'ouverture de l'oreille (angle facial droit). Section oblongue des yeux assez enfoncés. Une petite bouche, des lèvres pleines et convexes, la lèvre supérieure est plus fine que la inférieure et présente une belle coupe lisse comme un arc de Cupidon. Le menton est grand et rond. Les cheveux ondulés s'adaptent doucement et étroitement à la tête, sans interférer avec la visibilité de la forme arrondie du crâne.
Cette beauté classique peut sembler monotone, mais, représentant « l’apparence naturelle de l’esprit » expressive, elle se prête à la variation et est capable d’incarner divers types de l’idéal ancien. Un peu plus d'énergie dans la forme des lèvres, dans le menton saillant - devant nous se trouve la stricte vierge Athéna. Il y a plus de douceur dans le contour des joues, les lèvres sont légèrement entrouvertes, les orbites sont ombrées - devant nous se trouve le visage sensuel d'Aphrodite. L'ovale du visage est plus proche d'un carré, le cou est plus épais, les lèvres sont plus grandes, c'est déjà l'image d'un jeune athlète. Mais la base reste la même apparence classique strictement proportionnelle.
Cependant, il n'y a pas de place pour quelque chose qui, de notre point de vue, est très important : le charme de l'individu unique, la beauté du mal, le triomphe du principe spirituel sur l'imperfection corporelle. Les anciens Grecs ne pouvaient pas donner cela ; pour cela, le monisme originel de l'esprit et du corps devait être brisé, et la conscience esthétique devait entrer dans l'étape de leur séparation - le dualisme - qui s'est produite beaucoup plus tard. Mais l'art grec a également progressivement évolué vers l'individualisation et l'émotivité ouverte, le caractère concret des expériences et la caractérisation, qui deviennent déjà évidents à l'époque des classiques tardifs, au IVe siècle avant JC. e.
A la fin du 5ème siècle avant JC. e. Le pouvoir politique d’Athènes fut ébranlé, miné par la longue guerre du Péloponnèse. A la tête des adversaires d'Athènes se trouvait Sparte ; il était soutenu par d'autres États du Péloponnèse et apportait l'aide financière de la Perse. Athènes a perdu la guerre et a été contrainte de conclure une paix défavorable ; ils ont conservé leur indépendance, mais l'Union maritime athénienne s'est effondrée, les réserves monétaires se sont taries et les contradictions internes de la politique se sont intensifiées. La démocratie athénienne a réussi à survivre, mais les idéaux démocratiques se sont évanouis, la libre expression de la volonté a commencé à être réprimée par des mesures cruelles, un exemple en est le procès de Socrate (en 399 avant JC), qui a condamné le philosophe à mort. L’esprit de cohésion citoyenne s’affaiblit, les intérêts et expériences personnels sont isolés des intérêts publics et l’instabilité de l’existence se fait sentir de manière plus alarmante. Les sentiments critiques se multiplient. Une personne, selon l'ordre de Socrate, commence à s'efforcer de « se connaître » - elle-même en tant qu'individu, et pas seulement en tant que partie du tout social. L'œuvre du grand dramaturge Euripide, chez qui le principe personnel est beaucoup plus souligné que chez son contemporain plus âgé Sophocle, vise à comprendre la nature et les personnages humains. Selon la définition d'Aristote, Sophocle « représente les gens tels qu'ils devraient être, et Euripide tels qu'ils sont réellement ».
Dans les arts plastiques, les images généralisées prédominent encore. Mais la résilience spirituelle et l'énergie joyeuse qui respire l'art des classiques anciens et matures cèdent progressivement la place au pathétique dramatique de Skopas ou à la contemplation lyrique, teintée de mélancolie, de Praxitèle. Scopas, Praxitèle et Lysippe - ces noms sont associés dans notre esprit non pas tant à certains artistes (leurs biographies ne sont pas claires et presque aucune de leurs œuvres originales n'a survécu), mais aux principales tendances des classiques tardifs. Tout comme Myron, Polyclète et Phidias incarnent les traits d'un classique mature.
Et encore une fois, les indicateurs de changements dans la vision du monde sont des motifs plastiques. La pose caractéristique du personnage debout change. À l’époque archaïque, les statues étaient complètement droites, de face. Les classiques matures les animent et les animent avec des mouvements équilibrés et fluides, maintenant l'équilibre et la stabilité. Et les statues de Praxitèle - le satyre au repos, Apollon Saurocton - reposent avec une grâce paresseuse sur des piliers, sans eux elles devraient tomber.
La cuisse d'un côté est très fortement cambrée, et l'épaule est abaissée bas vers la cuisse - Rodin compare cette position du corps à un harmonica, lorsque le soufflet est comprimé d'un côté et écarté de l'autre. Un soutien externe est nécessaire pour l’équilibre. C'est une position de repos de rêve. Praxitèle suit les traditions de Polyclète, utilise les motifs des mouvements qu'il a trouvés, mais les développe de telle manière qu'un contenu interne différent y transparaît. "L'Amazone blessée" Polyclète s'appuie également sur une demi-colonne, mais elle aurait pu se tenir debout sans elle, son corps fort et énergique, même souffrant d'une blessure, se tient fermement au sol. L'Apollon de Praxitèle n'est pas touché par une flèche, il vise lui-même un lézard qui court le long d'un tronc d'arbre - une action qui semble exiger un sang-froid volontaire, mais son corps est instable, comme une tige qui se balance. Et ce n'est pas un détail aléatoire, pas un caprice du sculpteur, mais une sorte de nouveau canon dans lequel s'exprime une vision changée du monde.
Cependant, ce n'est pas seulement la nature des mouvements et des poses qui a changé dans la sculpture du IVe siècle avant JC. e. Pour Praxitèle, l’éventail de ses sujets de prédilection devient différent ; il s’éloigne des sujets héroïques pour se diriger vers le « monde lumineux d’Aphrodite et d’Éros ». Il a sculpté la célèbre statue d'Aphrodite de Cnide.
Praxitèle et les artistes de son entourage n'aimaient pas représenter les torses musclés des athlètes, ils étaient attirés par la douce beauté ; corps féminin avec des flux de volumes doux. Ils préféraient le type de jeunesse, caractérisé par « la première jeunesse et la beauté efféminée ». Praxitèle était célèbre pour sa douceur particulière dans le modelage et son habileté dans le traitement du matériau, sa capacité à transmettre la chaleur d'un corps vivant dans le marbre froid2.
Le seul original survivant de Praxitèle est considéré comme la statue en marbre « Hermès avec Dionysos », trouvée à Olympie. Hermès nu, appuyé sur un tronc d'arbre où son manteau a été négligemment jeté, tient d'un bras plié le petit Dionysos et de l'autre une grappe de raisin, vers laquelle tend l'enfant (la main qui tenait les raisins est perdue). Tout le charme du traitement pictural du marbre est dans cette statue, en particulier dans la tête d'Hermès : transitions d'ombre et de lumière, le plus fin « sfumato » (brume), qui, plusieurs siècles plus tard, a été réalisé dans la peinture de Léonard de Vinci.
Toutes les autres œuvres du maître ne sont connues que par les mentions d'auteurs anciens et de copies ultérieures. Mais l’esprit de l’art de Praxitèle perdure jusqu’au IVe siècle avant JC. e., et mieux encore, cela se ressent non pas dans les copies romaines, mais dans les petits plastiques grecs, dans les figurines en argile de Tanagra. Ils étaient produits à la fin du siècle en grande quantité, c'était une sorte de production de masse dont le centre principal était à Tanagra. (Une très bonne collection en est conservée à l'Ermitage de Léningrad.) Certaines figurines reproduisent de grandes statues célèbres, d'autres donnent simplement diverses variations libres de la figure féminine drapée. La grâce vivante de ces figures, rêveuses, réfléchies, ludiques, fait écho à l'art de Praxitèle.
Il reste presque aussi peu de choses des œuvres originales du ciseau Skopas, un contemporain plus âgé et antagoniste de Praxitèle. Il reste des débris. Mais l’épave en dit long aussi. Derrière eux se dresse l’image d’un artiste passionné, fougueux et pathétique.
