Introduction
1. Culture musicale de la Russie au XIXe siècle
2. École russe de composition
2.1 Mikhaïl Ivanovitch Glinka
2.2 Alexandre Sergueïevitch Dargomyjski
2.3 "La puissante poignée"
2.4 Piotr Ilitch Tchaïkovski
3. Culture musicale russe du début du XXe siècle.
Conclusion
Bibliographie
Introduction
La Russie au XIXe siècle a fait un énorme pas en avant dans le développement de la culture et a apporté une contribution inestimable à la culture mondiale. Cela a été prédéterminé par un certain nombre de raisons. L'essor culturel était dû au processus de formation de la nation russe lors de la transition vers de nouvelles relations capitalistes et à la croissance de la conscience nationale. Un autre facteur qui a contribué au développement intensif de la culture russe est l'interaction étroite avec les cultures d'autres pays et peuples. La pensée sociale de l’Europe occidentale a eu une grande influence sur la culture russe. La société russe a accepté les réalisations avancées des cultures des pays européens, tout en préservant l'originalité de sa culture nationale. L'intelligentsia commence à participer activement au développement de la culture nationale. Au début, cette couche de la société était constituée de la noblesse et du clergé, mais déjà au XVIIIe siècle. les roturiers apparaissent, et au début du 19e siècle. - l'intelligentsia serf (acteurs, artistes, architectes, musiciens, poètes). Au XVIIIe - première moitié du XIXe siècle, le rôle principal dans le développement culturel appartenait à l'intelligentsia noble, dans la seconde moitié du XIXe siècle - aux roturiers. Parmi les roturiers se trouvaient des représentants instruits de la bourgeoisie libérale et démocratique, des fonctionnaires, des bourgeois, des commerçants et des paysans. C'est pourquoi au 19ème siècle. En Russie, il y a un processus de démocratisation de la culture. Le nombre d’écrivains, de poètes, d’artistes, de compositeurs, de scientifiques issus de classes défavorisées augmente.
Dans cet essai, je tenterai de donner une description générale de la culture musicale de la Russie au XIXe et au début du XXe siècle, pour retracer les origines et la continuité de l'art musical russe. Il est nécessaire de souligner l’importance de l’étude de l’histoire de la culture, puisque le présent se fonde sur le passé. Même les œuvres musicales les plus révolutionnaires de notre époque sont influencées directement ou indirectement par le passé. Le but de l'essai est d'analyser l'état de la culture musicale en Russie au XIXe et au début du XXe siècle, d'identifier ses caractéristiques, de parler des compositeurs de cette époque et de leurs œuvres, ainsi que de découvrir l'importance de la musique russe de cette période. pour la culture mondiale.
1. Culture musicale de la Russie au XIXe siècle
Dans le 19ème siècle Les compositeurs russes accordaient une grande attention à l'étude du folklore et considéraient la musique folklorique comme une source d'inspiration. Ils collectionnaient des chansons folkloriques et les utilisaient souvent dans leurs œuvres. De nouveaux genres musicaux apparaissent, des formes anciennes (chansons quotidiennes, chansons sur le thème de l'errance, chansons satiriques) se transforment sous l'influence de nouvelles conditions de vie, la nature des images et des moyens d'expression intonationnelle change. Les grands événements sociopolitiques d'importance nationale se reflètent dans les chansons folkloriques quotidiennes. Les chants populaires ont largement reflété la guerre patriotique de 1812. Un cycle de chants datant de 1812 et liés à la tradition folklorique orale nous est parvenu. Ils sont très divers dans leur contenu et leurs formes musicales et poétiques. Cette guerre est devenue la raison de l'apparition de chansons lyriques qui capturaient le profond chagrin national, la tristesse, le chagrin causé par les désastres de la patrie, la ruine de leur terre natale et la mort d'êtres chers.
La chanson folklorique russe a acquis une grande popularité et a été distribuée dans de nombreux arrangements originaux - pour chœur, voix avec accompagnement et instruments individuels. Entre 1806 et 1815, la collection de Pracha fut rééditée à plusieurs reprises. Sur cette base, des collections de chansons d'un type accessible au public ont été créées.
Danila Kashin, issue du servage, a acquis une grande renommée et a créé de nombreuses adaptations de chansons folkloriques. En 1833-1834. Son recueil « Chansons folkloriques russes » a été publié en trois parties. Dans les années quarante, la collection est rééditée, ce qui témoigne de sa popularité.
Ivan Rupin a également collecté et traité des chansons paysannes ; son travail se caractérise par une synthèse de chansons folkloriques et d'intonations de romans urbains. Son nom de famille a été prononcé par ses contemporains avec la terminaison italienne - Rupini, ce qui indique sa renommée. En 1831 son recueil de chansons a été publié. Simultanément aux transcriptions quotidiennes de chansons folkloriques, une romance sentimentale lyrique se développe. Dans ce genre, la simplicité des moyens se conjugue avec la spontanéité et la sincérité de l'expression. Les compositeurs Alyabyev, Varlamov, Gurilev et Verstovsky ont joué un rôle majeur dans l'évolution de la romance russe au XIXe siècle.
Alexandre Alexandrovitch Alyabyev (1787-1851) était issu de la noblesse. Il sert dans l'armée et participe à la guerre patriotique de 1812. Après sa retraite, il se consacre à la créativité. Alyabyev est l'auteur de romans populaires : « Je t'aimais », « Winter Road » (tous deux basés sur des poèmes de A.S. Pouchkine), « Le Rossignol » et d'autres. « Le Rossignol » est l’une des chansons les plus célèbres d’Alyabyev. Tout y est simple et en même temps sincère. La chanson est précédée d'une introduction au piano. Dès les premières intonations de la partie vocale, une mélodie captivante et réfléchie se dévoile. Elle séduit immédiatement par sa spiritualité.
Compositeur Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) - auteur de romans populaires. Il a créé plus d'une centaine d'œuvres de ce genre, principalement basées sur des poèmes de poètes russes (« Robe d'été rouge », « Un blizzard balaie la rue », « À l'aube, ne la réveillez pas », « La voile solitaire est Blanc», etc.). Varlamov s'est également distingué en tant que chanteur, chef d'orchestre, guitariste et professeur. Il est l'auteur d'un manuel pour chanteurs - "The Complete School of Singing" (1840).
Alexandre Lvovitch Gurilev (1803-1858) était le fils d'un musicien serf. Compositeur, pianiste, violoniste, altiste et professeur, Gurilev est connu comme l'auteur de chansons et de romances. Les plus connues sont ses chansons « Mother Dove », « Bell », « Sarafan », « Swallow Floats » et les romances « Separation » et « You Can’t Understand My Sadness ». En plus des paroles vocales, le compositeur a travaillé dans les genres de la musique pour piano, collecté et arrangé des chansons folkloriques.
Les œuvres d’Alyabyev, Varlamov et Gurilev constituent une contribution inestimable au trésor de la musique russe. Leurs chansons et romances sont toujours incluses dans le répertoire de concerts des chanteurs, des chorales et interprétées par des gens ordinaires.
date « _____________ »
Sujet de la leçon .
Buts et objectifs:
Présenter aux étudiantsclassiques de la musique du monde
R.développer des compétences dans l’interprétation expressive de chansons.
Cultiver un sentiment de respect pour la culture nationale kazakhe et le riche héritage musical du peuple kazakh.
XType de leçon :
1. Moment organisationnel . Salutation, chant
2. Chant.
3.Nouvelles technologies « Thématique verticale »
4 . Formation de nouvelles connaissances .
Traditions musicales du peuple russe
Celui qui chante n'a pas de problèmes.
Proverbe russe
Le folklore musical du peuple russe est riche en chants mélodiques, en chansons joyeuses, en teasers ludiques, en épopées majestueuses, en rondes et danses accrocheuses. Des musiciens et des skomo rohi accompagnaient le chant en jouant de la balalaïka agitée, leur accordéon préféré.
Et les bergers les airs étaient interprétés sur une pitié nasillarde, légèrement triste et sur un tuyau qui sonnait.
Le compositeur a passé son enfance dans un village russe. Ici, il était entouré de l'amour de ses proches et des chants des paysans, des images et des sons de sa nature natale et du tintement des cloches des églises.
MI. Glinka se souvient : « …Pendant le dîner, des pianos russes jouaient généralement. J'aimais extrêmement ces sons tristes et tendres, mais tout à fait accessibles. Ils étaient la source des délices les plus vives. C’est peut-être pour cela que j’ai commencé à développer la musique folklorique russe. La musique est mon âme! D'autres paroles du compositeur sont également célèbres, dans lesquelles il parle de la grande importance de la musique folklorique :
"Classique - traduit du latin - meilleur, exemplaire. « La musique est créée par le peuple, et nous, les compositeurs, ne faisons que l'arranger 2 " Il confirme cette idée avec sa célèbre fantaisie pour orchestre symphonique"Kamarinskaïa". MI. Glinka a utilisé deux mélodies de chansons folkloriques russes dans sa fantaisie pour orchestre symphonique : « À cause des montagnes, des hautes montagnes » et « Kamarinskaya » 3 . Les deux chansons changent constamment d’apparence, comme l’humeur d’une personne. L’œuvre débute par une courte introduction épique, comme si le compositeur nous disait : « Il était une fois… »
Dans « Kamarinskaya », le compositeur a réalisé son rêve musical, une invention. La musique de l'œuvre est bizarre et imprévisible. Il s’agit peut-être d’une image de la vie rurale, de la nature ou de l’image d’un Russe parfois triste et parfois heureux.
