Léonard de Vinci. Statue intitulée "Le cheval de Léonard perdu face à Michel-Ange lors d'un combat en tête-à-tête"

À la Renaissance, il y avait de nombreux sculpteurs, artistes, musiciens et inventeurs brillants. Léonard de Vinci se démarque dans leur contexte. Il a créé instruments de musique, il possédait de nombreuses inventions techniques, des peintures peintes, des sculptures et bien plus encore.

Ses caractéristiques extérieures sont également étonnantes : grande taille, apparence angélique et force extraordinaire. Rencontrons le génie Léonard de Vinci, courte biographie vous racontera ses principales réalisations.

Faits biographiques

Il est né près de Florence dans la petite ville de Vinci. Léonard de Vinci était le fils illégitime d'un célèbre et riche notaire. Sa mère est une paysanne ordinaire. Comme le père n'avait pas d'autres enfants, à l'âge de 4 ans, il emmena le petit Leonardo vivre avec lui. Le garçon a démontré son intelligence extraordinaire et son caractère amical dès son plus jeune âge, et il est rapidement devenu l'un des favoris de la famille.

Pour comprendre comment s'est développé le génie de Léonard de Vinci, une brève biographie peut être présentée comme suit :

A l'âge de 14 ans, il entre dans l'atelier de Verrocchio, où il étudie le dessin et la sculpture.
En 1480, il s'installe à Milan, où il fonde l'Académie des Arts.
En 1499, il quitte Milan et commence à se déplacer de ville en ville, où il construit des structures défensives. C'est à cette même période que débute sa célèbre rivalité avec Michel-Ange.
Depuis 1513, il travaille à Rome. Sous François Ier, il devient sage de cour.

Léonard est mort en 1519. Comme il le croyait, rien de ce qu’il avait commencé n’était jamais terminé.

Parcours créatif

L'œuvre de Léonard de Vinci, dont une brève biographie a été décrite ci-dessus, peut être divisée en trois étapes.

Période au début. De nombreuses œuvres du grand peintre étaient inachevées, comme « L'Adoration des Mages » pour le monastère de San Donato. Durant cette période, les tableaux « Madonna Benois » et « L'Annonciation » ont été peints. Malgré son jeune âge, le peintre fait déjà preuve d'une grande habileté dans ses peintures.
La période de maturité créative de Leonardo s'est déroulée à Milan, où il envisageait de faire carrière en tant qu'ingénieur. L'œuvre la plus populaire écrite à cette époque était La Cène, et en même temps il commença à travailler sur La Joconde.
À la fin de la période de créativité, le tableau « Jean-Baptiste » et une série de dessins « Le Déluge » ont été créés.

La peinture a toujours été un complément à la science pour Léonard de Vinci, qui cherchait à capturer la réalité.

Invention

Une courte biographie ne peut pas rendre pleinement compte de la contribution de Léonard de Vinci à la science. Cependant, nous pouvons noter les découvertes les plus célèbres et les plus précieuses du scientifique.

C'est lui qui a apporté la plus grande contribution à la mécanique, comme en témoignent ses nombreux dessins. Léonard de Vinci a étudié la chute d'un corps, les centres de gravité des pyramides et bien plus encore.
Il a inventé une voiture en bois entraînée par deux ressorts. Le mécanisme de la voiture était équipé d'un frein.
Il a imaginé une combinaison spatiale, des palmes et un sous-marin, ainsi qu'un moyen de plonger en profondeur sans utiliser de combinaison spatiale avec un mélange gazeux spécial.
L'étude du vol des libellules a conduit à la création de plusieurs variantes d'ailes humaines. Les expériences ont échoué. Cependant, le scientifique a ensuite inventé un parachute.
Il a participé aux développements de l'industrie militaire. L'une de ses propositions concernait des chars équipés de canons. Il a proposé un prototype de tatou et de char.
Léonard de Vinci a réalisé de nombreux développements dans le domaine de la construction. Ponts en arc, machines de drainage et grues sont toutes ses inventions.

Il n’y a pas d’homme comme Léonard de Vinci dans l’histoire. C'est pourquoi beaucoup le considèrent comme un étranger venu d'autres mondes.

Cinq secrets de Léonard de Vinci

Aujourd’hui, de nombreux scientifiques s’interrogent encore sur l’héritage laissé par le grand homme de l’époque passée. Bien que cela ne vaut pas la peine d'appeler Léonard de Vinci de cette façon, il a prédit beaucoup de choses et a prévu encore plus, créant ses chefs-d'œuvre uniques et étonnants par l'étendue de ses connaissances et de sa pensée. Nous vous proposons cinq secrets du grand Maître qui contribuent à lever le voile du secret sur ses œuvres.

Chiffrement

Le maître a beaucoup chiffré pour ne pas présenter ouvertement ses idées, mais pour attendre un peu que l'humanité « mûrisse et grandisse » pour elles. Également doué des deux mains, de Vinci écrivait de la main gauche, dans les plus petits caractères, et même de droite à gauche, et souvent en miroir. Des énigmes, des métaphores, des énigmes, voilà ce que l'on retrouve à chaque ligne, dans chaque œuvre. Ne signant jamais ses œuvres, le Maître a laissé ses marques, visibles uniquement par un chercheur attentif. Par exemple, après plusieurs siècles, les scientifiques ont découvert qu'en regardant attentivement ses peintures, on pouvait trouver le symbole d'un oiseau qui s'envolait. Ou la célèbre « Madone Benois », trouvée parmi les acteurs ambulants qui portaient la toile comme icône de leur maison.

Sfumato

L'idée de dispersion appartient aussi au grand mystificateur. Regardez de plus près les toiles, tous les objets ne révèlent pas de bords nets, comme dans la vie : le flux fluide d'une image dans une autre, le flou, la dispersion - tout respire, vit, éveille fantasmes et pensées. À propos, le Maître conseillait souvent de pratiquer une telle vision, en scrutant les taches d'eau, les dépôts de boue ou les tas de cendres. Souvent, il fumigait délibérément ses zones de travail avec de la fumée afin de voir dans les clubs ce qui était caché au-delà de l'œil raisonnable.

Regardez le célèbre tableau - le sourire de «Mona Lisa» sous différents angles, parfois tendre, parfois légèrement arrogant et même prédateur. Les connaissances acquises grâce à l'étude de nombreuses sciences ont donné au Maître l'opportunité d'inventer des mécanismes parfaits qui ne sont disponibles que maintenant. Il s'agit par exemple de l'effet de la propagation des ondes, du pouvoir de pénétration de la lumière, du mouvement oscillatoire... et beaucoup de choses doivent encore être analysées, pas même par nous, mais par nos descendants.

Analogies

Les analogies sont l'essentiel dans toutes les œuvres du Maître. L'avantage sur l'exactitude, lorsqu'une troisième découle de deux conclusions de l'esprit, est l'inévitabilité de toute analogie. Et Da Vinci n'a toujours pas d'égal dans sa fantaisie et dans ses parallèles absolument époustouflants. D’une manière ou d’une autre, toutes ses œuvres ont des idées qui ne sont pas cohérentes les unes avec les autres : la fameuse illustration « nombre d'or" - l'un d'eux. Avec les membres écartés et écartés, une personne s'insère dans un cercle, les bras fermés en carré et les bras légèrement levés en croix. C’est ce genre de « moulin » qui a donné au magicien florentin l’idée de créer des églises, où l’autel était placé exactement au milieu et où les fidèles se tenaient en cercle. À propos, les ingénieurs ont aimé cette même idée : c'est ainsi qu'est né le roulement à billes.

Contraposto

La définition désigne l'opposition des contraires et la création d'un certain type de mouvement. Un exemple est la sculpture d'un énorme cheval à Corte Vecchio. Ici, les pattes de l’animal sont positionnées précisément dans le style contrapposto, formant une compréhension visuelle du mouvement.

Incomplétude

C’est peut-être l’un des « trucs » favoris du Maître. Aucune de ses œuvres n'est finie. Achever, c'est tuer, et de Vinci aimait chacune de ses créations. Lent et méticuleux, le canular de tous les temps pourrait prendre quelques coups de pinceau et se rendre dans les vallées de Lombardie pour y améliorer les paysages, passer à la création du prochain appareil chef-d'œuvre, ou autre chose. De nombreuses œuvres se sont révélées gâtées par le temps, le feu ou l'eau, mais chacune des créations, qui a au moins un sens, était et est « inachevée ». À propos, il est intéressant de noter que même après les dégâts, Léonard de Vinci n'a jamais corrigé ses peintures. Après avoir créé sa propre peinture, l’artiste a même délibérément laissé une « fenêtre d’incomplétude », estimant que la vie elle-même ferait les ajustements nécessaires.