Il n'était pas seulement sculpteur, mais aussi architecte. En tant qu'architecte, Skopas a créé le temple d'Athéna à Tégée et il a également supervisé sa décoration sculpturale. Le temple lui-même a été détruit il y a longtemps par les Goths ; Quelques fragments de sculptures ont été retrouvés lors de fouilles, parmi lesquels une remarquable tête de guerrier blessé. Il n'y en avait pas d'autre comme elle dans l'art du 5ème siècle avant JC. e., il n'y avait pas d'expression aussi dramatique dans le tour de tête, une telle souffrance dans le visage, dans le regard, une telle tension mentale. En son nom, le canon harmonique adopté en sculpture grecque: les yeux sont placés trop profondément et le courbure des arcades sourcilières est en dissonance avec le contour des paupières.
Ce qu'était le style de Skopas dans les compositions à plusieurs figures est montré par les reliefs partiellement conservés sur la frise du mausolée d'Halicarnasse - une structure unique, classée dans l'Antiquité comme l'une des sept merveilles du monde : le périptère était érigé sur une base élevée. et surmontée d'un toit pyramidal. La frise représentait la bataille des Grecs contre les Amazones - des guerriers masculins contre des guerrières féminines. Skopas n'y a pas travaillé seul, avec trois sculpteurs, mais, guidés par les instructions de Pline, qui a décrit le mausolée, et par une analyse stylistique, les chercheurs ont déterminé quelles parties de la frise avaient été réalisées dans l'atelier de Skopas. Plus que d’autres, ils transmettent la ferveur ivre du combat, « l’extase du combat », lorsque les hommes et les femmes s’y abandonnent avec la même passion. Les mouvements des personnages sont impétueux et perdent presque leur équilibre, dirigés non seulement parallèlement au plan, mais aussi vers l'intérieur, vers la profondeur : Skopas introduit une nouvelle sensation d'espace.
« Ménade » jouissait d'une grande renommée parmi ses contemporains. Skopas a représenté une tempête de danse dionysiaque, tendant tout le corps de la Ménade, cambrant convulsivement son torse, rejetant la tête en arrière. La statue de la Ménade n'est pas conçue pour être vue de face, elle doit être vue sous différents angles, chaque point de vue révèle quelque chose de nouveau: tantôt le corps est assimilé dans son arc à un arc tendu, tantôt il semble courbé en spirale, comme une langue de feu. On ne peut s’empêcher de penser : les orgies dionysiaques devaient être sérieuses, pas seulement un divertissement, mais de véritables « jeux fous ». Les Mystères de Dionysos n'étaient autorisés à avoir lieu qu'une fois tous les deux ans et uniquement sur le Parnasse, mais à cette époque, les bacchantes frénétiques rejetaient toutes les conventions et interdictions. Au rythme des tambourins, au son des tympans, ils se précipitaient et tournoyaient en extase, s'enivrant de délire, laissant tomber leurs cheveux, déchirant leurs vêtements. La ménade de Skopas tenait un couteau à la main, et sur son épaule se trouvait un chevreau qu'elle avait mis en pièces 3.
Les fêtes dionysiaques étaient une coutume très ancienne, comme le culte de Dionysos lui-même, mais dans l'art l'élément dionysiaque n'avait pas encore percé avec autant de force, avec autant d'ouverture que dans la statue de Skopas, et c'est évidemment un symptôme de l'époque. À présent, les nuages s'amoncelaient au-dessus de l'Hellade, et la clarté raisonnable de l'esprit était perturbée par le désir d'oublier, de se débarrasser des chaînes des restrictions. L'art, telle une membrane sensible, répondait aux changements de l'atmosphère sociale et transformait ses signaux en ses propres sons, ses propres rythmes. La langueur mélancolique des créations de Praxitèle et les élans dramatiques de Scopas ne sont que des réactions différentes à l'esprit général du temps.
La pierre tombale en marbre du jeune homme appartient à l’entourage de Skopas, et peut-être à lui-même. A droite du jeune homme se tient son vieux père avec une expression de profonde réflexion ; on sent qu'il se pose la question : pourquoi son fils est-il parti dans la fleur de l'âge, et lui, le vieil homme, est resté pour vivre. ? Le fils regarde devant lui et ne semble plus remarquer son père ; il est loin d'ici, dans les Champs Elysées insouciants - la demeure des bienheureux.
Le chien à ses pieds est l'un des symboles de l'au-delà.
Il convient ici de parler des pierres tombales grecques en général. Il en reste relativement nombreux conservés, du Ve, et principalement du IVe siècle avant JC. e.; leurs créateurs sont, en règle générale, inconnus. Parfois, le relief d'une stèle tombale ne représente qu'un seul personnage - le défunt, mais le plus souvent ses proches sont représentés à côté de lui, un ou deux, qui lui disent au revoir. Dans ces scènes d'adieu et de séparation, un chagrin et un chagrin intenses ne sont jamais exprimés, mais seulement calmes ; triste réflexion. La mort est la paix ; les Grecs ne la personnifiaient pas dans un squelette terrible, mais sous la forme d'un garçon - Thanatos, le jumeau d'Hypnos - un rêve. Le bébé endormi est également représenté sur la pierre tombale Skopasovsky du jeune homme, dans le coin à ses pieds. Les proches survivants regardent le défunt, voulant capturer ses traits dans leur mémoire, parfois ils le prennent par la main ; il (ou elle) lui-même ne les regarde pas, et on peut ressentir une détente et un détachement dans sa silhouette. Dans la célèbre pierre tombale de Gegeso (fin du Ve siècle avant JC), une servante debout donne à sa maîtresse, assise sur une chaise, une boîte à bijoux, Hegeso en prend un collier avec un mouvement mécanique familier, mais elle a l'air absente et tombant.
Pierre tombale authentique du 4ème siècle avant JC. e. Les œuvres du maître attique sont visibles au Musée national des beaux-arts. COMME. Pouchkine. C'est la pierre tombale d'un guerrier - il tient une lance à la main, à côté de lui se trouve son cheval. Mais la pose n'est pas du tout militante, les membres du corps sont détendus, la tête est baissée. De l’autre côté du cheval se trouve un adieu ; il est triste, mais on ne peut se tromper sur laquelle des deux figures représente le défunt et laquelle représente le vivant, bien qu'elles semblent similaires et du même type ; Les maîtres grecs savaient faire ressentir le passage du défunt dans la vallée des ombres.
Scènes lyriques dernier aurevoir Ils étaient également représentés sur les urnes funéraires, où ils sont plus laconiques, parfois seulement deux personnages - un homme et une femme - se serrant la main.
Mais même ici, il est toujours clair lequel d'entre eux appartient au royaume des morts.
Il y a une certaine chasteté de sentiment dans les pierres tombales grecques avec leur noble retenue dans l'expression de la tristesse, quelque chose de complètement opposé à l'extase bachique. La pierre tombale de la jeunesse attribuée à Skopas ne viole pas cette tradition ; il ne se distingue des autres, outre ses hautes qualités plastiques, que par la profondeur philosophique de l'image d'un vieillard réfléchi.
Malgré tout le contraste dans les natures artistiques de Scopas et de Praxitèle, tous deux se caractérisent par ce que l'on peut appeler une augmentation du pittoresque dans le plastique - les effets de clair-obscur, grâce auxquels le marbre semble vivant, ce que soulignent les épigrammatistes grecs. à chaque fois. Les deux maîtres préférèrent le marbre au bronze (alors que le bronze prédominait dans la sculpture classique) et atteignirent la perfection dans le traitement de sa surface. La force de l'impression réalisée était facilitée par les qualités particulières des types de marbre utilisés par les sculpteurs : translucidité et luminosité. Le marbre de Paros transmettait la lumière de 3,5 centimètres. Les statues faites de ce matériau noble semblaient à la fois humainement vivantes et divinement incorruptibles. Par rapport aux œuvres des premiers classiques et de la maturité, les sculptures de l’Antiquité tardive perdent quelque chose : elles n’ont pas la simple grandeur de l’« Aurige » de Delphes ou la monumentalité des statues de Phidias, mais elles gagnent en vitalité.
L'histoire a conservé de nombreux autres noms de sculpteurs exceptionnels du IVe siècle avant JC. e. Certains d'entre eux, cultivant le vivant, l'ont amené au point au-delà duquel commencent le genre et la spécificité, anticipant ainsi les tendances de l'hellénisme. Démétrius d'Alopeka se distinguait par cela. Il attachait peu d'importance à la beauté et cherchait consciemment à représenter les gens tels qu'ils étaient, sans cacher les gros ventres et les zones chauves. Sa spécialité était les portraits. Démétrius a réalisé un portrait du philosophe Antisthène, dirigé polémiquement contre les portraits idéalisants du Ve siècle avant JC. e., - Son Antisthène est vieux, flasque et édenté. Le sculpteur ne pouvait pas spiritualiser la laideur, la rendre charmante ; une telle tâche était impossible dans les limites de l'esthétique antique. La laideur était comprise et représentée simplement comme un défaut physique.