Les instruments d’un orchestre symphonique participent à la création d’images musicales dans la fantaisie symphonique de M. Glinka. Ils imitent les timbres des instruments folkloriques russes. Les bois créent le son simple et sincère d'une pipe de pitié, d'une trompette, d'un cor. Les instruments à cordes reproduisent la mélodie joyeuse des balalaïkas.
5. Écoute : fantaisie symphonique "Kamarinskaya"
6. Chanter :
7. Résumé de la leçon
8. Devoirs
Musique russe du 19ème siècle. - C'est une époque brillante et brillante dans le développement de la culture musicale. Il est associé à la formation d'une composition nationale et d'une école performante d'importance mondiale. L'introduction des meilleures réalisations musicales de l'Europe occidentale a eu un effet bénéfique sur la nature générale de son développement, et l'originalité et l'originalité ont largement déterminé le respect des traditions folkloriques. Dans le 19ème siècle De nouveaux genres de musique vocale et symphonique ont émergé. De grands progrès ont été réalisés dans l’art de l’opéra. Le travail de merveilleux compositeurs russes tels que M.I. Glinka, M.P. Moussorgski, A.P. Borodine, N.A. Rimsky - Korsakov, P.I. Tchaïkovski, sont entrés dans le trésor de la culture musicale mondiale.
Romances « Ne tentez pas » ; "Doute"; « Ne chante pas, belle, devant moi » ; "Je me souviens d'un moment merveilleux." Musique symphonique « Kamarinskaya » ; "Jota aragonais"; « Nuit à Madrid » ; Opéra national russe « Une vie pour le tsar » (« Ivan Susanin »). Opéra-conte « Ruslan et Lyudmila ».
M.A. Balakirev (1836 – 1910) ; Ts.A. Cui (1835 – 1918) ; A.P. Borodine (1833 – 1887) ; Député Moussorski (1839 – 18810 ; N.A. Rimski-Korsakov ().
L'organisateur et l'inspirateur idéologique de cette union amicale, créée à la fin des années 1850, était Mily Alekseevich Balakirev, un merveilleux pianiste et compositeur qui a réussi à réunir autour de lui non seulement des mélomanes, mais aussi des interprètes et compositeurs talentueux. Ses capacités extraordinaires, ses excellentes capacités d'interprétation et artistiques, ses connaissances musicales polyvalentes et son esprit vif et perspicace le ravirent et lui confèrent une autorité inébranlable.
M.A. Balakirev est l'auteur de nombreuses œuvres merveilleuses. Il a créé la musique de la tragédie « Le Roi Lear », les poèmes symphoniques « Tamara » basés sur les poèmes de M.Yu. Lermontov, « Rus » et « En République tchèque », « Ouverture espagnole », « Ouverture sur les thèmes de trois chansons russes ». Pour le piano, son instrument de musique préféré, il crée une fantaisie orientale « Islamey », inspirée de ses impressions d'un voyage dans le Caucase. Quarante romances, sonates, mazurkas, nocturnes et valses, recueils de chansons russes sont les meilleures réalisations du compositeur.
L'héritage créatif du compositeur est assez vaste : 14 opéras, dont « Le Fils d'un mandarin » (1859), « William Ratcliffe » (d'après Heinrich Heine, 1869), « Angelo » (d'après le drame de Victor Hugo, 1875), « Sarrasin » (d'après l'intrigue d'Alexandre Dumas, père, 1898), « La Fille du capitaine » (d'après A. S. Pouchkine, 1909), 4 opéras pour enfants ; œuvres pour orchestre, ensembles instrumentaux de chambre, piano, violon, violoncelle ; chœurs, ensembles vocaux, romances (plus de 250), se distinguant par l'expressivité lyrique, la grâce, la subtilité de la récitation vocale. Le Fils du Mandarin 1859 William Ratcliffe à Heinrich Heine 1869 Angelo intrigue du drame de Victor Hugo 1875 Le Sarrasin d'Alexandre Dumas - père 1898 La fille du capitaine de A. S. Pouchkine 1909 piano violon violon Romances de Chely
Alexey Porfirievich Borodine, étant un scientifique et chimiste majeur, a consacré tout son temps à la recherche scientifique. De son propre aveu, il ne devait composer de la musique que pendant les périodes de maladie. L'héritage créatif musical du compositeur est restreint, mais sa contribution au développement de la culture musicale russe est significative. Les œuvres de Borodine font la gloire et la fierté de la musique russe. Trois symphonies ; 15 romans basés sur des poèmes de poètes russes ; Le seul opéra "Prince Igor"
L'héritage créatif de Modest Petrovitch Moussorgski, l'un des compositeurs russes les plus marquants du XIXe siècle, est immense et unique. Sa courte vie a été marquée par des œuvres brillantes dans le domaine de la musique symphonique et lyrique. Après avoir été diplômé de l'école des enseignes de la garde, il abandonne sa brillante carrière militaire et prend sa retraite en 1858 avec une seule idée : se consacrer entièrement à la musique. Les uns après les autres, il crée toute une série de chefs-d'œuvre musicaux, marquant une nouvelle ère dans l'histoire de l'art musical.
Une page lumineuse de la culture musicale russe du XIXe siècle. Associé aux travaux de Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov. Le début de sa carrière musicale fut brillant. En 1867, il peint le tableau symphonique « Sadko », basé sur la célèbre épopée de Novgorod. Un an plus tard, le compositeur écrit le tableau symphonique «Antar», basé sur l'intrigue de contes populaires arabes. Plus tard, en 1888, Rimski-Korsakov se tourne à nouveau vers des motifs orientaux dans la suite « Shéhérazade », basée sur les contes médiévaux arabes du célèbre recueil « Mille et une nuits ».
Opéras « La femme de Pskov », « La fiancée du tsar », « Le conte de la ville invisible de Kitezh et la jeune fille Fevronia », « La jeune fille des neiges », « Le conte du tsar Saltan », « Le coq d'or », « Kashchei l'Immortel », « Nuit de Mai », « La Nuit Avant le Joyeux Noël », « Mozart et Salieri » ; Environ 80 romans (« Le jour d'orage s'est éteint », « Pas le vent qui souffle des hauteurs », « La crête volante des nuages s'éclaircit »)
La vie de l'éminent compositeur russe Piotr Ilitch Tchaïkovski (1840 - 1893) ne s'étend que sur 53 ans, et la longue liste d'œuvres qu'il a créée comprend dix opéras, trois ballets, neuf œuvres symphoniques à programme, des concerts, des quatuors, de la musique pour des représentations dramatiques, etc. plus d'une centaine de romans et bien d'autres essais. Tchaïkovski disait : « L'inspiration est un invité qui n'aime pas rendre visite aux paresseux ; elle apparaît à ceux qui la reconnaissent.
Tchaïkovski a réussi à trouver son propre style unique et original, qui a déterminé sa place particulière dans l'histoire de la culture musicale mondiale. Dans le domaine de la musique symphonique, il développe le genre du poème symphonique à programme (« fantaisie » ou « ouverture - fantaisie »). Les opéras occupent une place importante dans l'œuvre de Tchaïkovski. Les meilleures œuvres d'opéra du compositeur sont Eugène Onéguine et La Dame de Pique. La musique du ballet de P.I. est éclairée d’une lumière fabuleusement romantique. Tchaïkovski, dans lequel il apparaît non seulement comme un brillant réformateur, mais aussi comme un pionnier. Critique musical G.A. Laroche écrit : « En termes de musique, Le Lac des Cygnes est le meilleur ballet que j'ai jamais entendu... »
Agence fédérale pour l'éducation
Académie d'État d'économie et de services d'Oufa
Département du Tourisme et de l'Hôtellerie
TRAVAIL DE COURS
dans la discipline "Culture du Monde et Art"
sur le thème : la culture musicale russe du 19e siècle et son importance mondiale
complété par : étudiant gr. SD-21
Mikhaïlova I.V.
vérifié par : Ph.D., professeur agrégé
Kotova T.P.