Qu'était l'art avant Léonard de Vinci ? Née parmi les riches, elle reflétait pleinement leurs intérêts, leur vision du monde, leur vision de l'homme et du monde. Les œuvres d'art étaient basées sur des idées et des thèmes religieux : affirmation des visions du monde enseignées par l'Église, représentation de scènes de l'histoire sacrée, inculquant aux gens un sentiment de respect, d'admiration pour le « divin » et de conscience de leur propre insignifiance. Le thème dominant détermine également la forme. Naturellement, l'image des « saints » était très éloignée des images de personnes vivantes réelles, c'est pourquoi les schémas, l'artificialité et la statique dominaient dans l'art. Les personnages de ces tableaux étaient une sorte de caricature de personnes vivantes, le paysage est fantastique, les couleurs sont pâles et inexpressives. Certes, avant Léonard, ses prédécesseurs, dont son professeur Andrea Verrocchio, ne se contentaient plus du modèle et essayaient de créer de nouvelles images. Ils avaient déjà commencé à rechercher de nouvelles méthodes de représentation, à étudier les lois de la perspective et à beaucoup réfléchir aux problèmes liés à l'obtention de l'expressivité d'une image.

Cependant, ces recherches de quelque chose de nouveau n'ont pas donné de grands résultats, principalement parce que ces artistes n'avaient pas une idée suffisamment claire de l'essence et des tâches de l'art et une connaissance des lois de la peinture. C'est pourquoi ils sont retombés dans le schématisme, puis dans le naturalisme, tout aussi dangereux pour l'art véritable, copiant des phénomènes individuels de la réalité. L'importance de la révolution opérée par Léonard de Vinci dans l'art et en particulier dans la peinture est déterminée avant tout par le fait qu'il fut le premier à établir clairement, clairement et définitivement l'essence et les tâches de l'art. L’art doit être profondément réaliste et réaliste. Cela doit provenir d’une étude approfondie et minutieuse de la réalité et de la nature. Il doit être profondément véridique, doit décrire la réalité telle qu’elle est, sans aucune artificialité ni mensonge. En réalité, la nature est belle en elle-même et n’a besoin d’aucun embellissement. L'artiste doit étudier attentivement la nature, mais pas pour l'imiter aveuglément, non pas simplement pour la copier, mais pour créer des œuvres, après avoir compris les lois de la nature, les lois de la réalité ; respecter strictement ces lois. Créer de nouvelles valeurs, des valeurs du monde réel, tel est le but de l'art. Cela explique la volonté de Léonard de relier l'art et la science. Au lieu d’une observation simple et fortuite, il considérait qu’il était nécessaire d’étudier le sujet de manière systématique et persistante. On sait que Leonardo ne s'est jamais séparé de l'album et y a écrit des dessins et des croquis.

On dit qu’il aimait se promener dans les rues, les places, les marchés, notant tout ce qui était intéressant : les poses, les visages, les expressions des gens. La deuxième exigence de Léonard pour la peinture est l'exigence de véracité de l'image, de sa vitalité. L'artiste doit s'efforcer de représenter le plus fidèlement possible la réalité dans toute sa richesse. Au centre du monde se trouve une personne vivante, pensante et sensible. C'est lui qu'il faut représenter dans toute la richesse de ses sentiments, de ses expériences et de ses actions. Pour cela, c'est Léonard qui a étudié l'anatomie et la physiologie humaines, pour cela, comme on dit, il a rassemblé dans son atelier des paysans qu'il connaissait et, les soignant, leur a raconté des histoires amusantes afin de voir comment les gens rient, comment le même événement provoque les gens ont des impressions différentes. Si avant Léonard il n'y avait pas de véritable homme en peinture, il est désormais devenu dominant dans l'art de la Renaissance. Des centaines de dessins de Léonard constituent une gigantesque galerie de types de personnes, de leurs visages et de parties de leur corps. L'homme dans toute la diversité de ses sentiments et de ses actions relève de la tâche de la représentation artistique. Et c’est là la force et le charme de la peinture de Léonard. Contraint par les conditions de l'époque à peindre des tableaux principalement sur des sujets religieux, parce que ses clients étaient l'église, les seigneurs féodaux et les riches marchands, Léonard les subordonne impérieusement à son génie. histoires traditionnelles et crée des œuvres d'importance universelle. Les Madones peintes par Léonard sont avant tout l'image de l'un des sentiments profondément humains - le sentiment de maternité, l'amour sans limites d'une mère pour son bébé, l'admiration et l'admiration pour lui. Toutes ses madones sont jeunes, épanouies, plein de vie femmes, tous les bébés de ses tableaux sont des garçons en bonne santé, aux joues pleines, enjoués, chez qui il n’y a pas une once de « sainteté ».

Ses apôtres dans La Cène sont des personnes vivantes d'âges, de statuts sociaux et de caractères différents ; en apparence, ce sont des artisans, des paysans et des intellectuels milanais. En quête de vérité, l'artiste doit être capable de généraliser ce qu'il trouve individuel et doit créer le typique. Ainsi, même en peignant des portraits de certaines personnes historiquement connues, comme Mona Lisa Gioconda, épouse d'un aristocrate en faillite, le marchand florentin Francesco del Gioconda, Léonard leur donne, avec les traits individuels du portrait, un trait typique commun à de nombreuses personnes. C'est pourquoi les portraits qu'il a peints ont survécu aux personnes qui y sont représentées pendant de nombreux siècles. Léonard fut le premier à non seulement étudier attentivement les lois de la peinture, mais aussi à les formuler. Il a étudié en profondeur, comme personne avant lui, les lois de la perspective, le placement de la lumière et de l'ombre. Il avait besoin de tout cela pour atteindre la plus haute expressivité de l’image, afin, comme il le dit, de « devenir l’égal de la nature ». Pour la première fois, c'est dans l'œuvre de Léonard que le tableau en tant que tel perd son caractère statique et devient une fenêtre sur le monde. Quand on regarde sa peinture, la sensation de ce qui a été peint, enfermé dans un cadre, se perd et il semble que l'on regarde à travers une fenêtre ouverte, révélant au spectateur quelque chose de nouveau, quelque chose qu'il n'a jamais vu. Exigeant l'expressivité du tableau, Léonard s'oppose résolument au jeu formel des couleurs, à l'enthousiasme pour la forme au détriment du contenu, à ce qui caractérise si clairement l'art décadent.

Pour Léonard, la forme n'est que la coquille de l'idée que l'artiste doit transmettre au spectateur. Léonard accorde une grande attention aux problèmes de composition du tableau, aux problèmes de placement des personnages et aux détails individuels. D'où sa composition préférée consistant à placer des figures dans un triangle - la figure harmonique géométrique la plus simple - une composition qui permet au spectateur d'embrasser l'ensemble du tableau dans son ensemble. Expressivité, véracité, accessibilité - telles sont les lois de l'art réel et véritablement populaire formulées par Léonard de Vinci, lois qu'il a lui-même incarnées dans ses œuvres brillantes. Déjà dans son premier tableau majeur, « La Madone à la fleur », Léonard a montré dans la pratique ce que signifiaient les principes de l'art qu'il professait. Ce qui frappe dans ce tableau, c'est d'abord sa composition, la répartition étonnamment harmonieuse de tous les éléments du tableau qui composent un tout. L'image d'une jeune mère avec un enfant joyeux dans ses bras est profondément réaliste. Le bleu profond du ciel italien directement ressenti à travers la fente de la fenêtre est incroyablement habilement restitué. Déjà dans cette image, Léonard a démontré le principe de son art - le réalisme, la représentation d'une personne dans le plus profond accord avec sa vraie nature, la représentation d'un schéma non abstrait, ce que l'art ascétique médiéval enseignait et faisait, à savoir une vie vivante. , personne qui se sent.

Ces principes sont encore plus clairement exprimés dans le deuxième tableau majeur de Léonard, « L'Adoration des Mages » de 1481, dans lequel ce qui est significatif n'est pas l'intrigue religieuse, mais la représentation magistrale de personnages, chacun ayant son propre visage individuel. , leur propre pose, exprimant leurs propres sentiments et humeurs. La vérité de la vie est la loi de la peinture de Léonard. Son objectif est la divulgation la plus complète possible de la vie intérieure d’une personne. Dans « La Cène », la composition est perfectionnée : malgré le grand nombre de personnages - 13, leur placement est strictement calculé de manière à ce qu'ils représentent tous dans leur ensemble une sorte d'unité, pleine d'un grand contenu interne. Le tableau est très dynamique : une terrible nouvelle communiquée par Jésus a frappé ses disciples, chacun d'eux y réagit à sa manière, d'où la grande variété d'expressions de sentiments intérieurs sur les visages des apôtres. La perfection de la composition est complétée par une utilisation inhabituellement magistrale des couleurs, une harmonie de lumière et d'ombres. L'expressivité du tableau atteint sa perfection grâce à l'extraordinaire variété non seulement des expressions faciales, mais aussi de la position de chacune des vingt-six mains dessinées dans l'image.