D'autres, au contraire, ont essayé de soutenir et de cultiver les traditions des classiques matures, en les enrichissant d'une plus grande grâce et d'une plus grande complexité de motifs plastiques. Ce fut la voie suivie par Léochares, qui créa la statue d'Apollon du Belvédère, qui devint l'étalon de beauté pour de nombreuses générations de néoclassiques jusqu'à la fin du XXe siècle. Johann Winckelmann, auteur de la première Histoire scientifique de l’art de l’Antiquité, a écrit : « L’imagination ne peut rien créer qui puisse surpasser l’Apollon du Vatican avec sa proportionnalité plus qu’humaine d’une belle divinité. » Pendant longtemps, cette statue fut considérée comme le summum de l’art antique ; « l’idole du Belvédère » était synonyme de perfection esthétique. Comme c’est souvent le cas, les éloges excessifs au fil du temps ont provoqué la réaction inverse. Lorsque l'étude de l'art antique a progressé et que beaucoup de ses monuments ont été découverts, l'évaluation exagérée de la statue de Léocharès a cédé la place à une évaluation discrète : elle a commencé à être trouvée pompeuse et maniérée. Pendant ce temps, Apollo Belvedere est une œuvre vraiment remarquable par ses mérites plastiques ; la silhouette et la démarche du souverain des muses allient force et grâce, énergie et légèreté, marchant sur le sol, il s'élève en même temps au-dessus du sol. De plus, son mouvement, selon les mots du critique d'art soviétique B. R. Vipper, « n'est pas concentré dans une direction, mais, comme si les rayons, divergeaient dans des directions différentes ». Pour obtenir un tel effet, il fallait les compétences sophistiquées d'un sculpteur ; le seul problème est que le calcul de l'effet est trop évident. Apollon Léochara semble inviter à admirer sa beauté, alors que la beauté des meilleures statues classiques ne se déclare pas publiquement : elles sont belles, mais elles ne se montrent pas. Même l’Aphrodite de Cnide de Praxitèle veut cacher plutôt que démontrer le charme sensuel de sa nudité, et les statues classiques antérieures sont remplies d’une calme satisfaction de soi, excluant toute démonstrative. Il faut donc reconnaître que dans la statue d'Apollon Belvédère, l'idéal antique commence à devenir quelque chose d'extérieur, de moins organique, même si à sa manière cette sculpture est remarquable et marque un haut niveau de virtuosité.
Le dernier grand sculpteur des classiques grecs, Lysippe, a fait un grand pas vers le « naturel ». Les chercheurs l'attribuent à l'école d'Argive et affirment qu'il avait une orientation complètement différente de celle de l'école athénienne. Essentiellement, il était son disciple direct, mais, ayant adopté ses traditions, il est allé plus loin. Dans sa jeunesse, l’artiste Eupomp répondait à sa question : « Quel professeur choisir ? - répondit en désignant la foule massée sur la montagne : "C'est le seul maître : la nature."
Ces paroles s'enfoncèrent profondément dans l'âme du brillant jeune homme, et lui, ne faisant pas confiance à l'autorité du canon polyclitain, se lança dans l'étude exacte de la nature. Avant lui, les gens étaient sculptés conformément aux principes du canon, c'est-à-dire en toute confiance que la vraie beauté réside dans la proportionnalité de toutes les formes et dans la proportion de personnes de taille moyenne. Lysippe préférait une silhouette grande et élancée. Ses membres sont devenus plus légers, sa stature plus grande.
Contrairement à Scopas et Praxitèle, il travaillait exclusivement le bronze : le marbre fragile nécessite un équilibre stable, et Lysippe créait des statues et des groupes statuaires dans des états dynamiques, dans des actions complexes. Il était inépuisablement varié dans l'invention de motifs plastiques et très prolifique ; ils ont dit qu'après avoir terminé chaque sculpture, il avait mis une pièce d'or dans la tirelire et qu'il avait ainsi accumulé mille cinq cents pièces, c'est-à-dire qu'il aurait réalisé mille cinq cents statues, certaines de très grandes tailles, dont une statue de Zeus de 20 mètres. Pas une seule de ses œuvres n'a survécu, mais un assez grand nombre de copies et de répétitions, remontant soit aux originaux de Lysippe, soit à son école, donnent une idée approximative du style du maître. En termes d'intrigue, il préférait clairement les figures masculines, car il aimait dépeindre les exploits difficiles des maris ; Son héros préféré était Hercule. Dans la compréhension de la forme plastique, la réussite innovante de Lysippe fut l'inversion de la figure dans l'espace qui l'entourait de tous côtés ; en d'autres termes, il ne pensait pas à la statue sur le fond d'un plan et n'assumait pas un point de vue principal à partir duquel elle devait être vue, mais comptait marcher autour de la statue. Nous avons vu que la Ménade de Skopas était déjà construite sur le même principe. Mais ce qui était l'exception chez les sculpteurs précédents est devenu la règle chez Lysippe. En conséquence, il a donné à ses personnages des poses efficaces, des virages complexes et les a traités avec le même soin non seulement de face, mais aussi de dos.
De plus, Lysippe a créé une nouvelle notion du temps dans la sculpture. Les anciennes statues classiques, même si leurs poses étaient dynamiques, ne semblaient pas affectées par l'écoulement du temps, elles étaient en dehors de celui-ci, elles l'étaient, elles étaient au repos. Les héros de Lysippe vivent dans le même temps réel que les êtres vivants, leurs actions sont incluses dans le temps et sont éphémères, l'instant présent est prêt à être remplacé par un autre. Bien sûr, Lysippe a eu ici aussi des prédécesseurs : on peut dire qu'il a continué les traditions de Myron. Mais même le Discobole de ce dernier est si équilibré et si clair dans sa silhouette qu'il semble « stable » et statique en comparaison de l'Hercule de Lysippe combattant un lion, ou d'Hermès qui, pendant une minute (une minute justement !) s'assit pour reposez-vous sur une pierre au bord de la route pour continuer plus tard à voler sur vos sandales ailées.
Il n'a pas été établi avec précision si les originaux de ces sculptures appartenaient à Lysippe lui-même ou à ses étudiants et assistants, mais il est sans doute lui-même réalisateur de la statue d'Apoxyomène, dont une copie en marbre se trouve au Musée du Vatican. Un jeune athlète nu, les bras tendus, utilise un grattoir pour enlever la poussière accumulée. Il était fatigué après la lutte, légèrement détendu, semblait même chanceler, écartant les jambes pour plus de stabilité. Des mèches de cheveux, traitées très naturellement, collaient à mon front moite. Le sculpteur a fait tout son possible pour donner un maximum de naturel dans le cadre du canon traditionnel. Cependant, le canon lui-même a été révisé. Si l'on compare Apoxyomène avec Doryphore de Polyclète, on constate que les proportions du corps ont changé : la tête est plus petite, les jambes sont plus longues. Doryphoros est plus lourd et plus trapu que l'Apoxyomène flexible et élancé.
Lysippe était l'artiste de la cour d'Alexandre le Grand et a peint plusieurs de ses portraits. Il n’y a en eux ni flatterie ni glorification artificielle ; La tête d'Alexandre, conservée dans une copie hellénistique, est réalisée dans les traditions de Skopas, rappelant quelque peu la tête d'un guerrier blessé. C'est le visage d'un homme qui vit une vie tendue et difficile, dont les victoires ne sont pas faciles à remporter. Les lèvres sont entrouvertes, comme s'il respirait fort malgré sa jeunesse, il y a des rides sur son front. Cependant, le type de visage classique, aux proportions et aux traits légitimés par la tradition, a été préservé.