Introduction
Contexte historique
Développement de la culture de la chanson russe au XIXe siècle
École russe de composition
Mikhaïl Ivanovitch Glinka
Alexandre Sergueïevitch Dargomyjski
"La puissante poignée"
·Le génie Piotr Ilitch Tchaïkovski
Conclusion
Bibliographie
Applications
Introduction
Sans musiquela vie serait une erreur. (Friedrich Nietzsche)
Musique- c'est l'intelligence incarnée dans de beaux sons. (Ivan Sergueïevitch Tourgueniev)
Musique- un médiateur entre la vie de l'esprit et la vie des sentiments. (Ludwig van Beethoven)
Le mot russe « musique » est d’origine grecque. De tous les arts, la musique est celui qui a l’impact le plus direct sur la perception humaine et « infecte les émotions ». Le langage de l'âme, c'est ainsi qu'il est d'usage de parler de musique précisément parce qu'elle a un fort impact au niveau subconscient sur le domaine des sentiments d'une personne, mais on ne peut pas exclure qu'elle influence également le zone de l'esprit. Il est impossible de donner une définition exhaustive et précise du phénomène (ou de la substance) appelé « musique ».
La richesse de la musique russe est incommensurable. Depuis plus de dix siècles, ses traditions se sont formées et développées en contact étroit avec la culture musicale d'autres pays et en interaction constante avec d'autres types de créativité artistique.
La musique russe constitue la partie la plus importante de la culture russe. Comme la littérature russe, la poésie, la peinture, le théâtre, elle reflète de manière vivante toutes les étapes de la vie sociale, la formation de la pensée philosophique et esthétique russe. Dans ses divers genres et formes, l'histoire du peuple, sa lutte de libération, le caractère de la personne russe, l'originalité de la nature et de la vie russes s'incarnaient.
Dans mon travail de cours, j'ai décidé de montrer le développement musical de la Russie au XIXe siècle, qui s'est déroulé dans le contexte des événements historiques les plus importants - la guerre patriotique, le soulèvement des décembristes, l'abolition du servage, etc.
L'objectif de l'ouvrage est d'analyser l'état de la culture musicale en Russie au XIXe siècle, d'identifier ses caractéristiques, de parler des compositeurs de ce siècle et de leurs œuvres, ainsi que d'identifier l'importance de la musique russe du XIXe siècle pour la culture mondiale. .
Votre travail de cours impliquera des méthodes de recherche telles que l'étude et l'analyse de la littérature et des documents, la généralisation, l'analyse des produits d'activité, la description.
Lors de l'étude de ce sujet, j'utiliserai la littérature : Encyclopédie « Autour du monde », littérature musicale russe d'E. Smirnova, Nikitina L.D. Histoire de la musique russe, etc.
Contexte historique
compositeur de culture de chansons musicales
Le XIXe siècle en Russie est associé à des changements politiques et sociaux majeurs, et la guerre de 1812 et l'abolition du servage y ont joué un rôle important. Dans la littérature, la poésie, la musique et la peinture, le thème des inégalités sociales est devenu plus aigu.
Déjà dans la première moitié du XIXe siècle, la culture russe a atteint une floraison brillante et éblouissante. S'affranchissant des éléments d'imitation, elle trouve des formes d'expression originales et originales pour les contenus les plus divers et les plus larges et crée de grandes valeurs durables d'importance universelle. L'œuvre de représentants aussi brillants que Pouchkine, Lermontov, Gogol en littérature et Glinka en musique constitue l'un des plus hauts sommets non seulement de l'art russe, mais aussi de l'art mondial.
La guerre patriotique de 1812 a donné une forte impulsion à la montée de l'initiative publique. Le patriotisme du peuple russe se manifeste dans une préoccupation croissante pour le bien commun, dans une large conscience des intérêts communs de la nation, dans le désir d'élever le niveau de culture nationale et de bien-être.
Le soulèvement des décembristes a eu une influence significative sur le développement de la culture russe au XIXe siècle. Toutes les émotions, pensées, expériences se reflétaient dans de nombreuses œuvres musicales de cette époque. L'ère des décembristes a marqué le début du développement du chant révolutionnaire en Russie. Un grand mérite à cet égard appartient aux figures du mouvement décembriste - Ryleev et Bestuzhev. Les traditions du chant révolutionnaire, établies par les poètes décembristes, ont été reprises et développées par leurs contemporains. Les thèmes de l'amour de la liberté et de la protestation, de la lutte contre l'oppression sociale, ont profondément pénétré les chansons de tous les jours.
À mesure que les idées de libération grandissaient et se répandaient, l'opposition du gouvernement à leur égard s'intensifiait. Déjà dans la seconde moitié du règne d'Alexandre Ier, cette orientation réactionnaire était déterminée, se traduisant par la destruction des universités et le renforcement de la censure. Une longue période de réaction cruelle, sourde et impitoyable sans précédent a régné dans la vie russe après la répression du soulèvement décembriste, ainsi que l'accession au trône de Nicolas Ier. L'existence d'un journalisme démocratique, et plus encore d'organisations politiques menant des actions révolutionnaires pratiques. activités, était impossible en Russie.
Dans ces conditions, la littérature devient particulièrement importante ; les œuvres de Pouchkine, Gogol et Lermontov deviennent les principaux porte-parole de la pensée de libération.
Tout ce qui précède crée les conditions préalables à la formation d’écoles classiques de littérature et d’art nationaux russes.
Dans le développement de la musique russe, Glinka a joué un rôle à bien des égards similaire à celui de Pouchkine dans le développement de la littérature russe. Comme Pouchkine, Glinka a largement accepté et mis en œuvre divers éléments de la culture artistique contemporaine. En assimilant tout ce qui est précieux et viable de l'héritage de ses prédécesseurs, Glinka surmonte leurs limites et atteint une énorme richesse, l'exhaustivité du contenu et la perfection de l'expression artistique. En termes d’équilibre interne, d’intégrité harmonieuse idéale et d’exhaustivité, l’œuvre de Glinka s’est avérée être un modèle et une norme classique aussi incontestable pour les générations suivantes que la poésie de Pouchkine. Glinka a jeté les bases de son influence mondiale avec son travail. Dargomyzhsky suit le chemin de Glinka dans son travail. Il introduit dans la musique russe des éléments d'une plus grande acuité sociale, de caractérisation quotidienne et psychologique, de satire et d'humour, préparant une grande partie de ce qui s'exprimera clairement dans le travail de la jeune école nationale des années 60. Glinka a jeté les bases de son influence mondiale avec son travail.
À partir de cette époque, des reportages sur la musique russe ont commencé à apparaître de plus en plus souvent dans la presse étrangère. Quelques mois avant la parution des articles de Berlioz sur Glinka, le célèbre musicologue français Fétis écrivait sur le jeune Dargomyzhsky comme un talent musical original et prometteur en Russie.
Période historique 60-80. Le XIXe siècle est généralement appelé post-réforme - en 1861, par décret royal, le servage a été aboli, ce qui a entraîné la libéralisation de la vie sociale russe. Cette étape a été marquée par le grand épanouissement de la culture artistique en tant que phénomène intégral et original. C'est alors qu'un certain système de valeurs spirituelles et esthétiques s'est formé dans l'art, incarné dans la littérature et le théâtre, la peinture et la musique.
Développement de la culture de la chanson russe au XIXe siècle
«C'était le siècle des chansons» - c'est ce que disait le poète G.R. à propos du siècle des Lumières. Derjavine. L’apparence de la culture musicale de cette époque était inhabituellement diversifiée et même multilingue. Dans la vie de tous les jours, les chansons russes et françaises, gitanes et allemandes, paysannes et urbaines, amateurs et professionnelles s'entremêlent. La chanson résonnait dans les pages d'œuvres littéraires et était publiée dans des recueils spéciaux « pour le plaisir de nombreux amoureux », et était interprétée dans les maisons des aristocrates.
Dans le 19ème siècle a continué à accorder une grande attention à l'étude du folklore. Les compositeurs russes considéraient la musique folklorique comme une source d'inspiration. Ils collectionnaient des chansons folkloriques et les utilisaient souvent dans leurs œuvres, sans perdre l'originalité de leur propre langage musical.
Certains nouveaux genres émergent, d'anciennes formes (chansons de tous les jours, chansons sur le thème de l'errance, chansons satiriques) évoluent sous l'influence de nouveaux contenus de vie, la nature des images et des moyens d'expression intonationnelle change. La chanson folklorique quotidienne répond aux événements politiques et sociaux majeurs d’importance nationale.
On y reflète largement la guerre patriotique de 1812. Tout un cycle de chants sur la douzième année, associés à la tradition folklorique orale, nous est parvenu. Ils sont très divers dans leur contenu et leurs formes musicales et poétiques. Parfois, ils utilisent des techniques issues d’anciens types traditionnels de chansons folkloriques.
La guerre patriotique a également provoqué l'émergence d'un langage lyrique expressif
des chansons qui capturent la profonde tristesse, la tristesse et le chagrin des gens causés par les graves désastres de leur pays, la dévastation de leur terre natale et la perte d'êtres chers.
La chanson folklorique russe a commencé à jouir d'une popularité exceptionnellement large, se répandant dans de nombreux arrangements différents - pour chœur, voix avec accompagnement et instruments individuels. De 1806 à 1815, la collection de Pracha fut publiée dans ses deuxième et troisième éditions. Sur cette base, des collections de chansons d'un type accessible au public ont été créées.