Cet enregistrement de Léonard lui-même nous raconte le travail préliminaire minutieux qu'il a effectué avant de peindre le tableau. Tout y est pensé dans les moindres détails : poses, expressions faciales ; même des détails comme un bol ou un couteau renversé ; Tout cela dans sa somme constitue un tout unique. La richesse des couleurs de ce tableau est combinée à une utilisation subtile du clair-obscur, qui souligne la signification de l'événement représenté dans le tableau. La subtilité de la perspective, la transmission de l'air et de la couleur font de ce tableau un chef-d'œuvre de l'art mondial. Léonard a résolu avec succès de nombreux problèmes auxquels étaient confrontés les artistes de l'époque et a ouvert la voie au développement ultérieur de l'art. Par la puissance de son génie, Léonard a vaincu les traditions médiévales qui pesaient lourdement sur l'art, les a brisées et les a rejetées ; il a pu repousser les limites étroites qui limitaient le pouvoir créatif de l'artiste par la clique des hommes d'église alors au pouvoir, et montrer, au lieu de la scène au pochoir gospel éculée, un immense drame purement humain, montrer des gens vivants avec leurs passions, leurs sentiments. , expériences. Et dans cette image, le grand optimisme vital de l'artiste et penseur Léonard s'est à nouveau manifesté.

Au fil des années de ses pérégrinations, Léonard a peint de nombreux autres tableaux qui ont acquis une renommée et une reconnaissance mondiales bien méritées. Dans "La Gioconda", une image profondément vitale et typique est donnée. C'est cette vitalité profonde, le rendu inhabituellement en relief des traits du visage, des détails individuels et des costumes, combinés à un paysage magistralement peint, qui confère à ce tableau une expressivité particulière. Tout en elle, depuis le demi-sourire mystérieux qui apparaît sur son visage jusqu'à ses mains calmement jointes, parle d'un grand contenu intérieur, de la grande vie spirituelle de cette femme. Le désir de Léonard de transmettre le monde intérieur dans les manifestations extérieures des mouvements mentaux s'exprime ici particulièrement pleinement. Un tableau intéressant de Léonard est « La bataille d'Anghiari », représentant la bataille de cavalerie et d'infanterie. Comme dans ses autres tableaux, Léonard cherchait ici à montrer une variété de visages, de figures et de poses. Des dizaines de personnes représentées par l'artiste créent une impression complète du tableau précisément parce qu'elles sont toutes subordonnées à une seule idée qui en est la base. C’était le désir de montrer la montée de toutes les forces de l’homme au combat, la tension de tous ses sentiments, réunis pour remporter la victoire.

Aucune sculpture fiable de Léonard de Vinci n'a survécu. Mais nous avons un grand nombre de ses dessins. Il s'agit soit de feuilles distinctes représentant des œuvres graphiques achevées, soit le plus souvent de croquis alternés avec ses notes. Léonard a non seulement dessiné des dessins pour toutes sortes de mécanismes, mais il a également capturé sur papier ce que son œil aigu et pénétrant d'artiste et de sage lui a révélé au monde. Il peut peut-être être considéré comme le dessinateur le plus puissant et le plus pointu de tout l’art. Renaissance italienne, et déjà à son époque, beaucoup l’avaient apparemment compris.

"...Il faisait des dessins sur papier", écrit Vasari, "avec une telle virtuosité et une telle beauté qu'aucun artiste ne pouvait l'égaler... Avec un dessin dessiné à la main, il était capable de transmettre ses idées si parfaitement que il a gagné avec ses thèmes et a confondu même les talents les plus fiers ont été inspirés par ses idées... Il a réalisé des modèles et des dessins qui montraient la possibilité de démolir facilement des montagnes et de les percer avec des passages d'une surface à une autre... Il J’ai perdu un temps précieux à représenter un tissage complexe de lacets pour que le tout apparaisse continu d’un bout à l’autre et forme un tout fermé.

Cette dernière remarque de Vasari est particulièrement intéressante. Peut-être des gens du XVIe siècle. ils pensaient que le célèbre artiste perdait en vain son temps précieux dans de tels exercices. Mais dans ces dessins, où un entrelacement continu s'introduit dans le cadre strict de l'ordre qu'il entendait, et dans ceux où il représente des sortes de tourbillons ou un déluge aux vagues déchaînées, lui-même, contemplant pensivement ces tourbillons et ce tourbillon, il essaya décider s'il faut ou non poser des questions qui, peut-être, ne sont pas plus importantes dans le monde : la fluidité du temps, le mouvement éternel, les forces de la nature dans leur formidable émancipation et l'espoir de subordonner ces forces à la volonté humaine.

Il dessinait sur le vif ou créait des images nées de son imagination : des chevaux cabrés, des combats acharnés et le visage du Christ, plein de douceur et de tristesse ; de merveilleuses têtes féminines et des caricatures effrayantes de personnes aux lèvres bombées ou au nez monstrueusement envahi ; traits et gestes des condamnés à mort ou des cadavres sur la potence ; des bêtes fantastiques assoiffées de sang et des corps humains aux plus belles proportions ; des croquis de mains, dans son rendu aussi expressifs que des visages ; des arbres rapprochés, dont chaque pétale est soigneusement peint, et des arbres au loin, dont seuls les contours généraux sont visibles à travers la brume. Et il s'est peint.

Léonard de Vinci était peintre, sculpteur et architecte, chanteur et musicien, poète improvisé, théoricien de l'art, metteur en scène et fabuliste, philosophe et mathématicien, ingénieur, inventeur mécanique, précurseur de l'aéronautique, ingénieur hydraulique et fortificateur, physicien et astronome, anatomiste et opticien, biologiste, géologue, zoologiste et botaniste. Mais cette liste n'épuise pas ses activités.

Léonard a acquis une véritable renommée et une reconnaissance universelle en réalisant un modèle en argile statue équestre Francesco Sforza, c'est-à-dire alors qu'il avait déjà quarante ans. Mais même après cela, les commandes ne lui tombèrent pas dessus et il dut toujours solliciter avec persistance l'utilisation de son art et de ses connaissances.

Vasari écrit :

« Parmi ses modèles et dessins, il y en avait un par lequel il expliquait à tous les citoyens intelligents alors à la tête de Florence son projet de surélever l'église florentine de San Giovanni. Il fallait, sans détruire l'église, construire un escalier en dessous. Et il accompagna son idée d'arguments si convaincants que cette affaire semblait vraiment possible, même si, en s'en séparant, tout le monde reconnaissait intérieurement l'impossibilité d'une telle entreprise.

C'est l'une des raisons pour lesquelles Leonardo n'a pas réussi à trouver moyens possibles application de leur savoir : la grandeur des plans, qui effrayaient même les contemporains les plus éclairés, la grandeur qui les ravissait, mais seulement comme une fantaisie brillante, comme un jeu de l'esprit.

Le principal rival de Léonard était Michel-Ange, et ce dernier a remporté leur compétition. Dans le même temps, Michel-Ange essayait de piquer Léonard, de lui faire sentir le plus douloureusement possible que lui, Michel-Ange, lui était supérieur dans des réalisations réelles et généralement reconnues.

Peintre, sculpteur, architecte, scientifique, ingénieur italien.

Combiner le développement de nouveaux outils langage artistique avec des généralisations théoriques, Léonard de Vinci a créé l'image d'une personne qui répond aux idéaux humanistes de la Haute Renaissance. Dans le tableau « La Cène » (1495-1497, dans le réfectoire du monastère de Santa Maria delle Grazie à Milan), le contenu éthique élevé s'exprime dans des schémas de composition stricts, un système clair de gestes et d'expressions faciales du personnages.

L'idéal humaniste de la beauté féminine est incarné dans le portrait de Mona Lisa (La Gioconda, vers 1503). De nombreuses découvertes, projets, recherches expérimentales dans le domaine des mathématiques, des sciences naturelles et de la mécanique. Une importance décisive défendue expérience en connaissance de la nature ( des cahiers et manuscrits, environ 7 mille feuilles).

Léonard est né dans la famille d'un riche notaire. Il était le fils illégitime d'un notaire florentin et d'une paysanne; a été élevé dans la maison de son père et, étant le fils d'un homme instruit, il a reçu une éducation élémentaire approfondie en lecture, écriture et calcul.

Peut-être en 1467 (à l'âge de 15 ans), Léonard fut-il apprenti chez l'un des principaux maîtres de la Renaissance à Florence, Andrea del Verrocchio. En 1472, Léonard rejoint la guilde des artistes, apprenant les bases du dessin et d'autres disciplines nécessaires. En 1476, il travaillait encore dans l'atelier de Verrocchio, apparemment en collaboration avec le maître lui-même.

Les méthodes de travail dans l’atelier florentin de l’époque, où le travail de l’artiste était étroitement lié aux expériences techniques, ainsi que sa connaissance de l’astronome P. Toscanelli ont contribué à l’émergence des intérêts scientifiques du jeune Léonard. Dans les premières œuvres (la tête d'ange dans le "Baptême" de Verrocchio, après 1470, "Annonciation", vers 1474, tous deux aux Offices, "La Madone Benois", vers 1478, l'Ermitage) enrichit les traditions de la peinture du Quattrocento, en soulignant la douceur tridimensionnalité des formes au clair-obscur doux, animant les visages d'un sourire fin et à peine perceptible.