L'art de Lysippe occupe la zone frontière au tournant des époques classique et hellénistique. Cela reste fidèle aux concepts classiques, mais cela les mine déjà de l’intérieur, créant les bases d’un passage à autre chose, plus détendu et plus prosaïque. En ce sens, la tête d'un combattant au poing est indicative, n'appartenant pas à Lysippe, mais peut-être à son frère Lysistratus, qui était également sculpteur et, comme on disait, fut le premier à utiliser des masques tirés du visage du modèle pour les portraits (répandus dans l'Egypte ancienne, mais complètement étrangers à l'art grec). Il est possible que la tête d'un combattant au poing ait également été réalisée à l'aide de ce masque ; on est loin du canon, loin des idées idéales de perfection physique que les Hellènes incarnaient à l'image d'un athlète. Ce vainqueur d'un combat au poing n'est pas du tout comme un demi-dieu, juste un artiste pour une foule désœuvrée. Son visage est rugueux, son nez aplati, ses oreilles gonflées. Ce type d'images « naturalistes » est ensuite devenu courant dans l'hellénisme ; un combattant encore plus disgracieux a été sculpté par le sculpteur attique Apollonius dès le 1er siècle avant JC. e.
Ce qui jetait auparavant des ombres sur la structure lumineuse de la vision hellénique du monde est survenu à la fin du IVe siècle avant JC. e. : décomposition et mort de la polis démocratique. Cela a commencé avec l’essor de la Macédoine, la région nord de la Grèce, et la quasi-prise de tous les États grecs par le roi macédonien Philippe II. Le fils de Philippe, Alexandre, futur grand conquérant, âgé de 18 ans, participa à la bataille de Chéronée (en 338 avant JC), où les troupes de la coalition grecque anti-macédonienne furent vaincues. Commençant par une campagne victorieuse contre les Perses, Alexandre fit avancer son armée plus à l'est, capturant des villes et en fondant de nouvelles ; à la suite d'une campagne de dix ans, une immense monarchie fut créée, s'étendant du Danube à l'Indus.
Alexandre le Grand a goûté aux fruits de la plus haute culture grecque dans sa jeunesse. Son professeur était le grand philosophe Aristote et ses artistes de cour étaient Lysippe et Apelles. Cela ne l'a pas empêché, après avoir conquis l'État perse et pris le trône des pharaons égyptiens, de se déclarer dieu et d'exiger qu'il reçoive également les honneurs divins en Grèce. Peu habitués aux coutumes orientales, les Grecs ont ri et ont dit : « Eh bien, si Alexandre veut être un dieu, qu'il le soit » - et l'ont officiellement reconnu comme le fils de Zeus. L’orientalisation qu’Alexandre commençait à inculquer était pourtant une affaire plus sérieuse que le caprice d’un conquérant enivré de victoires. C'était un symptôme du tournant historique de la société ancienne, de la démocratie esclavagiste à la forme qui existait depuis l'Antiquité en Orient - à la monarchie esclavagiste. Après la mort d'Alexandre (et il est mort jeune), son pouvoir colossal mais fragile s'est désintégré, les sphères d'influence ont été divisées entre elles par ses chefs militaires, les soi-disant diadoques - successeurs. Les États qui réapparurent sous leur domination n'étaient plus grecs, mais gréco-orientaux. L'ère de l'hellénisme est arrivée - l'unification sous les auspices de la monarchie des cultures hellénique et orientale.
1.1 Sculpture dans la Grèce antique. Conditions préalables à son développement
Parmi tous les beaux-arts des civilisations antiques, l’art de la Grèce antique, notamment sa sculpture, occupe une place toute particulière. Les Grecs valorisaient avant tout le corps vivant, capable de toute tâche musculaire. Le manque de vêtements n’a choqué personne. Ils traitaient tout simplement trop simplement pour avoir honte de quoi que ce soit. Et en même temps, bien sûr, la chasteté n’en a pas perdu.
1.2 Sculpture grecque archaïque
La période archaïque est la période de formation de la sculpture grecque antique. Le désir du sculpteur de transmettre la beauté du corps humain idéal, qui s'est pleinement manifesté dans les œuvres d'une époque ultérieure, est déjà compréhensible, mais il était encore trop difficile pour l'artiste de s'éloigner de la forme du bloc de pierre, et les chiffres de cette période sont toujours statiques.
Les premiers monuments de la sculpture grecque antique de l'époque archaïque sont déterminés par le style géométrique (VIIIe siècle). Ce sont des figurines sommaires trouvées à Athènes, Olympie , en Béotie. L'ère archaïque de la sculpture grecque antique tombe aux VIIe et VIe siècles. (début archaïque - environ 650 - 580 avant JC ; haut - 580-530 ; en retard - 530-500/480). Le début de la sculpture monumentale en Grèce remonte au milieu du VIIe siècle. avant JC e. et se caractérise par une orientalisation styles, dont le plus important était le style dédalien, associé au nom du sculpteur semi-mythique Dédale . Le cercle de sculpture « dédalienne » comprend une statue d'Artémis de Délos et une statue féminine d'œuvre crétoise, conservées au Louvre (« Dame d'Auxerre »). Milieu du VIIe siècle avant JC e. Les premiers kouroses remontent aussi . La première décoration sculpturale du temple remonte à la même époque. - reliefs et des statues de Prinia sur l'île de Crète. Par la suite, le décor sculptural remplit les champs mis en valeur dans le temple par sa conception même - frontons et les métopes V Temple dorique, frise continue (zophore) - en ionique. Les premières compositions de fronton de la sculpture grecque antique proviennent de l'Acropole athénienne. et du temple d'Artémis sur l'île de Kerkyra (Corfou). Les statues funéraires, dédicatoires et cultuelles sont représentées à l'archaïque par le type de kouros et kora . Des reliefs archaïques ornent les bases des statues, les frontons et les métopes des temples (plus tard, des sculptures rondes remplacent les reliefs des frontons), ainsi que les pierres tombales. . Parmi les monuments célèbres de la sculpture ronde archaïque figurent la tête d'Héra, trouvée près de son temple à Olympie, la statue de Cléobis et Beaton depuis Delphes, Moschophore (« Porteur du Taureau ») de l'Acropole athénienne, Héra de Samos , statues de Didyme, Nikka Arherma et autres. La dernière statue montre la conception archaïque de ce qu'on appelle la « course à genoux », utilisée pour représenter un personnage volant ou courant. Dans la sculpture archaïque, toute une série de conventions sont également adoptées - par exemple, le soi-disant « sourire archaïque » sur les visages des sculptures archaïques.
La sculpture de l'époque archaïque est dominée par des statues de jeunes gens nus et élancés et de jeunes filles drapées - kouros et koras. Ni l'enfance ni la vieillesse n'ont alors attiré l'attention des artistes, car ce n'est que dans la jeunesse mûre que les forces vitales s'épanouissent et s'équilibrent pleinement. L’art grec primitif crée des images de l’homme et de la femme dans leur forme idéale. À cette époque, les horizons spirituels s'élargissaient de manière inhabituelle ; l'homme semblait se sentir face à face avec l'univers et voulait comprendre son harmonie, le secret de son intégrité. Les détails étaient éludés, les idées sur le « mécanisme » spécifique de l’univers étaient les plus fantastiques, mais le pathétique de l’ensemble, la conscience de l’interconnexion universelle – c’était ce qui constituait la force de la philosophie, de la poésie et de l’art de la Grèce archaïque*. De même que la philosophie, alors encore proche de la poésie, devinait astucieusement les principes généraux du développement, et la poésie - l'essence des passions humaines, art créé une apparence humaine généralisée. Regardons les kouros, ou, comme on les appelle parfois, les « Apollos archaïques ». Peu importe que l'artiste ait réellement eu l'intention de représenter Apollon, ou un héros, ou un athlète. L'homme est jeune, nu, et sa chaste nudité n'a pas besoin de couvertures honteuses. Il se tient toujours droit, son corps est empreint d'une volonté de bouger. La structure du corps est montrée et soulignée avec la plus grande clarté ; Vous pouvez immédiatement voir que les longues jambes musclées peuvent se plier au niveau des genoux et courir, les muscles abdominaux peuvent se tendre, la poitrine peut gonfler avec une respiration profonde. Le visage n'exprime aucune expérience spécifique ni trait de caractère individuel, mais les possibilités d'expériences diverses y sont cachées. Et le «sourire» conventionnel - les coins de la bouche légèrement relevés - n'est que la possibilité d'un sourire, un soupçon de la joie d'être inhérente à cette personne apparemment nouvellement créée.