Le talentueux musicien russe issu du servage Danila Kashin était largement connu pour ses adaptations de chansons folkloriques. En 1833-1834. Son recueil « Chansons folkloriques russes » a été publié en trois parties. Elle est aussi caractéristique de son époque que la « Collection » de Prač l’était au tournant des XVIIIe et XIXe siècles. Au début des années 40, paraît la deuxième édition de la collection Kashin, qui témoigne de sa popularité et de sa grande demande. Dans les techniques de traitement de Kashin, on perçoit clairement un désir de sensibilité accentuée, parfois de nature quelque peu hystérique.
Sur le même chemin que Kashin, l'interpénétration des chansons folkloriques et des intonations de la romance urbaine a été suivie par un autre collectionneur de chansons célèbre, serf d'origine, Ivan Rupin, qui était également un chanteur-interprète talentueux (son nom de famille était prononcé par ses contemporains avec la terminaison italienne - Rupini) et le compilateur d'un recueil de chansons populaires, publié en 1831
Parallèlement à diverses réfractions quotidiennes de la chanson populaire russe, une romance lyrique et sentimentale s'est développée, qui jouissait également d'une popularité extrêmement large dans les couches les plus diverses de la société. Comme la « chanson russe » du XVIIIe siècle, la partie prédominante de la romance russe était associée au domaine de la création musicale à la maison. Dans le langage musical de la romance quotidienne, la simplicité des moyens se combine avec une spontanéité sincère et une sincérité d'expression. . Les compositeurs Alyabyev, Varlamov, Gurilev, Verstovsky ont joué un rôle important dans le développement de la romance russe du XIXe siècle (voir annexe 1).
Alexandre Alexandrovitch Alyabyev(1787-1851) est né dans une vieille famille noble. Dans sa jeunesse, il servit dans l'armée et participa à la guerre patriotique de 1812. Par la suite, il quitte le service militaire et se consacre à des activités créatives. Alyabyev est l'auteur de romans célèbres : « Je t'aimais », « Winter Road » (tous deux basés sur des poèmes d'Alexandre Sergueïevitch Pouchkine), « Le Rossignol » et d'autres. " Rossignol" est l'une des chansons préférées et les plus répandues d'Alyabyev. Tout y est modeste et simple. La chanson est précédée d'une introduction au piano animée dans l'esprit du grattage de la guitare. Dès les premières intonations de la partie vocale, une mélodie captivante, douce et réfléchie se dévoile. Large et doucement arrondi, il captive et séduit immédiatement par sa beauté austère.
Compositeur Alexandre Egorovitch Varlamov(1801-1848) - auteur de romans populaires. Au total, il a créé environ deux cents œuvres de ce genre, principalement basées sur des poèmes de poètes russes (« Robe d'été rouge », « Un blizzard balaie la rue », « À l'aube, vous ne la réveillez pas », « La solitaire La voile est blanche », etc.). Varlamov était également connu comme chanteur, guitariste, chef d'orchestre et professeur. Il a écrit l'un des premiers manuels russes pour chanteurs - « L'École complète de chant » (1840).
Alexandre Lvovitch Gourilev(1803-1858) était le fils d'un serf musicien (en 1831, lui et son père furent libérés). Compositeur, pianiste, violoniste, altiste et professeur, Gurilev est devenu célèbre en tant qu'auteur de chansons et de romances. Les plus connues sont ses chansons « Mother Dove », « Bell », « Sarafan », « Swallow Floats » et les romances « Separation » et « You Can’t Understand My Sadness ». En plus des paroles vocales, le compositeur a travaillé dans les genres de la musique pour piano, collecté et arrangé des chansons folkloriques.
Les œuvres d’Alyabyev, Varlamov et Gurilev constituent une contribution précieuse au trésor de la musique russe. Leurs meilleures chansons et romances sont incluses dans le répertoire de concert des chanteurs et des chœurs ; elles sont chantées avec amour parmi les gens de notre époque.
Ecole russe de composition du XIXe siècle
Mikhaïl Ivanovitch Glinka
Sans aucun doute, le représentant le plus éminent de l’école des compositeurs de la première moitié du XIXe siècle est Mikhaïl Ivanovitch Glinka(1804-1857). L'œuvre de Mikhaïl Ivanovitch Glinka est à l'origine de l'école de composition russe, et ses œuvres, ses méthodes de travail, son attitude envers les genres et traditions musicales étaient perçues comme exemplaires au XIXe siècle. Ayant reçu une éducation musicale sérieuse en Europe, Glinka fut le premier à comprendre en profondeur les particularités de la musique nationale russe, et en grande partie grâce à ce maître, les genres européens reçurent une interprétation originale en Russie. Les impressions de l'enfance de Glinka se reflètent dans son travail. Les premières années de sa vie se passèrent dans le domaine de son père, au milieu de la nature rurale de la région de Smolensk. Là, il a appris et est tombé amoureux des chansons folkloriques et les a écoutées. Les contes de la nounou serf Avdotya Ivanovna, qui l'aimait tendrement et dévoué, s'enfoncèrent profondément dans l'âme enfantine impressionnable de la petite Glinka.
Les événements de 1812 ont fait une énorme impression sur Glinka. Fuyant l'invasion de l'armée napoléonienne, la famille Glinka a quitté le domaine. Le garçon a entendu de nombreuses histoires sur l'héroïsme des partisans et a été à jamais imprégné d'amour et de respect pour le peuple russe, sa grande force et sa beauté spirituelle.
La musique était souvent jouée dans la vie familiale de la famille Glinka. Un oncle qui vivait à proximité avait un bon orchestre composé de musiciens serfs. La musique a fait une impression incroyable sur le garçon : après les concerts, il se promenait distrait. « La musique est mon âme », a-t-il dit un jour. L’orchestre des serfs de mon oncle a interprété diverses œuvres, notamment des chansons folkloriques. Se souvenant de ses impressions d'enfance, Glinka a écrit : « ...Peut-être que ces chansons, que j'ai entendues quand j'étais enfant, ont été la première raison pour laquelle j'ai ensuite commencé à développer une musique folklorique principalement russe. »
Les compétences de composition de Glinka ont été le plus clairement démontrées dans deux opéras - " La vie du tsar"("Ivan Susanin") et " Rouslan et Ludmila" Il a créé des exemples d'opéra national russe - opéra héroïque-épique et opéra de conte de fées. Le développement ultérieur de ces genres est lié aux principes posés par Glinka.
L'opéra "La vie pour le tsar" (en URSS dans les années 30-80, le nom "Ivan Susanin" a été adopté ; 1836) a été écrit sur une intrigue historique et patriotique. Le compositeur s'est tourné vers les événements du début du XVIIe siècle. - la lutte du peuple russe contre les conquérants polonais. L'intrigue de l'œuvre - l'exploit d'Ivan Susanin - a été suggérée à Glinka par le poète Vasily Andreevich Zhukovsky.
« Une vie pour le tsar » est le premier opéra russe sans dialogue parlé ; il est basé sur un développement musical continu. Le tissu musical de l'œuvre est imprégné de scènes chorales. Ils ouvrent notamment (le refrain « My Motherland ») et complètent l'œuvre (le refrain final jubilatoire et victorieux « Glory »).
Au centre de l'opéra se trouve l'image du paysan russe Ivan Susanin. Le compositeur met l'accent sur la force morale du héros. Pour ses caractéristiques musicales, les intonations de mélodies folkloriques sont utilisées. Antonida, la fille de Susanin, est une image lumineuse et poétique (« tendrement gracieuse », selon Glinka lui-même) d'une jeune fille russe. Sobinine, le fiancé d'Antonida, est un milicien, un homme audacieux et intrépide, Vania est le fils adoptif de Susanine, « un simple cœur », selon Glinka, un garçon de treize ans. Les images des jeunes membres de la famille Susanin - Vanya, Antonida, Sobinin - sont dessinées dans les traditions et les intonations d'une chanson romantique de tous les jours.
Les images russes se heurtent à un camp hostile de Polonais. L'image chorégraphique détaillée représente « l'acte polonais » de l'opéra - un magnifique bal dans un ancien château. Cette composition symphonique exprime l'éclat, la grâce et la fierté de la noblesse polonaise. Les mélodies et les rythmes de la polonaise, de la mazurka et du krakowiak sonnent. La beauté de la musique est fascinante, mais en général, la simplicité et la sincérité des scènes « russes » contrastent avec la pompe ostentatoire de la « loi polonaise ».
Finalement, les deux camps entrent en collision directe - un détachement polonais arrive au village de Domnino à Susanin et exige qu'il les conduise à l'endroit où se trouve le tsar Mikhaïl Romanov. La scène de Susanin avec les Polonais dans le fourré de la forêt, où il les a conduits à la mort, constitue le point culminant de l'opéra. La fin est tragique : le personnage principal donne sa vie pour la Russie. La nuit, dans la forêt, Susanin interprète son monologue mourant, le récitatif « Ils sentent la vérité », qui se transforme en un air de prière « Tu te lèves, mon aube », dans lequel le héros demande à Dieu la force d'affronter la dernière heure. Il exprime à la fois une profonde tristesse et de l’espoir. La musique est au tempo lent, stricte et concentrée dans l'ambiance - rappelant les hymnes d'église.