Après l'expulsion de Lodovico Sforza de Milan par les Français en 1499, Léonard part pour Venise, visitant en chemin Mantoue, où il participe à la construction de structures défensives, puis retourne à Florence.; on raconte qu'il était tellement absorbé par les mathématiques qu'il ne voulait même pas penser à prendre un pinceau. Pendant douze ans, Léonard se déplaça constamment de ville en ville, travaillant pour le célèbre Cesare Borgia en Romagne, dessinant des fortifications (jamais construites) pour Piombino. A Florence, il entre en rivalité avec Michel-Ange; Cette rivalité culmine dans les énormes compositions de bataille que les deux artistes peignent pour le Palazzo della Signoria (également Palazzo Vecchio). Léonard conçoit alors un deuxième monument équestre qui, comme le premier, ne verra jamais le jour. Toutes ces années, il continue à remplir ses cahiers d'idées diverses sur des sujets aussi variés que la théorie et la pratique de la peinture, l'anatomie, les mathématiques et le vol des oiseaux. Mais en 1513, comme en 1499, ses mécènes furent expulsés de Milan.

Léonard se rend à Rome, où il passe trois ans sous le patronage des Médicis. Déprimé et bouleversé par le manque de matériel pour la recherche anatomique, Léonard bricolait des expériences et des idées qui ne menaient nulle part.

Le français d'abord Louis XII , et puis Francis je , admirait les œuvres de la Renaissance italienne, notamment Dernière Cène Léonard. Il n'est donc pas surprenant qu'en 1516 François je , bien conscient des talents variés de Léonard, l'invite à la cour, alors située au château d'Amboise dans la vallée de la Loire. Bien que Léonard ait travaillé sur des projets hydrauliques et des plans pour le nouveau palais royal, il ressort clairement des écrits du sculpteur Benvenuto Cellini que sa principale occupation était le poste honorifique de sage de la cour et de conseiller. Léonard meurt à Amboise le 2 mai 1519; Ses peintures à cette époque étaient principalement dispersées dans des collections privées, et ses notes restaient dans diverses collections presque dans l'oubli complet pendant plusieurs siècles.

"Dernière Cène"

Dans le réfectoire du monastère de Santa Maria delle Grazie, Léonard réalise le tableau « La Cène » (1495-97 ; en raison de l'expérience risquée qu'a entreprise le maître, en utilisant de l'huile mélangée à de la détrempe pour la fresque, l'œuvre nous est parvenue sous une forme très endommagée). Le contenu religieux et éthique élevé de l'image, qui représente la réaction orageuse et contradictoire des disciples du Christ à ses paroles sur la trahison imminente, s'exprime dans des lois mathématiques claires de la composition, subjuguant puissamment non seulement le peint, mais aussi le véritable architecture. espace. La logique scénique claire des expressions faciales et des gestes, ainsi que la combinaison passionnante et paradoxale, comme toujours chez Léonard, d'une rationalité stricte et d'un mystère inexplicable ont fait de « La Cène » l'une des œuvres les plus significatives de l'histoire de l'art mondial.

Egalement impliqué dans l'architecture, Leonardo développe diverses options« ville idéale » et temple au dôme central. Le maître passe les années suivantes en voyages constants (Florence - 1500-02, 1503-06, 1507 ; Mantoue et Venise - 1500 ; Milan - 1506, 1507-13 ; Rome - 1513-16). Depuis 1517, il vit en France, où il fut invité par le roi François Ier.

"Bataille d'Angyari". Mona Lisa (Portrait de Mona Lisa)

A Florence, Léonard travaille sur un tableau au Palazzo Vecchio (« La Bataille d'Anghiari », 1503-1506 ; non terminé et non conservé, connu par des copies sur carton, ainsi que par un croquis récemment découvert - collection privée, Japon ), qui est à l’origine du genre battle dans l’art des temps modernes ; la fureur meurtrière de la guerre s'incarne ici dans le combat acharné des cavaliers.

Dans le tableau le plus célèbre de Léonard, le portrait de Mona Lisa (dite « La Joconde », vers 1503, Louvre), l'image d'un riche citadin apparaît comme une mystérieuse personnification de la nature en tant que telle, sans perdre sa ruse purement féminine. ; La signification intérieure de la composition est donnée par le paysage cosmiquement majestueux et en même temps alarmant aliéné, se fondant dans une brume froide.

Peintures tardives

Les œuvres ultérieures de Léonard comprennent : les dessins du monument au maréchal Trivulzio (1508-1512), le tableau « Sainte Anne avec Marie et l'Enfant ». Christ" (vers 1500-1507, Louvre). Ce dernier résume en quelque sorte ses recherches dans le domaine de la perspective lumière-air, de la couleur tonale (avec une prédominance de nuances froides et verdâtres) et de la composition pyramidale harmonieuse ; en même temps, c'est l'harmonie au-dessus de l'abîme, puisqu'un groupe de personnages sacrés, soudés entre eux par la proximité familiale, se présente au bord de l'abîme. Dernière image Léonard, « Saint Jean-Baptiste » (vers 1515-1517, ibid.) est plein d'ambiguïté érotique : le jeune Précurseur ne ressemble pas ici à un saint ascète, mais à un tentateur plein de charme sensuel. Dans une série de dessins représentant une catastrophe universelle (cycle avec le « Déluge », crayon et plume italiens, vers 1514-1516, Bibliothèque royale, Windsor), se conjuguent des réflexions sur la fragilité et l'insignifiance de l'homme face à la puissance des éléments. les rationalistes, anticipant une cosmologie « vortex » R. Descartes idées sur la nature cyclique des processus naturels.

"Traité de peinture"

La source la plus importante pour étudier les vues de Léonard de Vinci sont ses cahiers et manuscrits (environ 7 000 feuilles), rédigés en italien parlé. Le maître lui-même n'a pas laissé une présentation systématique de ses pensées. « Traité de peinture », préparé après la mort de Léonard par son élève F. Melzi et qui a eu un impact énorme influence sur la théorie de l'art, se compose d'extraits, largement arbitrairement extraits du contexte de ses notes. Pour Léonard lui-même, l’art et la science étaient inextricablement liés. Donnant la palme dans la « dispute des arts » à la peinture comme, selon lui, la forme de créativité la plus intellectuelle, le maître l'a comprise comme un langage universel (semblable aux mathématiques dans le domaine scientifique), qui incarne toute la diversité de l'univers à travers les proportions, la perspective et le clair-obscur. « La peinture, écrit Léonard, est une science et la fille légitime de la nature..., une parente de Dieu. » En étudiant la nature, le parfait artiste naturaliste apprend ainsi « l’esprit divin » caché sous l’apparence extérieure de la nature. En s'engageant dans une compétition créatrice avec ce principe divinement intelligent, l'artiste affirme ainsi sa ressemblance avec le Créateur Suprême. Puisqu’il “ a d’abord dans son âme, puis dans ses mains ” “ tout ce qui existe dans l’univers ”, il est aussi “ une sorte de dieu ”.

Léonard est un scientifique. Projets techniques

En tant que scientifique et ingénieur, Léonard de Vinci a enrichi presque tous les domaines d’observations et de suppositions perspicaces. connaissance de cette époque, considérant ses notes et ses dessins comme des esquisses pour une encyclopédie philosophique naturelle géante. Il était un éminent représentant des nouvelles sciences naturelles fondées sur l’expérimentation. Léonard accorda une attention particulière à la mécanique, la qualifiant de « paradis des sciences mathématiques » et y voyant la clé des secrets de l'univers ; il essayait de déterminer les coefficients de frottement de glissement, étudiait la résistance des matériaux et se passionnait pour l'hydraulique. De nombreuses expériences hydrotechniques se sont traduites par des conceptions innovantes de canaux et de systèmes d'irrigation. La passion de Léonard pour le modelage l'a conduit à d'étonnantes prévisions techniques, bien en avance sur son époque : tels sont les croquis de dessins de fours métallurgiques et de laminoirs, de machines à tisser, d'imprimeries, de machines à travailler le bois et autres, d'un sous-marin et d'un char, ainsi que des dessins pour machines volantes développées après une étude approfondie du vol des oiseaux et du parachute

Optique

Les observations recueillies par Léonard sur l'influence des corps transparents et translucides sur la couleur des objets, reflétées dans sa peinture, ont conduit à l'établissement des principes de la perspective aérienne dans l'art. L’universalité des lois optiques était pour lui associée à l’idée de l’homogénéité de l’Univers. Il était sur le point de créer un système héliocentrique, considérant la Terre comme « un point de l’univers ». Il a étudié la structure de l'œil humain et a fait des suppositions sur la nature de la vision binoculaire.

Anatomie, botanique, paléontologie

Dans des études anatomiques, résumant les résultats des autopsies de cadavres, il a jeté les bases de l'illustration scientifique moderne dans des dessins détaillés. Étudiant les fonctions des organes, il considérait le corps comme un exemple de « mécanique naturelle ». Il fut le premier à décrire un certain nombre d'os et de nerfs, en accordant une attention particulière aux problèmes d'embryologie et d'anatomie comparée, en essayant d'introduire la méthode expérimentale dans la biologie. Ayant établi la botanique comme discipline indépendante, il a donné des descriptions classiques de la disposition des feuilles, de l'héliotropisme et du géotropisme, de la pression des racines et du mouvement des sucs végétaux. Il fut l’un des fondateurs de la paléontologie, estimant que les fossiles trouvés au sommet des montagnes réfutent l’idée d’un « déluge mondial ».
Ayant révélé l’idéal de « l’homme universel » de la Renaissance, Léonard de Vinci a été interprété dans la tradition ultérieure comme la personne qui a le plus clairement défini l’éventail des quêtes créatrices de l’époque. Dans la littérature russe, le portrait de Léonard a été créé par D.S. Merezhkovsky dans le roman « Les Dieux ressuscités » (1899-1900).