Les statues de Kouros ont été créées principalement dans les zones où dominait le style dorien, c'est-à-dire sur le territoire de la Grèce continentale ; statues féminines - kora - principalement en Asie Mineure et dans les villes insulaires, centres du style ionien. De belles figures féminines ont été découvertes lors des fouilles de l'Acropole athénienne archaïque, construite au 6ème siècle avant JC. e., lorsque Pisistrate y régnait et le détruisit pendant la guerre avec les Perses. Pendant vingt-cinq siècles, des croûtes de marbre ont été enfouies dans les « déchets persans » ; Finalement on les sortit de là, à moitié brisés, mais sans perdre leur extraordinaire charme. Peut-être que certains d'entre eux ont été interprétés par des maîtres ioniques invités par Pisistrate à Athènes ; leur art a influencé la plasticité attique, qui combine désormais les traits de la sévérité dorique avec la grâce ionienne. Dans les barques de l’Acropole athénienne, l’idéal de féminité s’exprime dans sa pureté immaculée. Le sourire est éclatant, le regard est confiant et comme joyeusement émerveillé devant le spectacle du monde, la silhouette est chastement drapée d'un peplos - un voile, ou d'une robe légère - un chiton (à l'époque archaïque, les figures féminines, contrairement les hommes, n'étaient pas encore représentés nus), les cheveux coulent sur les épaules en mèches bouclées. Ces kora se tenaient sur des socles devant le temple d'Athéna, tenant une pomme ou une fleur à la main.
Les sculptures archaïques (ainsi que les classiques) n’étaient pas aussi uniformément blanches qu’on l’imagine aujourd’hui. Beaucoup présentent encore des traces de coloration. Les cheveux des filles de marbre étaient dorés, leurs joues étaient roses et leurs yeux étaient bleus. Sur fond de ciel sans nuages de la Grèce, tout cela aurait dû paraître très festif, mais en même temps strict, grâce à la clarté, au calme et au caractère constructif des formes et des silhouettes. Il n’y avait pas de floraison excessive ni de panachure. La recherche des fondements rationnels de la beauté, de l'harmonie basée sur la mesure et le nombre est très point important dans l'esthétique grecque. Les philosophes pythagoriciens cherchaient à saisir les relations numériques naturelles dans les harmonies musicales et dans la disposition des corps célestes, estimant que l’harmonie musicale correspond à la nature des choses, à l’ordre cosmique, à « l’harmonie des sphères ». Les artistes recherchaient des proportions mathématiquement vérifiées du corps humain et du « corps » de l'architecture. En cela, l'art grec primitif était fondamentalement différent de l'art crétois-mycénien, qui était étranger à toutes les mathématiques.
Scène de genre très vivante : Ainsi, à l'époque archaïque, les bases de la sculpture grecque antique, les orientations et les options pour son développement ont été posées. Même alors, les principaux objectifs de la sculpture, les idéaux esthétiques et les aspirations des Grecs anciens étaient clairs. Au cours des périodes ultérieures, ces idéaux et les compétences des sculpteurs anciens se sont développés et améliorés.
1.3 Sculpture grecque classique
La période classique de la sculpture grecque antique tombe aux Ve-IVe siècles avant JC. (ancien classique ou « style strict » - 500/490 - 460/450 avant JC ; haut - 450 - 430/420 avant JC ; « style riche » - 420 - 400/390 . avant JC ; classique tardif - 400/390 - D'ACCORD. 320 avant JC e.). Au tournant de deux époques - archaïque et classique - se dresse le décor sculptural du temple d'Athéna Aphaia sur l'île d'Égine. . Les sculptures du fronton ouest remontent à la fondation du temple (510 - 500 avant JC BC), sculptures du deuxième oriental, remplaçant les précédentes, - au début de l'époque classique (490 - 480 avant JC). Le monument central de la sculpture grecque antique des premiers classiques est constitué par les frontons et les métopes du temple de Zeus à Olympie (environ 468 - 456 avant JC e.). Une autre œuvre importante des premiers classiques - le soi-disant « Trône de Ludovisi », décoré de reliefs. De cette époque, un certain nombre d'originaux en bronze ont également survécu - le "Delphic Charioteer", statue de Poséidon du Cap Artémisium, Bronze de Riace . Les plus grands sculpteurs des premiers classiques - Pythagore Regian, Kalamid et Miron . Nous jugeons le travail de célèbres sculpteurs grecs principalement à partir de preuves littéraires et de copies ultérieures de leurs œuvres. Les grands classiques sont représentés par les noms de Phidias et Polyclète . Son apogée à court terme est associée aux travaux sur l'Acropole athénienne, c'est-à-dire à la décoration sculpturale du Parthénon. (Frontons, métopes et zophores ont survécu, 447 - 432 avant JC). Le summum de la sculpture grecque antique était apparemment la chrysoéléphantine. Statues d'Athéna Parthénos et Zeus de l'Olympe de Phidias (tous deux n'ont pas survécu). Le « style riche » est caractéristique des œuvres de Callimaque, d'Alcamène, Agorakrit et autres sculpteurs du Ve siècle. avant JC J.-C. Ses monuments caractéristiques sont les reliefs de la balustrade du petit temple de Nike Apteros sur l'Acropole athénienne (environ 410 avant JC) et un certain nombre de stèles funéraires, parmi lesquelles la plus célèbre est la stèle d'Hégéso. . Les œuvres les plus importantes de la sculpture grecque antique des classiques tardifs - la décoration du temple d'Asclépios à Épidaure (environ 400 - 375 avant JC), temple d'Athéna Aley à Tegea (environ 370 - 350 avant JC), le temple d'Artémis à Éphèse (environ 355 - 330 avant JC) et le mausolée à Halicarnasse (vers 350 avant JC), sur la décoration sculpturale dont Scopas, Briaxides, Timothée ont travaillé et Léohar . On attribue également à ce dernier les statues d'Apollon du Belvédère et Diane de Versailles . Il existe également un certain nombre d'originaux en bronze du IVe siècle. avant JC e. Les plus grands sculpteurs des classiques tardifs - Praxitèle, Scopas et Lysippe, anticipant à bien des égards l’ère ultérieure de l’hellénisme.
La sculpture grecque a survécu en partie dans les décombres et les fragments. La plupart des statues nous sont connues grâce à des copies romaines, qui ont été réalisées en grand nombre, mais ne transmettaient pas la beauté des originaux. Les copistes romains les rendaient rugueux et séchés, et lors de la transformation des objets en bronze en marbre, ils les défiguraient avec des supports maladroits. Les grandes figures d'Athéna, d'Aphrodite, d'Hermès, de Satyre, que l'on voit aujourd'hui dans les salles de l'Ermitage, ne sont que de pâles reprises de chefs-d'œuvre grecs. Vous passez devant eux presque indifféremment et vous vous arrêtez soudain devant une tête au nez cassé, à l'œil endommagé : c'est un original grec ! Et l’incroyable puissance de la vie s’est soudainement dégagée de ce fragment ; Le marbre lui-même est différent de celui des statues romaines - non pas d'un blanc mortel, mais jaunâtre, transparent, lumineux (les Grecs le frottaient également avec de la cire, ce qui donnait au marbre un ton chaud). Si douces sont les transitions fondantes de la lumière et de l'ombre, si nobles sont les douces sculptures du visage, qu'on rappelle involontairement les délices des poètes grecs : ces sculptures respirent vraiment, elles sont vraiment vivantes*. Dans la sculpture de la première moitié du siècle, lorsqu'il y avait des guerres avec les Perses, prédominait un style courageux et strict. Puis un groupe de statuettes de tyrannicides fut créé : un mari mûr et un jeune homme, debout côte à côte, font un mouvement impétueux en avant, le plus jeune lève son épée, le plus âgé lui fait de l'ombre avec son manteau. Il s'agit d'un monument dédié aux personnages historiques - Harmodius et Aristogiton, qui ont tué le tyran athénien Hipparque plusieurs décennies plus tôt - le premier monument politique de l'art grec. En même temps, il exprime l’esprit héroïque de résistance et l’amour de la liberté qui ont éclaté à l’époque des guerres gréco-perses. « Ils ne sont pas les esclaves des mortels, ils ne sont soumis à personne », disent les Athéniens dans la tragédie d’Eschyle « Les Perses ». Batailles, escarmouches, exploits des héros... L'art des premiers classiques regorge de ces sujets guerriers. Sur les frontons du temple d'Athéna à Égine - la lutte des Grecs contre les Troyens. Sur le fronton occidental du temple de Zeus à Olympie se trouve la lutte des Lapithes avec les centaures, sur les métopes se trouvent les douze travaux d'Hercule. Un autre ensemble de motifs favoris est celui des compétitions de gymnastique ; à cette époque lointaine, la condition physique et la maîtrise des mouvements du corps étaient déterminantes pour l'issue des combats, les jeux athlétiques étaient donc loin d'être un simple divertissement. Les thèmes du combat au corps à corps, des compétitions équestres, des compétitions de course à pied et des compétitions de lancer de disque ont appris aux sculpteurs à représenter le corps humain de manière dynamique. La rigidité archaïque des personnages est surmontée. Maintenant ils agissent, ils bougent ; des poses complexes, des angles audacieux et des gestes larges apparaissent. L'innovateur le plus brillant était le sculpteur attique Myron. La tâche principale de Myron était d’exprimer le mouvement de la manière la plus complète et la plus puissante possible. Le métal ne permet pas un travail aussi précis et délicat que le marbre, et c'est peut-être pour cela qu'il s'est tourné vers la recherche du rythme du mouvement. L'équilibre, une « philosophie » majestueuse, est préservé dans la sculpture classique d'un style strict. Le mouvement des personnages n’est ni erratique, ni trop excité, ni trop rapide. Même dans les motifs dynamiques de combat, de course et de chute, le sentiment de « calme olympique », de plénitude plastique holistique et de repli sur soi n’est pas perdu.