L'opéra « Une vie pour le tsar » a été joué avec un grand succès le 27 novembre 1836 sur la scène du Théâtre Bolchoï de Saint-Pétersbourg. Les personnalités de la société russe l’appréciaient beaucoup.
La conscience de la victoire créatrice a inspiré le compositeur à de nouvelles idées et, quelques années plus tard, l'opéra "Fairy Tale" est apparu. Rouslan et Ludmila" (1842). Il est écrit sur l'intrigue du poème du même nom de A. S. Pouchkine. Le lent développement de l’action musicale n’est pas sans rappeler les épopées et légendes anciennes. L'opéra contient des scènes rituelles folkloriques, des images colorées de la nature et des images fantastiques. Le monde fabuleux des sorciers - Chernomor et Naina s'oppose au monde des héros russes (Ruslan, Ratmir), du chanteur Boyan et du prince Vladimir. Les héros sont montrés avec un sérieux épique et une majesté épique. Chernomor et Naina (ainsi que Farlaf, le rival malchanceux de Ruslan) sont dessinés avec une dose d'humour incontestable ; l'auteur semble dire à l'auditeur : ce ne sont que des personnages de contes de fées, plus comiques que maléfiques. La principale caractéristique de Chernomor, le seigneur du château magique, est une marche à moitié plaisante. L'orchestre joue un grand rôle dans la création d'images. Représentant le royaume de Chernomor, le compositeur utilise les intonations de la musique orientale. Des danses turques, arabes et Lezginka sont exécutées devant l'auditeur. L'opéra "Ruslan et Lyudmila" se termine, comme tout conte de fées, par la victoire du bien sur le mal et le triomphe de l'amour.
Romances et chansons Glinka- la fierté des classiques russes. Le compositeur les a écrits tout au long de sa vie. Les romances lyriques de Glinka sont une sorte de confession de son âme. Certains d’entre eux représentent des images de la nature et de la vie russe. Dans ses romans, Glinka a résumé et développé tout le meilleur créé par ses prédécesseurs et ses contemporains - les auteurs de romans de tous les jours. De nombreux romans célèbres, par exemple «Je suis là, Inesilya», «Je me souviens d'un moment merveilleux», ont été écrits sur des poèmes de A. S. Pouchkine. Glinka s'est également tourné vers les œuvres de V. A. Zhukovsky, A. A. Delvig et d'autres poètes russes. Sur la base des paroles du poète alors populaire Nestor Vasilyevich Kukolnik, le compositeur a créé un cycle de douze romans "Adieu à Pétersbourg" (1838), ainsi que le célèbre roman "Doute", que l'éminent chanteur russe Fiodor Ivanovitch Chaliapine aimait effectuer.
Pour l'orchestre, Glinka a écrit une ouverture privée de fantaisie symphonique. Ses meilleures œuvres dans ce genre sont « Camarina » (1848), « Jota aragonais » (1845) et « Nuit à Madrid » (1851). "Kamarinskaya", selon l'opinion générale des compositeurs russes, a jeté les bases de la musique symphonique russe. Les ouvertures « espagnoles » « Aragonese Jota » et « Night in Madrid » sont un brillant exemple de la maîtrise par Glinka des intonations et du style de la musique espagnole. La pièce pour orchestre « Waltz Fantasy » (1856) prépare l'émergence des valses symphoniques de P. I. Tchaïkovski.
Grâce au travail de Mikhaïl Ivanovitch Glinka, l'école de musique russe a acquis une reconnaissance en Europe. Les générations suivantes de compositeurs, et simplement de mélomanes, ont toujours hautement apprécié la contribution du maître à la culture russe.
Alexandre Sergueïevitch Dargomyjski (1813-1869)
Dargomyzhsky est un jeune contemporain et disciple de Glinka. Il est entré dans l'histoire de la musique russe comme un « grand professeur de vérité musicale », un innovateur courageux.
Les opinions de Dargomyzhsky se sont formées dans les années 30 et 40. XIXème siècle, époque de développement rapide de la culture russe. Il a réagi avec sensibilité à tout ce qui était avancé et progressiste dans l'art russe. Dans son œuvre, il était proche des écrivains et artistes démocrates de Russie. Les liens entre la musique vocale de Dargomyzhsky et Pouchkine, Gogol et Lermontov sont particulièrement étroits. Ce n’est pas un hasard si les meilleures œuvres de Dargomyzhsky sont basées sur des poèmes de Pouchkine et de Lermontov.
Dans les œuvres de Dargomyzhsky les romances et les opéras occupent une place centrale. Le compositeur a composé de la musique vocale de chambre tout au long de sa vie : il a écrit plus d'une centaine de romances, chansons et ensembles vocaux. Ces genres constituaient une sorte de laboratoire créatif pour Dargomyzhsky - son langage musical s'y formait. Les romans les plus célèbres sont "Je t'ai aimé" (d'après les vers de A. S. Pouchkine), "À la fois ennuyé et triste", "Je suis triste" (d'après les vers de Mikhaïl Yurievitch Lermontov). Ils sont imprégnés d'un lyrisme subtil et une ambiance de solitude.
Un nouveau genre de paroles vocales est apparu dans l'œuvre de A. S. Dargomyzhsky - chanson satirique. Des exemples frappants de telles œuvres sont les chansons « Worm » et « Titular Advisor » (toutes deux années 50). À l’aide d’un récitatif se rapprochant de la parole naturelle, le compositeur peint des portraits sociaux expressifs.
Les meilleures œuvres de Dargomyzhsky comprennent opéra "Rusalka"(1855). Basé sur le texte de la pièce inachevée du même nom de A. S. Pouchkine, le compositeur a lui-même écrit le livret. "Rusalka" est le premier opéra russe ayant la nature d'un drame musical psychologique et quotidien. La tâche principale fixée par le compositeur est de refléter le monde spirituel des personnages, leurs expériences et leurs personnages.
Dans les années 60 Dargomyzhsky a reçu une large reconnaissance publique. Les premières de ses opéras furent un grand succès, le compositeur fut élu membre du comité de la branche de Saint-Pétersbourg de la Société musicale russe.
"La puissante poignée"
La seconde moitié du XIXe siècle - l'époque post-réforme, l'abolition du servage, la libéralisation de la vie publique, l'épanouissement des sentiments révolutionnaires dans la société russe. Cette étape a été marquée par le grand épanouissement de la culture artistique en tant que phénomène intégral et original. C'est alors qu'un certain système de valeurs spirituelles et esthétiques s'est formé dans l'art, incarné dans la littérature et le théâtre, la peinture et la musique.
L’art musical n’est pas resté à l’écart des problématiques brûlantes de notre époque. Les positions populistes sont caractéristiques de la vision du monde de nombreux compositeurs qui croyaient au rôle messianique du peuple russe, au triomphe de son exploit spirituel historique. La musique reflétait tout le spectre des intenses quêtes morales de l’intelligentsia russe de ces années-là et incarnait des idéaux inspirés par le temps dans des images musicales. Certains maîtres idéalisaient l'histoire russe et la pureté de la vie populaire, d'autres croyaient au développement personnel de l'individu sur la base des lois de l'éthique populaire, tandis que d'autres cherchaient à incarner dans leur travail un certain prototype de culture populaire, né d'une source vivante - nature vierge.
Le caractère unique de la musique russe est étroitement lié au « centrisme littéraire » caractéristique de la culture artistique de l’ère post-réforme. Générée par l'esthétique du réalisme, elle s'exprime dans le rôle prioritaire de la parole, artistique et journalistique. Le genre musical dominant à cette époque était l’opéra – historique, épique, lyrique, dramatique. D'autres genres musicaux synthétiques continuent de se développer : la romance, la chanson. La musique vocale complète « l'encyclopédie musicale » de la poésie russe, l'enrichissant d'images sociales, accusatrices et lyrico-psychologiques.
La seconde moitié du XIXe siècle est l'époque de l'émergence du partenariat, qui reçoit la main légère du critique V.V. Stasova, nom "La puissante poignée". Il comprenait M.A. Balakirev, Ts.A. Cui, député. Moussorgski, N.A. Rimski-Korsakov, A.P. Borodine.
"The Mighty Handful" est un phénomène exceptionnel de l'art russe. Elle a profondément marqué de nombreuses sphères de la vie culturelle en Russie – et pas seulement en Russie. Dans les générations suivantes de musiciens - jusqu'à nos jours - il y a de nombreux héritiers directs de Moussorgski, Borodine, Rimski-Korsakov, Balakirev. Les idées qui les unissaient, leurs visions progressistes, sont devenues un modèle pour les principaux artistes pendant de nombreuses années.