La valeur du patrimoine scientifique

les travaux de tout scientifique doivent être considérés par rapport aux réalisations de ses prédécesseurs et contemporains et à la lumière de leur influence sur le développement ultérieur de la science. En raison du secret de Léonard et de la découverte de certains de ses manuscrits seulement 300 ans après leur rédaction, il n’est naturellement pas nécessaire de parler de l’influence de ces notes sur le développement ultérieur des sciences naturelles et de la technologie. Comparaison sérieuse des textes de Léonard de Vinci avec les manuscrits survivants et même avec les publications de ses contemporains et prédécesseurs jusqu'à la seconde moitié du XXe siècle. n’a pratiquement pas été réalisé. Le professeur Truesdell a adopté une approche impartiale et critique de l'héritage scientifique et technique de Léonard et n'a pas eu peur de remettre en question les points de vue traditionnels. Il a souligné l'exagération évidente de beaucoup historiens modernes la profondeur d'un certain nombre de déclarations de Léonard, l'incohérence, le caractère contradictoire et spéculatif de nombre de ses commentaires, l'absence presque totale de description de ses propres expériences, l'utilisation généralisée de matériaux empruntés. Truesdell a souligné la nécessité d'une analyse historico-critique sérieuse des notes de Léonard, en comparant leur contenu avec d'autres documents de son époque, afin d'isoler des jugements vraiment originaux et formulés sans ambiguïté. Il s'agit d'un travail énorme, qui ne fait que commencer et qui nécessite des spécialistes hautement qualifiés possédant à la fois les sciences naturelles et techniques pertinentes et la connaissance des sources imprimées et manuscrites médiévales.

Malheureusement, nous ne savons pas exactement quelles œuvres Léonard a lu. Les mentions d'autres scientifiques par lui sont extrêmement rares ; de plus, par principe, il rejetait toute adhésion aveugle aux autorités. Chez Léonard, il y a (généralement en dehors du contexte scientifique) des références à Aristote, Archimède et Théophraste - des auteurs anciens (IV-III siècles avant JC), Vitruve, Héron, Lucrèce et Frontin - l'apogée de l'Empire romain (I siècle avant JC - 1er siècle après JC), Sabita ibn Korru - des scientifiques arabes (IX siècle), Jordan Nemorarius et Roger Bacon (XIIIe siècle), Albert de Saxe, Swineshead et Heytesbury (XIVe siècle), Alberti et Fossambrone (XVe siècle). La seule exception dans les notes de Léonard était peut-être sa polémique directe avec Albert de Saxe à propos du mouvement. Cependant, nous ne savons pas ce qu’il a réellement lu. Cela ne peut être déterminé que par une comparaison minutieuse des notes de Léonard avec les textes de ses prédécesseurs et contemporains, souvent conservés uniquement dans des manuscrits.

On sait que Léonard contient des récits gratuits de certains auteurs. Ainsi, de diverses sources, nous savons qu'il connaissait les enseignements de l'École de Paris du XIVe siècle sur la nature du mouvement et la théorie du levier. Cependant, Leonardo n'a rien ajouté de significatif : ses déclarations ici sont floues et incohérentes. Mais peut-être fut-il le premier à s'intéresser au mouvement sur plan incliné.

En général, dans les domaines scientifiques qui nécessitent des généralisations, Léonard ne fait pas preuve de beaucoup de perspicacité, apparemment en raison d'une mauvaise formation générale en sciences naturelles. Là où un œil vif est nécessaire, il est inégalé et brillant. N'étant pas préparé à une étude sérieuse de la dynamique des processus, il est brillant dans l'observation de leur cinématique.

L'attitude de Léonard envers les mathématiques est particulière. Les mots suivants tirés de ses notes sont souvent cités : « Que personne qui ne soit pas mathématicien ne me lise. » On ne sait pas comment comprendre cette déclaration et s’il s’agit d’une paraphrase des paroles d’auteurs grecs. Ailleurs, Léonard écrit : « La mécanique est le paradis des sciences mathématiques ; c’est grâce à elle que l’on obtient le fruit mathématique. » Mais il faut garder à l'esprit que Léonard n'avait presque aucune connaissance en mathématiques : il ajoutait des fractions, mais connaissait à peine les rudiments de l'algèbre, ne pouvait pas résoudre même les équations linéaires les plus simples et n'utilisait que des proportions. Par conséquent, les déclarations ci-dessus sur les mathématiques sont peut-être de nature purement apologétique.

Léonard a formulé toutes les lois uniquement sous la forme de proportions simples. Parfois, ils pourraient coïncider avec la réalité, parfois non. Et il est difficile de juger quand il arrive consciemment à la bonne conclusion et quand c'est par hasard.

Il est curieux, cependant, qu'en examinant certains problèmes géométriques qu'il ne pouvait pas résoudre analytiquement, Léonard ait trouvé des dispositifs mécaniques qui apportaient des solutions. En termes de ce qui peut être envisagé et conçu, il était certainement un génie.

Leonardo parle constamment d'expériences et de la nécessité de les réaliser. Mais nous ne savons pas à quelle fréquence il les a réellement exécutés. La seule remarque de Léonard, incontestablement basée sur l'expérience, est l'affirmation selon laquelle la force de frottement est proportionnelle à la charge, le coefficient de frottement étant d'un quart. Il s’agit de la première estimation assez plausible du coefficient de frottement que nous connaissons. À cet égard, Léonard a certainement anticipé les travaux de Guillaume Amonton à la fin du XVIIe siècle, à qui on attribue habituellement la découverte des lois du frottement.

Un grand nombre de notes de Léonard sont consacrées à la résistance des colonnes, des poutres et des arcs. A l'appui de ses jugements, il se réfère parfois à une expérience, mais le plus souvent il invite le lecteur à la vérifier par l'expérience. La conclusion de Léonard sur la proportionnalité inverse de la résistance des supports à leur hauteur n'est pas naturelle, bien qu'il se réfère à plusieurs reprises à des expériences de pensée. Sur la base d'une analyse approfondie de toutes les notes sur la résistance des structures, Truesdell est arrivé à la conclusion que Léonard n'avait pas obtenu un seul résultat correct dans ce domaine, à l'exception de la position évidente selon laquelle la résistance est proportionnelle à la section transversale d'une colonne. (poutre), une position a priori intuitivement connu de tout constructeur.

Au contraire, là où la connaissance s'acquiert par l'observation, Léonard est brillamment perspicace. Ainsi, en s'appuyant clairement sur des observations, il établit les endroits où les arcs et les voûtes se brisent lorsqu'ils sont chargés. Il découvre l'excitation résonante des vibrations des cloches, l'apparition de motifs d'ondes sur des plaques vibrantes recouvertes de fines poussières - phénomènes décrits seulement aux XVIIe et XVIIIe siècles.

Le mouvement des eaux représentait pour Léonard un champ d’observation particulièrement vaste. Ici, il remarqua beaucoup de choses pour la première fois. Il a décrit le mouvement des vagues sur l'eau et, en particulier, la propagation des ondes circulaires à la surface et leur passage mutuel sans entrave. Il a noté la formation de crêtes de sable au fond des cours d'eau et de crêtes similaires causées par l'action du vent sur terre. Il a observé et dessiné les trajectoires des particules lorsqu'elles sortaient des trous et traversaient les déversoirs. Ses croquis schématiques d'images d'écoulements secondaires dans un liquide lorsque l'écoulement quitte l'étage inférieur sont remarquables. Il a observé le mouvement de l'eau dans les rivières et, apparemment, a été le premier à noter la loi de continuité - la proportionnalité inverse des vitesses par rapport aux zones transversales.

Apparemment, Léonard a non seulement proposé et décrit un plateau plat à fentes pour étudier le mouvement des liquides, mais il l'a également utilisé pour observer les trajectoires d'écoulement en plaçant des traceurs appropriés dans le liquide, pour lesquels il a utilisé des grains secs.

Ainsi, Léonard a découvert beaucoup de choses nouvelles dans le mouvement des eaux, même si, comme toujours, il n'a pas mené à bien ses vastes projets. Ce n'est pas un hasard si le cardinal Barberini a chargé au milieu du XVIIe siècle de préparer pour lui, sur la base des notes de Léonard de Vinci, le « Traité sur le mouvement et la mesure des eaux », qui a survécu jusqu'à nos jours, publié pour le première fois en 1826.

C'est Léonard de Vinci dans toutes ses contradictions. Il savait poser correctement les questions, indiquant parfois des pistes possibles pour trouver des solutions. Bien sûr, cela reflète le génie de Léonard. Il n'est pas devenu un pionnier de la science, mais il aurait pu être un guide, sans son secret douloureux et sa vanité, qui ont privé les générations suivantes de connaissance de ses notes.