Athéna, qu'il réalisa sur ordre de Platées et qui coûta très cher à cette ville, renforça la renommée du jeune sculpteur. Il fut chargé de créer une statue colossale d'Athéna, la patronne de l'Acropole. Il atteignait 60 pieds de hauteur et était plus haut que tous les bâtiments environnants ; De loin, depuis la mer, elle brillait comme une étoile d'or et régnait sur toute la ville. Ce n'était pas un acrolitique (composite), comme celui de Platée, mais il était entièrement coulé en bronze. Une autre statue de l'Acropole, Athéna la Vierge, réalisée pour le Parthénon, était en or et en ivoire. Athéna était représentée dans une combinaison de combat, portant un casque doré avec un sphinx en haut relief et des vautours sur les côtés. Dans une main elle tenait une lance, dans l'autre un morceau de victoire. Un serpent enroulé à ses pieds, le gardien de l'Acropole. Cette statue est considérée comme la meilleure assurance de Phidias après son Zeus. Il a servi d’original à d’innombrables copies. Mais le summum de la perfection de toutes les œuvres de Phidias est considéré comme son Zeus Olympien. Ce fut la plus grande œuvre de sa vie : les Grecs eux-mêmes lui donnèrent la palme. Il fit une impression irrésistible sur ses contemporains.
Zeus était représenté sur le trône. Dans une main, il tenait un sceptre, dans l'autre, une image de victoire. Le corps était en ivoire, les cheveux étaient en or, la robe était en or et émaillée. Le trône comprenait de l'ébène, des os et des pierres précieuses. Les murs entre les jambes ont été peints par le cousin de Phidias, Panen ; le pied du trône était une merveille de sculpture. L'admiration des Grecs pour la beauté et la structure sage du corps vivant était si grande qu'ils n'y pensaient esthétiquement que dans l'intégralité et l'exhaustivité statuaire, leur permettant d'apprécier la majesté de la posture et l'harmonie des mouvements du corps. Mais l’expressivité ne réside pas tant dans les expressions faciales que dans les mouvements du corps. En regardant Moira du Parthénon, mystérieusement sereine, en voyant Nike, rapide et enjouée, dénouer sa sandale, on oublierait presque que leurs têtes ont été cassées tant la plasticité de leurs figures est éloquente.
En effet, les corps des statues grecques sont exceptionnellement spirituels. Le sculpteur français Rodin disait de l’un d’eux : « Ce jeune torse sans tête sourit plus joyeusement à la lumière et au printemps que ne pourraient le faire les yeux et les lèvres. » Les mouvements et les postures sont dans la plupart des cas simples, naturels et ne sont pas nécessairement associés à quelque chose de sublime. Les têtes des statues grecques sont, en règle générale, impersonnelles, c'est-à-dire peu individualisées, réduites à quelques variations d'un type général, mais ce type général a une grande capacité spirituelle. Dans le visage de type grec, l'idée de « l'humain » dans sa version idéale triomphe. Le visage est divisé en trois parties d’égale longueur : le front, le nez et la partie inférieure. Ovale correct et doux. La ligne droite du nez prolonge la ligne du front et forme une perpendiculaire à la ligne tracée depuis le début du nez jusqu'à l'ouverture de l'oreille (angle facial droit). Section oblongue des yeux assez enfoncés. Une petite bouche, des lèvres pleines et convexes, la lèvre supérieure est plus fine que la inférieure et présente une belle coupe lisse comme un arc de Cupidon. Le menton est grand et rond. Les cheveux ondulés s'adaptent doucement et étroitement à la tête, sans interférer avec la visibilité de la forme arrondie du crâne. Cette beauté classique peut sembler monotone, mais, représentant « l’apparence naturelle de l’esprit » expressive, elle se prête à la variation et est capable d’incarner divers types de l’idéal ancien. Un peu plus d'énergie dans les lèvres, dans le menton saillant - devant nous se trouve la stricte vierge Athéna. Il y a plus de douceur dans le contour des joues, les lèvres sont légèrement entrouvertes, les orbites sont ombrées - devant nous se trouve le visage sensuel d'Aphrodite. L'ovale du visage est plus proche d'un carré, le cou est plus épais, les lèvres sont plus grandes, c'est déjà l'image d'un jeune athlète. Mais la base reste la même apparence classique strictement proportionnelle.
Après la guerre… La pose caractéristique du personnage debout change. À l’époque archaïque, les statues étaient complètement droites, de face. Les classiques matures les animent et les animent avec des mouvements équilibrés et fluides, maintenant l'équilibre et la stabilité. Et les statues de Praxitèle - le satyre au repos, Apollon Saurocton - s'appuient avec une grâce paresseuse sur des piliers, sans eux elles devraient tomber. La cuisse d'un côté est très fortement cambrée et l'épaule est abaissée bas vers la cuisse - Rodin compare cette position du corps à un harmonica, lorsque le soufflet est comprimé d'un côté et écarté de l'autre. Un soutien externe est nécessaire pour l’équilibre. C'est une position de repos de rêve. Praxitèle suit les traditions de Polyclète, utilise les motifs des mouvements qu'il a trouvés, mais les développe de telle manière qu'un contenu interne différent y transparaît. "L'Amazone blessée" Polyclète s'appuie également sur une demi-colonne, mais elle aurait pu se tenir debout sans elle, son corps fort et énergique, même souffrant d'une blessure, se tient fermement au sol. L'Apollon de Praxitèle n'est pas touché par une flèche, il vise lui-même un lézard qui court le long d'un tronc d'arbre - une action qui semble exiger un sang-froid volontaire, mais son corps est instable, comme une tige qui se balance. Et ce n'est pas un détail aléatoire, pas un caprice du sculpteur, mais une sorte de nouveau canon dans lequel s'exprime une vision changée du monde. Cependant, ce n'est pas seulement la nature des mouvements et des poses qui a changé dans la sculpture du IVe siècle avant JC. e. Pour Praxitèle, l’éventail de ses sujets de prédilection devient différent ; il s’éloigne des sujets héroïques pour se diriger vers le « monde lumineux d’Aphrodite et d’Éros ». Il a sculpté la célèbre statue d'Aphrodite de Cnide. Praxitèle et les artistes de son entourage n'aimaient pas représenter les torses musclés des athlètes ; ils étaient attirés par la beauté délicate du corps féminin avec la douce fluidité des volumes. Ils préféraient le type de jeunesse, caractérisé par « la première jeunesse et la beauté efféminée ». Praxitèle était célèbre pour la douceur particulière de sa sculpture et son habileté à traiter le matériau, sa capacité à transmettre la chaleur d'un corps vivant dans le marbre froid2.