Le chef et leader de la « Mighty Handful » était Mili Alekseevich Balakirev(1836/37-1910). Il est l'un des fondateurs (1862) et directeur (1868-73 et 1881-1908) de l'École de Musique Libre. De 1867 à 1869 - chef d'orchestre de la Société musicale russe et de 1883 à 1894 directeur de la Chapelle chantante de la cour. Ses œuvres les plus célèbres sont l'« Ouverture sur les thèmes de trois chants russes » (1858), les poèmes symphoniques « Tamara » (1882), « Rus » (1887), « En République tchèque » (1905) et l'Oriental. fantaisie pour piano « Islamey » (1869), romances, arrangements de chansons folkloriques russes, etc.
Parmi les compositeurs du « Mighty Handful » Modeste Petrovitch Moussorgski(1839-1881) fut le plus éminent représentant de la musique idées démocratiques révolutionnairesannées 60 gg. XIXème siècle. C'est Moussorgski, plus que jamais, qui a su révéler en musique de manière globale, avec un grand pouvoir accusateur, la dure vérité de la vie du peuple russe, pour recréer, comme le disait V.V. Stasov, « tout l'océan du peuple russe, la vie, les personnages, les relations, le malheur, le fardeau insupportable, l'humiliation. » . Quoi qu’ait écrit Moussorgski : opéras, chansons, chœurs, partout il agit comme un dénonciateur colérique et passionné de l’injustice sociale.
En 1863, le compositeur commence à composer l'opéra "Salammbô" (basé sur le roman du même nom de l'écrivain français Gustave Flaubert) et en 1868 - l'opéra "Mariage" (basé sur le texte inchangé de la comédie de N. V. Gogol). Les deux œuvres restèrent inachevées, mais préparèrent Moussorgski à la création de l'opéra Boris Godounov (1869), qui devint un phénomène important dans la musique russe.
Toute la puissance du talent de Moussorgski s'est révélée dans opéra "Boris Godounov"basé sur la tragédie de Pouchkine. Dans cette tragédie, Moussorgski a été attiré par l'opportunité de montrer dans l'opéra le réveil du pouvoir du peuple, qui aboutit à un mécontentement ouvert et, finalement, à un soulèvement spontané. L'idée principale de l'opéra est le conflit entre le criminel tsar Boris et le peuple, conduisant à un soulèvement. L'attention du compositeur s'est concentrée sur la révélation de l'idée principale : le choc entre le roi et le peuple. Les personnages principaux de l’opéra de Moussorgski. Malgré la grande importance des scènes de foule, l'attention principale de l'opéra est portée à la caractérisation du monde intérieur des personnages. Au premier plan, bien sûr, l'image de Boris, révélée à travers de longues scènes de monologue. Maîtrisant brillamment la technique du récitatif, Moussorgski transmet en musique l'état d'esprit du héros - vague anxiété, chagrin et dépression, tourments douloureux de la conscience, peur et même hallucinations. La partie orchestrale de l’opéra est très complexe. Il suit la voix avec souplesse, ajoutant d'importantes nuances psychologiques à la partie vocale. Cet opéra est proche dans son esprit des sentiments révolutionnaires et démocratiques qui existaient dans la société russe des années 60 et 70. XIXème siècle.
En 1872, le compositeur commença à travailler sur l'opéra "Khovanshchina", qu'il qualifia lui-même de "drame musical populaire". Dans le même temps, il écrit une œuvre d'un type complètement différent - l'opéra-comédie lyrique "Sorochinskaya Fair" basé sur l'histoire de N.V. Gogol (resté inachevé).
Selon ses contemporains, Moussorgski était un excellent pianiste. En hommage à son instrument préféré, il crée une grande suite pour piano de dix pièces "Tableaux lors d'une exposition"(1874). L'idée de la suite a été inspirée par l'exposition posthume des œuvres de son ami, artiste et architecte Viktor Alexandrovitch Hartmann. Le cycle commence par une introduction, qui devient le leitmotiv de l'œuvre. L’auteur l’a appelé « Promenade » pour une bonne raison : il transmet le mouvement du visiteur à travers les salles d’exposition. Viennent ensuite des « images » individuelles : « Gnome », « Vieux Château », « Jardin des Tuileries », « Bétail », « Ballet des poussins non éclos », etc. La musique d'introduction est périodiquement répétée, et grâce à cela le cycle acquiert unité et est perçu comme une composition intégrale.
Moussorgski est l'auteur de chansons et de romans célèbres. La première chanson publiée "Où es-tu, petite étoile..." (paroles du poète et traducteur Nikolai Porfiryevich Grekov) a donné naissance à un thème lyrique dans l'œuvre vocale du compositeur, qui a atteint son apogée dans la romance fantastique "Nuit" ( paroles de A. S. Pouchkine). Des scènes amusantes de la vie de famille russe sont présentées dans les romans « Mais si je pouvais te rencontrer » (paroles du poète Vasily Stepanovich Kurochkin) et « Svetik Savishna » et « Seminariste » (paroles du compositeur).
Moussorgski est un véritable compositeur populaire, qui a consacré toute son œuvre à l'histoire de la vie, des chagrins et des espoirs du peuple russe. Sa créativité était tellement original et innovant, qui a encore un fort impact sur les compositeurs de différents pays.
Alexandre Porfirievitch Borodine (1833-1887) -un compositeur unique et unique. En musique, il perpétue à bien des égards les traditions de Glinka. Dans sa musique, Borodine incarnait la grandeur et la puissance du peuple russe, les traits de caractère héroïques du peuple russe, les images majestueuses de l'épopée nationale. Et à côté de cela, dans l’œuvre de Borodine, il y a des images lyriques, sincères, pleines de passion et de tendresse.
Borodine est l'un des créateurs du russe symphonie classique(2ème, " Bogatyrskaïa", 1876, qui a ouvert la direction héroïque-épique du symphonisme russe ; tableau symphonique « En Asie centrale », 1980), quatuor à cordes classique russe. Maître du lyrisme vocal (« Pour les rivages de la lointaine patrie ») ; a introduit des images de l'épopée héroïque dans la romance, a incarné les idées de libération des années 60. 19ème siècle (« La Princesse endormie », « Le chant de la forêt sombre »).
Une œuvre remarquable de la littérature russe ancienne du XIIe siècle - "Le Conte de la campagne d'Igor" - a fasciné Borodine, l'a fasciné et l'a inspiré à créer un opéra. Le laïc a raconté la campagne infructueuse du courageux prince Igor contre les Polovtsiens. L'auteur a appelé les princes à s'unir, et cette orientation patriotique de l'œuvre contenait son rôle progressiste. Borodine a créé son grand opéra basé sur cette intrigue "Prince Igor"(achevé par Rimski-Korsakov en 1890).
"Prince Igor" est un opéra lyrique-épique en 4 actes avec un prologue. La musique de l'opéra est largement basée sur les intonations de chansons folkloriques - russes et orientales. Les scènes folkloriques, russes et orientales, sont peintes de couleurs vives. En cela, Borodine était un disciple de Glinka, qui a également trouvé des caractéristiques artistiquement convaincantes pour représenter le camp des ennemis.
Nikolaï Andreïevitch Rimski-Korsakov (1844-1908).Parmi les compositeurs de The Mighty Handful, Rimski-Korsakov occupe une place particulière. Avec son œuvre, la musique russe s'épanouit pleinement. conte de fées. Toute sa vie est un service altruiste et désintéressé envers l'art, une fidélité à ses idéaux.
L'éventail des thèmes et des intrigues incarnés par Rimski-Korsakov est large et varié. Comme tous les « Kuchkistes », le compositeur s'est tourné vers l'histoire russe, les images de la vie populaire, les images de l'Orient ; il a également abordé le domaine du drame quotidien et la sphère lyrico-psychologique. Mais le talent de Rimski-Korsakov s’est révélé le plus pleinement dans des œuvres liées au monde fantastique et à diverses formes d’art populaire russe. Un conte de fées, une légende, une épopée, un mythe, un rituel déterminent non seulement le thème, mais aussi le sens idéologique de la plupart de ses œuvres. Révélant le sous-texte philosophique des genres folkloriques, Rimski-Korsakov révèle la vision du monde du peuple : son rêve éternel d'une vie meilleure, de bonheur, incarné dans les images de pays et de villes de contes de fées lumineux (le royaume de Berendée dans « La Neige Maiden », la ville de Lollipop dans « Le Conte du tsar Saltan »); ses idéaux moraux et esthétiques, personnifiés d'une part par les héroïnes d'opéra d'une pureté et d'une douceur captivantes (la princesse de « Kashchei l'Immortel »), d'autre part par des chanteurs légendaires (Lel, Sadko), symboles d'une art folklorique; son admiration pour le pouvoir vivifiant et la beauté éternelle de la nature ; enfin, la foi indéracinable du peuple dans le triomphe des forces de la lumière, de la justice et du bien est la source de l'optimisme inhérent à l'œuvre de Rimski-Korsakov.