Léonard de Vinci a vécu à l'époque de la formation d'une nouvelle science, née juste au tournant des XVe et XVIe siècles. Et bien qu'il n'ait défini aucune des tendances des sciences naturelles de cette époque, il reste pour nous l'observateur le plus perspicace de la nature, nous frappant par l'incroyable polyvalence de ses intérêts et de ses suppositions, de son intuition et de sa providence.

Léonard en tant que personne

Léonard était l'une des figures les plus légendaires et les plus prolifiques de toute la Renaissance. Selon certaines estimations, jusqu'à 20 000 publications lui seraient consacrées, dont la grande majorité ont été publiées dans la seconde moitié du XXe siècle. Cette littérature, à dominante idolâtre, a créé dans la société l'image d'un brillant artiste, sculpteur et scientifique. Le fait que Léonard était un peintre exceptionnel a été reconnu de son vivant, mais il a aussi ouvertement affirmé être un ingénieur et un architecte et, en outre, un naturaliste caché, ce qu'il n'a pas du tout déclaré publiquement. Ses intérêts étaient universels. Ils couvraient tous les domaines de la nature vivante - anatomie, physiologie, biomécanique (mouvements des animaux et vol des oiseaux) et botanique, ainsi que la géologie, l'orographie, la météorologie et un large éventail de sciences naturelles - principalement la mécanique (y compris la résistance structurelle et mouvement de l'eau), l'optique et en partie l'astronomie et la chimie. Il a également montré un profond intérêt pour la technologie - le génie mécanique et en particulier l'aviation.

Léonard était un observateur avisé : il avait un œil vif et maniait magistralement un stylo, enregistrant tout ce qu'il voyait. N'ayant pas reçu une bonne éducation et ne maîtrisant pas parfaitement la langue scientifique de l'époque - le latin, il a écrit des milliers de feuilles en italien sur divers sujets, en les complétant par des dessins illustrant ce qu'il a vu et inventé de manière indépendante.

Leonardo a écrit toutes ses pensées dans une écriture secrète - dans une image miroir, les cachant aux autres. Il avait une estime de soi exceptionnelle. Citons par exemple une de ses notes élogieuses à son sujet, liée à l'irréalisable projet d'avion : "Le grand oiseau commencera son premier vol sur le dos de son gigantesque cygne, remplissant l'univers d'étonnement, remplissant toutes les écritures de rumeurs sur lui-même", gloire éternelle le nid où elle est née !

Selon la légende, Léonard ne dormait systématiquement pas suffisamment, se consacrant entièrement au travail. Ses notes n’ont survécu que partiellement, pour la plupart de manière non systématique. Il y posait à la nature des milliers de questions et ne recevait de réponse à presque aucune d'entre elles. Il a indiqué des moyens expérimentaux possibles pour obtenir de nombreuses réponses, mais ne les a pratiquement pas utilisés lui-même. Nous trouvons chez Léonard des références répétées à des projets grandioses d'écriture de traités sur divers sujets, bien qu'il ait compris leur totale irréalité. Hélas, brillant projecteur, il a tout pris en charge, mais n'a guère accompli même une fraction insignifiante de ce qui était prévu. Ayant vécu une vie relativement longue (67 ans), il n’a jamais été aussi proche de la réalisation d’aucune de ses idées. L'incapacité de se fixer de véritables objectifs a été la tragédie de la vie de ce grand génie.

Un magnifique faux ou un chef-d'œuvre de la Renaissance ?
La liste des œuvres survivantes de Léonard de Vinci est très courte. Et il est constamment réduit en raison des réattributions (nous ne prenons pas en compte les cas de tromperie des oligarques russes et des cheikhs arabes, c'est une autre histoire).

Sur la façon dont ils auraient récemment trouvé un soulagement à son travail (en fait, bien sûr, pas le sien).

Mais voici « son » œuvre bien plus célèbre, dont la polémique ne s'est pas apaisée depuis longtemps.
Il s'agit d'un buste de la déesse Flore, réalisé en cire peinte.

Extrait du livre : A.S. Bernatski. "Des criminels parfaits"

En 1909, le directeur des musées berlinois, Wilhelm Bode, se vit proposer à l'achat une statue de cire de Flore. Bode s'est immédiatement intéressé à la proposition puisque, selon les légendes familiales des propriétaires de la statue, Léonard de Vinci l'a lui-même sculptée. Un argument important en faveur de cette hypothèse était un détail caractéristique de l'œuvre : le sourire mystérieux inhérent à certains images féminines super italien.

Fasciné par la beauté de la statue et par l'idée qu'un de ses musées serait reconstitué avec une création unique de Léonard de Vinci, Bode acheta à l'époque «Flora» pour une somme impressionnante de 150 000 marks. La statue a été placée à la place la plus honorable parmi les objets exposés de la Renaissance dans le musée de l'empereur Frédéric.

Les journalistes londoniens, qui ont toujours surveillé de près les flux de trésors nationaux vers d'autres pays, ont publié quelques mois après l'accord un article caustique selon lequel les Allemands avaient acquis, sous couvert de chef-d'œuvre, l'œuvre d'un certain Richard Lucas, faite au 19ème siècle en Angleterre.

Richard Cockle Lucas. "Lady Catherine Stepney dans le rôle de Cléopâtre", v. 1836

Bien entendu, Bode et ses employés allemands n’ont pas cru les journalistes anglais. De plus, il s'est même plaint auprès de ses collègues anglais pour avoir divulgué à la presse des informations sur l'accord.

Mais les Britanniques ont insisté d'eux-mêmes et, pour confirmer qu'ils avaient raison, ils ont retrouvé leur fils Lucas, quatre-vingts ans. Il a non seulement confirmé la paternité de son père, mais a également indiqué que la statue était sculptée avec une sorte de tableau ancien, dont lui, alors âgé de dix-sept ans, se souvenait bien.

Encore une fois, les Allemands n'ont pas cru les journalistes, affirmant que seul un brillant sculpteur pouvait créer un tel chef-d'œuvre, et Lucas, comme vous le savez, n'en faisait pas partie.

Portrait photo du sculpteur

Puis un certain Thomas Whitebourne parla au nom des Anglais, qui se trouvait dans la maison de Lucas le père et observait son travail sur la statue. C'est ce témoin qui se souvient que le tableau à partir duquel la statue de Flore a été modelée n'appartenait pas à Lucas, mais avait été temporairement emprunté à l'antiquaire Buchanan, qui était le client de la sculpture en cire. Il a également indiqué la rue et la maison où se trouvait le magasin du client.

Mais cette histoire n’a pas ébranlé la confiance des Berlinois dans leur raison.

Je n’ai pas trouvé de quelle image il s’agissait. Apparemment, quelque chose comme cette « Flore » de l'élève de Léonard nommée Melzi ()

Ensuite, les Britanniques, réalisant que les mots ne pouvaient pas être appliqués aux actes, ont commencé à rechercher des preuves matérielles pour confirmer leurs déclarations. Et bientôt, ils présentèrent le livre commercial du magasin pour 1846, dans lequel était enregistrée la présence d'un tableau portant le nom de «Flora».

Ou quelque chose comme ça "Flora", aussi Melzi

Une lithographie de cette œuvre, datée de 1840, a également été retrouvée, ainsi que des documents provenant d'une vente aux enchères chez Christie's au cours de laquelle la propriété de l'antiquaire a été vendue au collectionneur Morrison pour 640 guinées. Et après un certain temps, la petite-fille de Morrison a été retrouvée, chez qui les chercheurs anglais ont trouvé la dernière preuve de leur cas : le tableau « Flora ».

Ou peut-être s'agit-il de "Flora" de Carlo Antonio Procaccini (qui, d'ailleurs, représente une "Mona Lisa" dépouillée)

Mais les rebondissements ne s’arrêtent pas là. Déjà presque inhumés, les Allemands annonçaient soudain que Lucas avait reçu une authentique statue de Léonard, à partir de laquelle le tableau de Morrison était réalisé.

Oh, je pense avoir trouvé un vieil article. Il existe une reproduction de cette « Flore » à titre d’échantillon. Aujourd'hui, le tableau est attribué à Bernardino Luini

Whitebourne entra à nouveau dans la discussion, se rappelant soudain que Lucas, pour une raison quelconque, avait dû superposer la cire, et il se plaignit que les nouvelles bougies en cire utilisées à cet effet étaient de très mauvaise qualité.

Reproduction du London Times

Maintenant, c'était aux chimistes de décider. Et ils ont établi qu'un certain substitut était mélangé à la cire à partir de laquelle la statue était fabriquée pour réduire son coût. Mais son utilisation n’a commencé qu’en 1840. Et le délabrement de la sculpture s'explique par le fait qu'un certain Simpson, qui a acheté la maison de Lucas avec toutes ses œuvres, a conservé «Flora» dans une galerie ouverte pendant seize ans.

Buste dans une illustration du début du XXe siècle tirée du livre de Bode

Juste à ce moment-là, les relations entre l'Angleterre et l'Allemagne étaient tendues et c'est pourquoi les journalistes anglais prenaient plaisir à raconter cette histoire sur un bouclier et, avec son aide, ils se moquaient des «imbéciles Allemands» surpassés par le talent britannique. En trois ans, un nombre record de notes et d'articles de journaux ont été publiés sur ce sujet - environ 700 articles.