Le seul original survivant de Praxitèle est considéré comme la statue en marbre « Hermès avec Dionysos », trouvée à Olympie. Hermès nu, appuyé sur un tronc d'arbre où son manteau a été négligemment jeté, tient d'un bras plié le petit Dionysos et de l'autre une grappe de raisin, vers laquelle tend l'enfant (la main qui tenait les raisins est perdue). Tout le charme du traitement pictural du marbre est dans cette statue, en particulier dans la tête d'Hermès : transitions d'ombre et de lumière, le plus fin « sfumato » (brume), qui, plusieurs siècles plus tard, a été réalisé dans la peinture de Léonard de Vinci. Toutes les autres œuvres du maître ne sont connues que par les mentions d'auteurs anciens et de copies ultérieures. Mais l’esprit de l’art de Praxitèle perdure jusqu’au IVe siècle avant JC. e., et mieux encore, cela se ressent non pas dans les copies romaines, mais dans les petits plastiques grecs, dans les figurines en argile de Tanagra. Ils étaient produits à la fin du siècle en grande quantité, c'était une sorte de production de masse dont le centre principal était à Tanagra. (Une très bonne collection en est conservée à l'Ermitage de Léningrad.) Certaines figurines reproduisent de grandes statues célèbres, d'autres donnent simplement diverses variations libres de la figure féminine drapée. La grâce vivante de ces figures, rêveuses, réfléchies, ludiques, fait écho à l'art de Praxitèle.
1.4 Sculpture de la Grèce hellénistique
Le concept même d’« hellénisme » contient une indication indirecte de la victoire du principe hellénique. Même dans les régions reculées du monde hellénistique, en Bactriane et en Parthie (l’Asie centrale actuelle), apparaissent des formes d’art anciennes transformées de manière unique. Mais l'Egypte est difficile à reconnaître ; sa nouvelle ville d'Alexandrie est déjà un véritable centre éclairé de culture antique, où fleurissent les sciences exactes, les sciences humaines et les écoles philosophiques, issues de Pythagore et de Platon. L'Alexandrie hellénistique a donné au monde le grand mathématicien et physicien Archimède, le géomètre Euclide, Aristarque de Samos, qui dix-huit siècles avant Copernic ont prouvé que la Terre tourne autour du Soleil. Armoires de la célèbre Bibliothèque d'Alexandrie, labellisées lettres grecques, de l'alpha à l'oméga, conservait des centaines de milliers de parchemins - « des œuvres qui brillaient dans tous les domaines de la connaissance ». Là se dressait le grandiose phare de Faros, considéré comme l'une des sept merveilles du monde ; là fut créé le Museyon, le palais des muses - le prototype de tous les futurs musées. Comparée à cette ville portuaire riche et opulente, capitale de l’Égypte ptolémaïque, ville de la métropole grecque, même Athènes paraissait probablement modeste. Mais ces petites et modestes villes étaient la principale source de ces trésors culturels préservés et vénérés à Alexandrie, de ces traditions qui continuaient d'être suivies. Si la science hellénistique doit beaucoup à l’héritage de l’Orient ancien, les arts plastiques conservent un caractère majoritairement grec.
Les principes formateurs de base provenaient des classiques grecs, le contenu est devenu différent. Il y avait une démarcation décisive entre la vie publique et la vie privée. Dans les monarchies hellénistiques, le culte d'un dirigeant unique était établi, assimilé à une divinité, semblable à ce qui existait dans les anciens despotismes orientaux. Mais la similitude est relative : « l’homme privé », qui n’est pas ou peu affecté par les tempêtes politiques, est loin d’être aussi impersonnel que dans les anciens États orientaux. Il a sa propre vie : il est commerçant, il est entrepreneur, il est fonctionnaire, il est scientifique. De plus, il est souvent grec d'origine - après les conquêtes d'Alexandre, la migration massive des Grecs vers l'est a commencé - les concepts de dignité humaine, élevés par la culture grecque, ne lui sont pas étrangers. Même s'il est éloigné du pouvoir et des affaires gouvernementales, son monde privé isolé requiert et trouve une expression artistique, dont la base est les traditions des classiques grecs tardifs, retravaillées dans un esprit d'intimité et de genre plus grands. Et dans l’art « d’État », l’art officiel, dans les grands édifices et monuments publics, les mêmes traditions sont transformées, au contraire, vers le faste.
Le faste et l’intimité sont des traits opposés ; L'art hellénistique est plein de contrastes : gigantesque et miniature, cérémonial et quotidien, allégorique et naturel. Le monde est devenu plus complexe et les besoins esthétiques se sont diversifiés. La tendance principale est un abandon du type humain généralisé vers une compréhension de l'homme en tant qu'être concret et individuel, et donc une attention croissante portée à sa psychologie, un intérêt pour les événements et une nouvelle vigilance à l'égard des signes nationaux, d'âge, sociaux et autres. personnalité. Mais comme tout cela s'exprimait dans un langage hérité des classiques, qui ne se fixaient pas de telles tâches, une certaine inorganicité se fait sentir dans les œuvres innovantes de l'époque hellénistique ; elles n'atteignent pas l'intégrité et l'harmonie de leurs grands prédécesseurs. Le portrait de la tête de la statue héroïque « Diadochi » ne correspond pas à son torse nu, qui reprend le type d'un athlète classique. Le drame du groupe sculptural à plusieurs figures « Farnese Bull » est contredit par la représentativité « classique » des personnages ; leurs poses et leurs mouvements sont trop beaux et fluides pour croire à la vérité de leurs expériences. Dans de nombreuses sculptures de parcs et de chambres, les traditions de Praxitèle sont diminuées : Eros, « le dieu grand et puissant », se transforme en un Cupidon espiègle et joueur ; Apollon - dans l'Apollon coquet et efféminé ; renforcer le genre ne leur profite pas. Et les célèbres statues hellénistique représentant des vieilles femmes portant des provisions, une vieille femme ivre, un vieux pêcheur au corps flasque manquent de puissance de généralisation figurative ; l'art maîtrise extérieurement ces nouveaux types, sans pénétrer dans les profondeurs - après tout, l'héritage classique n'en a pas fourni la clé. La statue d'Aphrodite, traditionnellement appelée Vénus de Milo, a été découverte en 1820 sur l'île de Melos et a immédiatement acquis une renommée mondiale en tant que création parfaite de l'art grec. Cette haute évaluation n'a pas été ébranlée par de nombreuses découvertes ultérieures d'originaux grecs - parmi elles, Aphrodite de Milo occupe une place particulière. Apparemment exécuté au IIe siècle avant JC. e. (du sculpteur Agesander ou Alexander, comme le dit l'inscription à moitié effacée sur le socle), elle ne ressemble guère aux statues contemporaines représentant la déesse de l'amour. Les aphrodites hellénistiques remontaient le plus souvent au type de l'Aphrodite de Cnide de Praxitèle, la rendant sensuellement séduisante, voire légèrement mièvre ; telle est par exemple la fameuse Aphrodite de la Médecine. Aphrodite de Milo, à moitié nue, drapée jusqu'aux hanches, est sévère et d'un calme sublime. Elle personnifie moins l'idéal de la beauté féminine que l'idéal de l'homme au sens général et le plus élevé. L'écrivain russe Gleb Uspensky a trouvé une expression réussie : l'idéal d'un « homme redressé ». La statue était bien conservée, mais ses mains étaient cassées. Il y a eu de nombreuses spéculations sur ce que faisaient ces mains : la déesse tenait-elle une pomme ? ou un miroir ? ou tenait-elle l'ourlet de sa robe ? Aucune reconstruction convaincante n’a été trouvée ; en fait, elle n’est pas nécessaire. Le « manque de bras » d'Aphrodite de Milo est devenu au fil du temps, pour ainsi dire, son attribut ; il n'interfère en rien avec sa beauté et renforce même l'impression de la majesté de sa silhouette. Et comme aucune statue grecque intacte n'a survécu, c'est dans cet état partiellement endommagé qu'Aphrodite apparaît devant nous comme une « énigme de marbre », offerte par l'Antiquité, comme symbole de la lointaine Hellas.