Les caractéristiques du style et de la méthode artistique du compositeur se sont révélées le plus pleinement dans créativité lyrique. Les 15 opéras de Rimski-Korsakov représentent une extraordinaire variété de solutions de genre, dramatiques, compositionnelles et stylistiques. Parmi elles se trouvent des œuvres qui gravitent vers une structure numérique (« Nuit de mai », « La Fille des neiges », « La fiancée du tsar ») et un développement continu (« Mozart et Salieri », « Kashchei l'Immortel », « La Légende de l'Invisible ». Ville de Kitezh », « Coq doré"); opéras avec de grandes scènes de foule (« Pskovite », « May Night », « Snow Maiden », « Mlada », « Sadko », « Kitezh » et sans eux (« Mozart et Salieri », « Vera Sheloga », « Kashchei l'Immortel) "), avec des ensembles complets élargis ("La Fiancée du Tsar") et sans ensembles ("Mozart et Salieri", "Le Coq d'Or"). Dans chaque cas particulier, le choix du genre, les principes des solutions dramatiques et stylistiques sont déterminés par les locaux de la parcelle. "Je n'ai jamais cru et je ne crois pas", a souligné Rimski-Korsakov, "en une seule véritable forme d'opéra, estimant qu'autant d'intrigues qu'il y a dans le monde, il devrait y avoir autant (presque autant) de formes d'opéra indépendantes correspondantes.. Tout en affirmant la vision de l'opéra comme une œuvre essentiellement musicale, Rimski-Korsakov imposait en même temps des exigences élevées quant à sa base poétique, à l'unité et à la cohérence du style littéraire. Il dirige activement le travail des librettistes. Le compositeur a lui-même écrit plusieurs livrets d’opéra.
L'œuvre symphonique de Rimski-Korsakov n'est pas si vaste et diversifiée par rapport à l'opéra. Cependant, il a apporté une contribution brillante et originale dans ce domaine. Le caractère concret et imaginatif de la pensée musicale du compositeur a déterminé son penchant pour le symphonisme programmatique (principalement pictural, visuel) et de genre (associé aux thèmes de chants et de danses folkloriques). D'où le choix caractéristique des genres et des formes - ouverture (fantastique), tableau symphonique, suite et une certaine direction du style - une tendance à la variation, l'ornementation dans l'élaboration de la matière, une attention particulière aux possibilités coloristiques d'harmonie et d'orchestration.
Rimski-Korsakov a laissé un immense héritage créatif dans presque tous les genres musicaux. Ses œuvres sont variées dans leur contenu, mais leur principale caractéristique est une pénétration profonde dans la vie et le mode de vie des gens, leurs pensées et leurs aspirations.
Le génie Piotr Ilitch Tchaïkovski (1840-1893)
Parmi les compositeurs classiques russes, le nom de Tchaïkovski se démarque. Il est cher aux mélomanes du monde entier. Ses œuvres captivent et enthousiasment également tout le monde – les musiciens professionnels et le grand public. Tchaïkovski a dédié son œuvre à l'homme, à son amour pour la patrie et la nature russe, à ses aspirations au bonheur et à la lutte courageuse contre les forces obscures du mal. La musique du compositeur contient toute la vie d'une personne avec sa joie, son chagrin, ses espoirs, sa lutte, son désespoir. Et peu importe ce dont parle Tchaïkovski, il est toujours véridique et sincère.
Le style musical de Tchaïkovski s'est développé dans le contexte des idées non conventionnelles du compositeur sur la nature de l'identité nationale. Dans son interprétation du « national » et du « populaire », il a suivi un chemin différent de celui des adeptes du « kuchkisme ». Le folklore russe n’était pas pour lui une source universelle, la base fondamentale du langage musical. À l’aide d’intonations de chansons folkloriques généralisées et médiatisées, Tchaïkovski incarnait l’image nationale de la « russité », la Russie, la réalité russe dans sa polyvalence moderne. Par conséquent, le compositeur n’a pas cherché à utiliser des genres spécifiques du folklore paysan authentique dans la musique, mais s’est tourné vers le « vocabulaire intonalisant » de la vie musicale urbaine qui l’entourait. Les intonations urbaines familières, combinées à l’ouverture émotionnelle, à la sincérité et à la mélodie, ont rendu la musique de Tchaïkovski compréhensible et accessible au public le plus large, tant en Russie qu’à l’étranger. C’est pourquoi les œuvres de Tchaïkovski ont rapidement gagné la sympathie des Européens et ont contribué à la reconnaissance internationale de la musique russe à travers le monde.
Tchaïkovski a écrit dans presque tous les genres et dans chacun d'eux, il a prononcé son nouveau mot d'artiste brillant. Mais peut-être que son genre préféré était opéra.Tchaïkovski y apparaît comme un véritable réformateur. Le compositeur imaginait l'opéra comme le genre le plus démocratique. "L'opéra", écrit-il, "et seul l'opéra vous rapproche des gens, rend votre musique plus proche du public réel..." L'action de l'opéra est basée sur des sentiments et des expériences humaines fortes. Tchaïkovski accordait une grande attention au contenu de ses opéras, privilégiant toujours une intrigue de la vie russe, car c'était le peuple russe qu'il connaissait et comprenait vraiment.
L'une des meilleures œuvres de Tchaïkovski opéra "Eugène Onéguine".Bien avant de décider d’écrire un opéra basé sur l’intrigue d’Eugène Onéguine, Tchaïkovski s’est passionnément intéressé aux poèmes de Pouchkine. L'une de ses parties préférées du roman poétique était la lettre de Tatiana à Onéguine, et le compositeur rêvait de composer de la musique sur ces mots. La première représentation de l'opéra, à la demande du compositeur, eut lieu par les étudiants du Conservatoire de Moscou sous la direction de N. Rubinstein le 17 mars 1879.
Tchaïkovski a qualifié son opéra de « scènes lyriques ». Le compositeur a concentré toute son attention sur la révélation du monde intérieur et spirituel de ses personnages.
L'opéra « Eugène Onéguine » est l'une des plus hautes réalisations de l'art lyrique russe. Les images véridiques du roman de Pouchkine ont contribué à résoudre le problème de la création d'un « drame intime mais puissant », dont les personnages étaient de « vraies personnes vivantes ». Le drame personnel des personnages se déroule sur fond d'images quotidiennes. Diverses scènes de la vie quotidienne confèrent à l'opéra un charme particulier.
L'innovation du « Lac des Cygnes » - son caractère inhabituel et sa différence par rapport à tout ce qui l'a précédé - même si elle n'a pas été entièrement comprise à la fois, a été immédiatement remarquée par le public et les critiques, même si elle a parfois semé la confusion parmi les mélomanes éclairés. Certains reprochaient au compositeur la pauvreté de son imagination créatrice, la monotonie des thèmes et des mélodies et une certaine monotonie. D’autres pensaient que la musique était belle, voire même trop bonne pour le ballet. Néanmoins, la première du ballet au Théâtre Bolchoï de Moscou (20 février 1877) fut un succès et la représentation resta au répertoire jusqu'en 1883, date à laquelle le décor de cette production tomba en ruine complet.
La première revue de presse où la création d'un nouveau ballet a été appréciée a appartenu à G.A. Laroche : « Côté musique, « Le Lac des Cygnes » est le meilleur ballet que j'ai jamais entendu... Des mélodies, les unes plus plastiques, plus mélodieuses et plus captivantes les unes que les autres, coulent comme d'une corne d'abondance ; Le rythme de valse qui prévaut entre les numéros de danse s'incarne dans une telle variété de motifs gracieux et captivants que jamais l'image mélodique d'un compositeur doué et polyvalent n'a résisté à une épreuve plus brillante... "
Parallèlement, la musique symphonique occupe également une place importante dans l’œuvre de Tchaïkovski. Il a écrit 6 symphonies et la symphonie à programme « Manfred », trois concertos pour piano et orchestre, un pour violon et plusieurs suites orchestrales. Parmi les pièces symphoniques en un mouvement, la fantaisie « Francesca da Rimini » et les pièces à programme basées sur les intrigues de Shakespeare (ouverture-fantastique « Roméo et Juliette », fantaisie « La Tempête ») se démarquent particulièrement.
L'éventail des intérêts créatifs du compositeur est exceptionnellement large. Son héritage comprend dix opéras (Eugène Onéguine, Ondine, Le Forgeron Vakula, La Dame de Pique, etc.), trois ballets (Le Lac des Cygnes, La Belle au bois dormant, Casse-Noisette), sept symphonies, plus de dix œuvres orchestrales, des concerts instrumentaux, des chorales et musique pour piano, œuvres de chambre et vocales. Dans tous les domaines, Tchaïkovski était un innovateur, même s’il n’a jamais cherché à être réformiste. En utilisant les genres traditionnels, le compositeur a trouvé des opportunités pour les actualiser.
« Je voudrais de toutes les forces de mon âme, écrit Tchaïkovski, que ma musique se répande, afin que le nombre de ceux qui l'aiment, qui y trouvent consolation et soutien, augmente. ». Le souhait du compositeur s'est réalisé.
L'œuvre de Tchaïkovski constitue le summum de la culture musicale mondiale du XIXe siècle, une source toujours vivante et précieuse dont les compositeurs du XXe siècle et nos contemporains ne cessent de s'inspirer.