Malgré ces preuves, Bode a continué à affirmer que son attribution initiale était correcte. Pour le prouver, il expose parmi les œuvres de Lucas un buste de Flore. Mais cette exposition se retourne plutôt contre lui, puisqu'elle révèle que Lucas réalise régulièrement des sculptures en cire inspirées des grandes œuvres des maîtres anciens.

"Nymphe", figurine en cire de Lucas.

Sa cire "Léda et le Cygne"

Alors que certains continuent de s'accrocher à la paternité de Léonard, tout le monde essaie de le prouver.
Par exemple, ce buste a été la première sculpture étudiée aux rayons X.

Les spermaceti trouvés dans des échantillons chimiques ont prouvé plus tard que le matériau était trop vieux pour Lucas et trop jeune pour Leonardo. En 1986, une analyse chimique a révélé que la cire contenait de la stéarine synthétique, une substance qui a été produite pour la première fois en 1818.

Aujourd'hui, il est exposé dans les musées berlinois avec la pancarte « Angleterre, 19e siècle ».

« De même qu’une journée bien passée donne un sommeil paisible, de même une vie bien vécue donne une mort paisible. »

Léonard de Vinci(Italien Léonard de Seri Piero da Vinci, 15 avril 1452, village d'Anchiano, près de la ville de Vinci, près de Florence) - Peintre, sculpteur, architecte, ingénieur, scientifique - tout cela est Léonard de Vinci. Partout où une telle personne se tourne, chacune de ses actions est si divine que, laissant derrière elle tous les autres, elle se révèle être quelque chose qui nous est donné par Dieu et non acquis par l'art humain. Léonard de Vinci. Grand, mystérieux, attrayant. Si lointain et si moderne. Tel un arc-en-ciel, le destin du maître est lumineux, mosaïque et coloré. Sa vie est pleine d'errances, de rencontres avec des personnes et d'événements extraordinaires. Combien de choses ont été écrites sur lui, combien de choses ont été publiées, mais cela ne suffira jamais.

Le mystère de Léonard commence avec sa naissance, en 1452, le 15 avril, dans une ville à l'ouest de Florence. Il était le fils illégitime d’une femme dont on ne sait presque rien. Nous ne connaissons pas son nom de famille, son âge, son apparence, nous ne savons pas si elle était intelligente ou stupide, si elle a étudié quelque chose ou non. Les biographes l'appellent une jeune paysanne. Qu'il en soit ainsi. On en sait beaucoup plus sur le père de Léonard, Piero da Vinci, mais pas suffisamment. Il était notaire et issu d'une famille installée à Vinci au moins au XIIIe siècle. Léonard a grandi dans la maison de son père. Son éducation était évidemment la même que celle de n'importe quel garçon issu d'une bonne famille vivant dans une petite ville : lecture, écriture, débuts en mathématiques, latin. Son écriture est étonnante, il écrit de droite à gauche, les lettres sont inversées pour que le texte soit plus facile à lire à l'aide d'un miroir. Plus tard, il s'intéressa à la botanique, à la géologie, à l'observation du vol des oiseaux, des jeux d'ombre et de soleil et du mouvement de l'eau. Tout cela témoigne de sa curiosité et aussi du fait que dans sa jeunesse il passait beaucoup de temps au grand air, se promenant dans les environs de la ville. Ces environs, qui ont peu changé au cours des cinq cents dernières années, sont aujourd'hui presque les plus pittoresques d'Italie. Le père le remarqua et, compte tenu de l'ampleur du talent artistique de son fils, sélectionna un beau jour plusieurs de ses dessins, les apporta à Andrea Verrocchio, qui était son grand ami, et lui demanda instamment de dire si Léonard, ayant pris le dessin, obtiendrait n'importe quel succès. Frappé par l'énorme potentiel qu'il voyait dans les dessins du novice Léonard, Andrea a soutenu Ser Piero dans sa décision de le consacrer à ce travail et a immédiatement convenu avec lui que Léonard entrerait dans son atelier, ce que Léonard a fait plus que volontiers et a commencé à pratiquez non pas dans un seul domaine, mais dans tous les domaines où le dessin est inclus.

Première période de créativité. La première œuvre datée de Léonard (1473, Galerie des Offices) est une petite esquisse d'une vallée fluviale visible depuis une gorge ; d'un côté il y a un château, de l'autre il y a un coteau boisé. Cette esquisse, réalisée à coups de plume rapides, témoigne de l’intérêt constant de l’artiste pour les phénomènes atmosphériques, sur lesquels il parlera ensuite abondamment dans ses notes. Le paysage représenté depuis un point de vue élevé surplombant la plaine inondable était un motif courant dans l'art florentin des années 1460 (même s'il servait toujours uniquement d'arrière-plan aux peintures). Le dessin au crayon d'argent d'un ancien guerrier de profil démontre la pleine maturité de Léonard en tant que dessinateur ; il combine habilement des lignes élastiques faibles, flasques et tendues et une attention portée aux surfaces progressivement modelées par la lumière et l'ombre, créant une image vivante et vibrante.

Léonard de Vinci n'était pas seulement un grand peintre, sculpteur et architecte, mais aussi un brillant scientifique qui étudiait les mathématiques, la mécanique, la physique, l'astronomie, la géologie, la botanique, l'anatomie et la physiologie des humains et des animaux, poursuivant constamment le principe de la recherche expérimentale. Ses manuscrits contiennent des dessins de machines volantes, d'un parachute et d'un hélicoptère, de nouveaux modèles et machines à décolleter, des machines d'imprimerie, de travail du bois et autres, des dessins anatomiques précis, des pensées liées aux mathématiques, à l'optique, à la cosmologie (l'idée de l'homogénéité physique de l'univers) et d'autres sciences.

En 1480, Léonard recevait déjà de grosses commandes, mais en 1482 il s'installa à Milan. Dans une lettre adressée au souverain de Milan, Ludovico Sforza, il se présente comme ingénieur et expert militaire, ainsi que comme artiste. Les années passées à Milan ont été remplies d'activités diverses. Léonard a peint plusieurs tableaux et une célèbre fresque Dernière Cène, qui nous est parvenu dans un état de délabrement. Il a peint cette composition sur le mur du réfectoire du monastère milanais de Santa Maria delle Grazie. A la recherche de la plus grande expressivité colorée dans la peinture murale, il a fait des expériences infructueuses avec des peintures et des apprêts, ce qui a provoqué des dommages rapides. Et puis des restaurations grossières et les soldats de Bonaparte ont complété le travail. Après l'occupation de Milan par les Français en 1796. Le réfectoire fut transformé en écurie, les vapeurs du fumier de cheval recouvrirent le tableau d’une épaisse moisissure, et les soldats entrant dans l’écurie s’amusaient à jeter des briques sur la tête des personnages de Léonard. Le destin s’est avéré cruel pour de nombreuses créations du grand maître. Et pourtant, combien de temps, combien d'art inspiré et combien d'amour ardent Léonard a investi dans la création de ce chef-d'œuvre. Mais malgré cela, même dans son état de délabrement, « La Cène » laisse une impression indélébile. Sur le mur, comme pour le surmonter et emmener le spectateur dans le monde de l'harmonie et des visions majestueuses, se déroule l'ancien drame évangélique de la confiance trahie. Et ce drame trouve sa résolution dans un élan général dirigé vers l'essentiel. personne agissant- à un mari au visage triste qui accepte ce qui arrive comme inévitable. Le Christ vient de dire à ses disciples : « L’un de vous me trahira. » Le traître s'assoit avec les autres ; les maîtres anciens représentaient Judas assis séparément, mais Léonard révélait son sombre isolement de manière beaucoup plus convaincante, enveloppant ses traits d'ombre. Le Christ est soumis à son sort, rempli de la conscience du sacrifice de son exploit. Sa tête baissée, les yeux baissés et le geste de ses mains sont infiniment beaux et majestueux. Un joli paysage s'ouvre par la fenêtre derrière sa silhouette. Le Christ est le centre de toute la composition, de tout le tourbillon des passions qui font rage autour. Sa tristesse et son calme semblent éternels, naturels - et c'est le sens profond du drame montré.

Le tableau non daté de l'Annonciation (milieu des années 1470, Galerie des Offices) n'a été attribué à Léonard qu'au XIXe siècle ; il serait peut-être plus correct de le considérer comme le résultat d'une collaboration entre Léonard et Verrocchio. Il présente plusieurs points faibles, par exemple la réduction de perspective du bâtiment de gauche est trop nette ou le rapport d'échelle entre la figure de la Mère de Dieu et le pupitre est peu développé en perspective. Cependant, à d'autres égards, notamment dans le modelé subtil et doux, ainsi que dans l'interprétation du paysage brumeux avec une montagne vaguement visible en arrière-plan, le tableau appartient à la main de Léonard ; cela peut être déduit d'une étude de ses œuvres ultérieures. La question de savoir si l’idée compositionnelle lui appartient reste ouverte.