Un autre monument merveilleux de l’hellénisme (parmi ceux qui nous sont parvenus, et combien ont disparu !) est l’autel de Zeus à Pergame. L'école de Pergame, plus que d'autres, gravitait vers le pathos et le drame, poursuivant les traditions de Skopas. Ses artistes n’ont pas toujours recours à des sujets mythologiques, comme c’était le cas à l’époque classique. Sur la place de l'Acropole de Pergame se trouvaient des groupes sculpturaux qui perpétuaient un véritable événement historique : la victoire sur les « barbares », les tribus gauloises qui assiégèrent le royaume de Pergame. Pleins d'expression et de dynamisme, ces groupes se distinguent également par le fait que les artistes rendent hommage aux vaincus, les montrant à la fois vaillants et souffrants. Ils représentent un Gaulois tuant sa femme et lui-même pour éviter la captivité et l'esclavage ; représentent un Gaulois mortellement blessé, allongé sur le sol, la tête baissée. Son visage et sa silhouette montrent immédiatement qu'il est un « barbare », un étranger, mais il meurt d'une mort héroïque, et cela se voit. Dans leur art, les Grecs ne se sont pas abaissés à humilier leurs adversaires ; Cette caractéristique de l'humanisme éthique apparaît avec une clarté particulière lorsque les opposants - les Gaulois - sont représentés de manière réaliste. Après les campagnes d'Alexandre, l'attitude envers les étrangers a beaucoup changé en général. Comme l'écrit Plutarque, Alexandre se considérait comme le réconciliateur de l'univers, « faisant boire tous... à la même coupe d'amitié et mélangeant les vies, les mœurs, les mariages et les formes de vie ». La morale et les formes de vie, ainsi que les formes de religion, ont réellement commencé à se mélanger à l'époque hellénistique, mais l'amitié n'a pas régné et la paix n'est pas venue, les conflits et la guerre ne se sont pas arrêtés. Les guerres de Pergame avec les Gaulois n’en sont qu’un des épisodes. Lorsque la victoire sur les Gaulois fut finalement remportée, l'autel de Zeus fut érigé en son honneur, achevé en 180 avant JC. e. Cette fois, la guerre à long terme avec les « barbares » est apparue comme une gigantomachie - une lutte entre les dieux de l'Olympe et les géants. Selon un mythe ancien, les géants - des géants qui vivaient loin à l'ouest, fils de Gaia (Terre) et d'Uranus (Ciel) - se sont rebellés contre les Olympiens, mais ont été vaincus par eux après une bataille acharnée et enterrés sous des volcans, au les entrailles profondes de la terre mère, d'où ils nous rappellent eux-mêmes avec des éruptions volcaniques et des tremblements de terre. Une grandiose frise en marbre, longue d'environ 120 mètres, réalisée selon la technique du haut-relief, entourait la base de l'autel. Les vestiges de cette structure ont été fouillés dans les années 1870 ; Grâce au travail minutieux des restaurateurs, il a été possible de relier des milliers de fragments et d'obtenir une image assez complète de la composition générale de la frise. Des corps puissants s'entassent, s'entrelacent, comme une boule de serpents, les géants vaincus sont tourmentés par des lions à crinière hirsute, les chiens se mordent les dents, les chevaux piétinent sous leurs pieds, mais les géants se battent avec acharnement, leur chef Porphyrion ne recule pas devant le Zeus le tonnerre. La mère des géants, Gaia, supplie d'épargner ses fils, mais ils ne l'écoutent pas. La bataille est terrible. Il y a quelque chose de prémonitoire de Michel-Ange dans les angles tendus des corps, dans leur puissance titanesque et leur pathétique tragique. Bien que les batailles et les combats fussent un thème fréquent dans les reliefs antiques, à commencer par l'archaïque, ils n'ont jamais été représentés comme sur l'autel de Pergame - avec un sentiment si frémissant de cataclysme, de bataille pour la vie ou la mort, où toutes les forces cosmiques, tous les démons participent la terre et le ciel. La structure de la composition a changé, elle a perdu sa clarté classique et est devenue tourbillonnante et déroutante. Rappelons-nous les figures de Skopas sur le relief du mausolée d'Halicarnasse. Eux, avec tout leur dynamisme, se situent dans un même plan spatial, ils sont séparés par des intervalles rythmiques, chaque figure a une certaine indépendance, les masses et l'espace sont équilibrés. C'est différent dans la frise de Pergame : les combattants ici sont à l'étroit, la masse a supprimé l'espace et toutes les figures sont si entrelacées qu'elles forment un désordre orageux de corps. Et les corps sont toujours d’une beauté classique, « tantôt radieux, tantôt menaçants, vivants, morts, triomphants, mourants », comme le disait à leur sujet I. S. Tourgueniev*. Les Olympiens sont beaux, leurs ennemis aussi. Mais l'harmonie de l'esprit fluctue. Visages déformés par la souffrance, ombres profondes dans les orbites, cheveux serpentins... Les Olympiens triomphent toujours des forces des éléments souterrains, mais cette victoire n'est pas pour longtemps - les principes élémentaires menacent de faire exploser l'harmonieux, monde harmonieux. De même que l’art de l’archaïque grec ne doit pas être considéré uniquement comme le premier signe avant-coureur des classiques, de même L’art hellénistique dans son ensemble ne peut être considéré comme un écho tardif des classiques, sous-estimant les choses fondamentalement nouvelles qu’il a apportées. Cette nouveauté était liée à la fois à l'expansion des horizons de l'art et à son intérêt curieux pour la personnalité humaine et les conditions spécifiques et réelles de sa vie. De là, tout d'abord, le développement du portrait, du portrait individuel, presque inconnu des grands classiques, et les classiques tardifs n'en étaient qu'aux approches. Les artistes hellénistiques, même en réalisant des portraits de personnes décédées depuis longtemps, leur ont donné une interprétation psychologique et ont cherché à révéler le caractère unique de l'apparence extérieure et intérieure. Ce ne sont pas des contemporains, mais des descendants qui nous ont laissé les visages de Socrate, d'Aristote, d'Euripide, de Démosthène et même du légendaire Homère, un conteur aveugle et inspiré. Le portrait d'un vieux philosophe inconnu est étonnant par son réalisme et son expression - apparemment, un polémiste passionné et irréconciliable, dont le visage ridé aux traits acérés n'a rien de commun avec le type classique. Auparavant, il était considéré comme un portrait de Sénèque, mais le célèbre stoïcien a vécu plus tard que ce buste en bronze n'a été sculpté.
Pour la première fois, un enfant avec toutes les caractéristiques anatomiques de l'enfance et tout le charme qui le caractérise fait l'objet d'une chirurgie plastique. À l’époque classique, si de petits enfants étaient représentés, il s’agissait plutôt d’adultes miniatures. Même dans le groupe de Praxitèle « Hermès avec Dionysos », Dionysos ne ressemble guère à un bébé dans son anatomie et ses proportions. Il semble que ce n'est que maintenant qu'ils ont remarqué que l'enfant est une créature tout à fait spéciale, enjouée et rusée, avec ses propres habitudes particulières ; remarqué et furent tellement captivés par lui que le dieu de l'amour Eros lui-même commença à être représenté comme un enfant, marquant le début d'une tradition établie depuis des siècles. Les enfants dodus et bouclés des sculpteurs hellénistiques s'adonnent à toutes sortes d'astuces : monter un dauphin, jouer avec les oiseaux, voire étrangler des serpents (c'est le bébé Hercule). La statue d'un garçon combattant une oie était particulièrement populaire. De telles statues étaient placées dans des parcs, décoraient des fontaines, étaient placées dans les sanctuaires d'Asclépios, le dieu de la guérison, et étaient parfois utilisées pour des pierres tombales.
Conclusion
Nous avons examiné la sculpture de la Grèce antique tout au long de sa période de développement. Nous avons vu tout le processus de sa formation, son épanouissement et son déclin - toute la transition des formes archaïques strictes, statiques et idéalisées à travers l'harmonie équilibrée de la sculpture classique jusqu'au psychologisme dramatique des statues hellénistiques. La sculpture de la Grèce antique a été à juste titre considérée comme un modèle, un idéal, un canon pendant de nombreux siècles, et elle ne cesse désormais d'être reconnue comme un chef-d'œuvre des classiques mondiaux. Rien de tel n’a été réalisé avant ou depuis. Toute sculpture moderne peut être considérée, à un degré ou à un autre, comme une continuation des traditions de la Grèce antique. La sculpture de la Grèce antique a traversé un chemin difficile dans son développement, préparant le terrain pour le développement de la sculpture aux époques ultérieures dans divers pays. Plus tard, les traditions de la sculpture grecque antique se sont enrichies de nouveaux développements et réalisations, tandis que les anciens canons ont servi de fondement nécessaire, de base pour le développement de l'art plastique à toutes les époques ultérieures.