A Milan, Leonardo commença à prendre des notes ; Vers 1490, il se concentre sur deux disciplines : l'architecture et l'anatomie. Il a esquissé plusieurs versions de la conception d'un temple à dôme central (une croix à pointe égale dont la partie centrale est recouverte par un dôme) - un type de structure architecturale qu'il avait précédemment recommandé. Alberti pour la raison qu'il reflète l'un des types anciens de temples et est basé sur la forme la plus parfaite - un cercle. Léonard a dessiné des vues en plan et en perspective de l'ensemble de la structure, qui décrivent la répartition des masses et la configuration de l'espace interne. À cette époque, il a obtenu le crâne et en a fait une coupe transversale, ouvrant pour la première fois les sinus du crâne. Les notes autour des dessins indiquent qu'il s'intéressait principalement à la nature et à la structure du cerveau. Bien entendu, ces dessins étaient destinés à des fins purement de recherche, mais ils frappent par leur beauté et leur similitude avec des croquis de projets architecturaux dans la mesure où ils représentent tous deux des cloisons séparant des parties de l'espace intérieur. En plus de tout cela, il ne ménageait pas son temps, au point même qu'il tirait des ligatures de cordes de telle manière qu'il était possible de tracer d'un bout à l'autre tout leur entrelacement, qui remplissait finalement tout un cercle. L'un de ces dessins, très complexe et très beau, est visible dans la gravure, et au milieu se trouvent les mots suivants : Leonardus Vinci Academia.

Il était non seulement un génie en art, mais aussi très agréable en communication, ce qui attirait vers lui les âmes des gens. N'ayant pour ainsi dire rien et travaillant peu, il gardait toujours des domestiques et des chevaux, qu'il aimait beaucoup de préférence à tous les autres animaux, le prouvant par le fait que souvent, en passant par ces lieux où l'on faisait le commerce des oiseaux, il les emmenait de ses propres cages et, après avoir payé au vendeur le prix qu'il exigeait, il les relâcha dans la nature, leur rendant ainsi leur liberté perdue. Pour lequel la nature a décidé de le favoriser en ce que, partout où il tournait sa pensée, son esprit et son audace, il montrait tellement de divinité dans ses créations que personne ne pourrait jamais l'égaler dans la capacité de perfectionner la spontanéité qui le caractérise, vivacité, gentillesse, attractivité et charme.

Période de maturité de créativité. Il passa sa première commande en 1483, il s'agissait de la réalisation d'une partie de l'image de l'autel de la chapelle de l'Immaculée Conception - Madone dans la grotte (Louvre ; l'attribution du pinceau de Léonard à une version ultérieure de la National Gallery de Londres est contestée) . Une Marie agenouillée regarde l'Enfant Jésus et le bébé Jean-Baptiste, tandis qu'un ange pointant du doigt Jean regarde le spectateur. Les personnages sont disposés en triangle au premier plan. Il semble que les personnages soient séparés du spectateur par une légère brume, appelée sfumato (contours flous et indistincts, ombre douce), qui devient désormais un trait caractéristique de la peinture de Léonard. Derrière eux, dans la pénombre de la grotte, sont visibles des stalactites et des stalagmites et des eaux qui coulent lentement enveloppées de brouillard. Le paysage semble fantastique, mais il ne faut pas oublier la déclaration de Léonard selon laquelle la peinture est une science. Comme le montrent les dessins contemporains du tableau, celui-ci était basé sur des observations minutieuses de phénomènes géologiques. Cela s'applique également à la représentation des plantes : vous pouvez non seulement les identifier à une certaine espèce, mais aussi voir que Léonard connaissait la propriété des plantes à se tourner vers le soleil.

Activités de Léonard dans la première décennie du XVIe siècle. était aussi variée qu'à d'autres périodes de sa vie. C'est à cette époque que le tableau a été créé Vierge à l'Enfant et St. Anna, et vers 1504 Léonard commença à travailler sur son célèbre tableau Mona Lisa, portrait de l'épouse d'un marchand florentin. Ce portrait est un développement ultérieur du type apparu plus tôt chez Léonard : le modèle est représenté à partir de la taille, légèrement tourné, le visage est tourné vers le spectateur, les mains jointes limitent la composition par le bas et sont aussi belles que le un léger sourire sur son visage et le paysage rocheux primitif au loin dans le brouillard. La Joconde est connue comme l'image d'une femme mystérieuse, voire fatale, mais cette interprétation appartient au XIXe siècle. Il est plus probable que pour Léonard, ce tableau était l'exercice le plus complexe et le plus réussi dans l'utilisation du sfumato, et que l'arrière-plan du tableau est le résultat de ses recherches dans le domaine de la géologie. La Joconde a été créée à une époque où Léonard était tellement absorbé par l'étude de la structure du corps féminin, de l'anatomie et des problèmes liés à l'accouchement qu'il était presque impossible de séparer ses intérêts artistiques et scientifiques. Au cours de ces années, il a dessiné un embryon humain dans l'utérus et a créé la dernière de plusieurs versions du tableau de Léda sur l'intrigue du mythe antique sur la naissance de Castor et Pollux à partir de l'union de la jeune fille mortelle Léda et Zeus, qui ont pris le forme d'un cygne. Léonard étudiait l'anatomie comparée et s'intéressait aux analogies entre toutes les formes organiques. Léonard a inventé le principe de la diffusion (ou sfumato). Les objets sur ses toiles n'ont pas de frontières claires : tout, comme dans la vie, est flou, se pénètre l'un dans l'autre, ce qui veut dire que ça respire, vit, éveille l'imagination. L'Italien conseille de pratiquer cette distraction en regardant les taches sur les murs, les cendres, les nuages ou la saleté causée par l'humidité. Il a spécialement fumigé la pièce où il travaillait avec de la fumée afin de rechercher des images dans les clubs. Grâce à l'effet sfumato, le sourire vacillant de Gioconda est apparu lorsque, selon l'orientation de la vue, il semble au spectateur que l'héroïne du tableau sourit tendrement ou sourit de manière prédatrice. Le deuxième miracle de la Joconde est qu’elle est « vivante ». Au fil des siècles, son sourire évolue, les commissures de ses lèvres se relèvent. De la même manière, le Maître a mélangé les connaissances de différentes sciences, de sorte que ses inventions trouvent de plus en plus d'applications au fil du temps. Du traité sur la lumière et l’ombre viennent les débuts des sciences de la force pénétrante, du mouvement oscillatoire et de la propagation des ondes. Ses 120 livres se sont dispersés (sfumato) à travers le monde et sont progressivement révélés à l'humanité.

Léonard n'a jamais été pressé de terminer une œuvre, car l'incomplétude est une qualité de vie essentielle. Finir, c'est tuer ! La lenteur du créateur faisait parler de lui. Il pouvait faire deux ou trois coups et quitter la ville pendant plusieurs jours, par exemple pour améliorer les vallées de Lombardie ou créer un appareil pour marcher sur l'eau. Presque chacune de ses œuvres importantes est inachevée. Beaucoup ont été endommagés par l'eau, le feu, des traitements barbares, mais l'artiste ne les a pas corrigés. Le Maître avait une composition spéciale, à l'aide de laquelle il semblait créer spécialement des « fenêtres d'incomplétude » dans le tableau fini. Apparemment, il a ainsi laissé un endroit où la vie elle-même pouvait intervenir et corriger quelque chose.

Enfin atteint la vieillesse; Malade depuis plusieurs mois et sentant l'approche de la mort, il commença à étudier assidûment tout ce qui concernait la religion, la vraie et sainte foi chrétienne. Quand arriva le roi, qui avait l'habitude de lui rendre visite souvent et gracieusement, Léonard, par respect pour le roi, se redressa sur son lit et lui raconta sa maladie et son évolution. En même temps, il a prouvé à quel point il était pécheur devant Dieu et devant les gens en ne travaillant pas dans l'art comme il se doit. Puis il eut une crise, annonciatrice de la mort, au cours de laquelle le roi, se levant de son siège, lui tenait la tête pour soulager ses souffrances et lui montrer sa faveur. Son âme la plus divine, réalisant qu'elle ne pouvait pas recevoir un plus grand honneur, s'envola dans les bras de ce roi - au cours de la soixante-quinzième année de sa vie.

Léonard meurt à Amboise le 2 mai 1519 ; Ses peintures à cette époque étaient principalement dispersées dans des collections privées, et ses notes restaient dans diverses collections presque dans l'oubli complet pendant plusieurs siècles.

La perte de Léonard a attristé au-delà de toute mesure tous ceux qui l'ont connu, car jamais un homme n'a fait autant d'honneur à l'art de la peinture. C'est un maître qui a vraiment vécu toute sa vie avec un grand bénéfice pour l'humanité.

Oui, toute son œuvre est pleine de questions auxquelles vous pourrez répondre toute votre vie, et qui le resteront pour les générations futures.

Liste des inventions, réelles et attribuées Léonard de Vinci:

Parachute-1483
Blocage de roue
Vélo
Réservoir
Ponts portables légers pour l'armée
Projecteur
Catapulte
Robot
Télescope à double lentille

Irina Nikiforova, bibliothécaire.Ru

Illustrations : « Leonardo da Vinci Architect » Maison d'édition nationale de littérature sur la construction et l'architecture. Moscou 1952