Conclusion
Le XIXe siècle a donné de merveilleuses œuvres à la musique russe et à la musique du monde. "Ruslan et Lyudmila" et "Ivan Susanin", "Eugene Onegin" et "Swan Lake" sont la fierté de la culture russe. Le fonds d'or de la musique russe comprend des œuvres de Borodine, des romances de Balakirev, Rimski-Korsakov, Borodine, Cui.
Les compositeurs russes ont commencé à voyager à l'étranger. Là, ils ont communiqué avec d'éminents maîtres de l'art musical et, surtout, ont reçu une éducation musicale européenne. La Russie a suscité un intérêt réciproque en Europe et, tout au long du siècle, de nombreux musiciens exceptionnels ont effectué des tournées à Moscou et à Saint-Pétersbourg. L'introduction à la culture européenne a non seulement augmenté le niveau intellectuel et professionnel des compositeurs et interprètes russes, mais les a également aidés à mieux comprendre les traditions de la musique nationale et à mieux se connaître.
Qui est le compositeur russe préféré des Américains de nos jours ? Bien sûr, Tchaïkovski. De nombreux Américains considèrent même Piotr Ilitch comme un compositeur américain. Il dirigeait ses œuvres en Amérique lorsqu'il fut invité à l'ouverture du célèbre Carnegie Hall de New York. Sa musique est entendue presque quotidiennement à la radio en Amérique, notamment les 4e et 6e symphonies et le 1er concerto pour piano. Le ballet préféré des Américains est Casse-Noisette.
L'œuvre des compositeurs classiques Glinka, Dargomyzhsky, Borodine, Rimsky-Korsakov, Tchaïkovski constitue un véritable trésor de la culture russe du XIXe siècle. Leurs traditions ont trouvé leur mise en œuvre et leur développement dans les œuvres des compositeurs de la fin du XIXe et du début du XXe siècle - Taneyev et Glazunov, Lyadov et Arensky, Kalinikov, Scriabine et Rachmaninov. Tous sont de dignes successeurs de leurs grands prédécesseurs.
Dans mon cours, j'ai montré le développement musical de la Russie au XIXe siècle, analysé l'état de la culture musicale, identifié ses caractéristiques, parlé des compositeurs de ce siècle et de leurs œuvres, et également révélé l'importance de la musique russe du XIXe siècle. siècle pour la culture mondiale.
La culture musicale russe du XIXe siècle, par sa fusion avec la culture européenne, par sa transformation, a acquis des particularités originales et a commencé, à son tour, à exercer une influence significative sur elle, se développant jusqu'à nos jours.
Bibliographie
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7.www.rimskykorsakov.ru
Annexe 1
Gourilev, Varlamov, Alyabyev, Verstovsky
Fiodor Ivanovitch Glinka
Croquis du costume de Svetozar. Opéra "Ruslan et Lyudmila"
Annexe 2
Pierre Ilitch Tchaïkovski
Ballet « Casse-Noisette » avec la participation des acteurs du Théâtre Bolchoï
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Les origines de la musique russe remontent à la créativité des tribus slaves orientales qui habitaient le territoire de la Rus antique avant l'émergence du premier État russe au IXe siècle. Les types les plus anciens de musique slave orientale peuvent être jugés hypothétiquement à partir de preuves historiques individuelles, de matériaux provenant de fouilles archéologiques, ainsi que de certains éléments de survie préservés dans des exemples ultérieurs de chants folkloriques. Au moment de la formation de l'ancien État russe dont le centre était à Kiev, les chants folkloriques occupaient une place importante dans la vie familiale et sociale et des instruments de musique de divers types étaient connus. Déjà au VIe siècle, le gusli était l'un des instruments préférés des Slaves.
Le folklore rituel associé aux croyances religieuses païennes et aux actions rituelles qui se sont développées à l'époque du système communal-tribal s'est répandu. De nombreux rituels païens ont continué à vivre parmi le peuple même après l'introduction du christianisme en Russie (fin du 10e siècle), malgré la sévère condamnation et la persécution de l'Église. Jusqu'au XVIIe siècle, les autorités ecclésiastiques publiaient des décrets et des lettres contre les jeux et chants « démoniaques » appréciés du peuple. Au fil du temps, le paganisme en tant que système intégral de croyances et d'idées sur le monde s'est éteint et le rituel païen, perdant son sens de culte magique, est devenu un élément du jeu. Mais en même temps, les formes extérieures du rituel et certains aspects qui régulaient son exécution ont été préservés.
Dans la Russie antique, il n'existait pas de formes développées de musique profane professionnelle, ce qui déterminait le rôle particulièrement important du folklore dans la vie de la société. La chanson populaire existait non seulement parmi les masses laborieuses, mais aussi dans les plus hauts cercles féodaux, jusqu'à la cour princière. Les principaux porteurs de la culture artistique laïque étaient les bouffons, qui étaient une sorte d'acteur et de musicien syncrétique médiéval. Ils différaient par leur statut social et la nature de leur art. Les bouffons errants qui se produisaient devant le peuple dans les rues et sur les places étaient en dehors de la hiérarchie sociale de la société féodale et étaient privés de tous droits. Les bouffons « serviteurs », venus au service des seigneurs et des princes féodaux, étaient plus riches et bénéficiaient de la protection de leur patron. Parmi les bouffons, il y avait des guslars, des gudoshniks et des « svirtsy » (interprètes d'instruments à vent primitifs). Leur répertoire se composait principalement de chants et de danses folkloriques. Ce n'est qu'au XVIIe siècle, sous l'influence de changements culturels généraux, que la bouffonnerie a perdu de son importance et a été repoussée des régions centrales de la Russie vers la périphérie nord.
Avec l’adoption du christianisme comme religion d’État à la fin du Xe siècle, la musique religieuse commence à se développer. Les formes du chant religieux russe ancien et, dans une large mesure, probablement même ses mélodies, ont été empruntées à Byzance. À partir de là, le système de fixation à l’aide d’un type particulier de signes conventionnels a été adopté, qui était un type d’écriture non numérique.
À la suite de la refonte des formes byzantines empruntées, un type tout à fait original d'art du chant russe ancien est apparu - le chant znamenny ou le chant znamenny. Il n'est pas possible de retracer les étapes de ce processus, puisque les premières formes d'écriture Znamenny n'ont pas été déchiffrées.
Les premiers monuments connus de l’écriture musicale russe ancienne remontent à la fin du XIe – début du XIIe siècle. Parallèlement, il existait une tradition orale dans la pratique du chant religieux. Seulement aux XVe et XVIIe siècles. Tous les types de chants religieux étaient « mis sur la bannière » et le chant « sur les crochets » (le crochet est le signe le plus courant de la lettre znamenny) est devenu d'usage général.
Les caractéristiques les plus importantes de l'art du chant russe ancien étaient : une monophonie strictement cohérente, sans accompagnement instrumental, la douceur du mouvement mélodique, l'absence de sauts à grands intervalles, le lien étroit de la mélodie avec le texte verbal, composé de lignes de longueur inégale, comme une conséquence de cela - la liberté d'organisation métro-rythmique, l'asymétrie de la structure des airs, la construction d'un air basé sur des formules canonisées toutes faites à travers leur enchaînement et leur transformation variable. La somme des formules de chant qui composent le fonds mélodique du chant znamenny était couverte par le système osmoglas.
Dans la Russie kiévienne, outre le znamenny habituel, il existait un type particulier de chant kondakar, caractérisé par une abondance de décorations mélodiques et de longs chants de syllabes.
Après l'effondrement de la Russie kiévienne, un certain nombre d'écoles de chant sont apparues, parmi lesquelles celle de Novgorod s'est particulièrement démarquée. Pendant la période de fragmentation féodale, Novgorod était le principal gardien des anciennes traditions de chant russes. Depuis la fin du XIVe siècle, Moscou est devenue le centre panrusse de l'art du chant, unissant et synthétisant les réalisations des écoles locales.
Au XVIe siècle, un chœur exemplaire de clercs chanteurs souverains fut créé qui, en plus de participer aux services royaux, remplissait les fonctions d'inspection de l'état du chant religieux dans le pays.
Au milieu du XVIe siècle, une école de chanteurs et chanteurs de Moscou a émergé, qui a joué un rôle important dans le développement de l'art du chant religieux. Savva Rogov est considéré comme son fondateur ; Fiodor Krestyanin, Ivan Nos et Stefan Golysh étaient célèbres parmi ses étudiants et disciples.
Durant cette période, le chant znamenny a atteint son apogée et de nombreuses variantes mélodiques sont apparues. Du chant znamenny sont issues des variétés spéciales de chant choral monodique - chant démoniaque et chant de voyage.
Le XVIIe siècle marque un tournant dans l'histoire de la musique russe, complétant l'ancienne et en même temps préparant une nouvelle période de son développement. La crise de la vision médiévale du monde, l'effondrement de la structure habituelle des concepts et des points de vue, s'est reflétée dans des conflits sur les questions du chant religieux, dans lesquels deux directions se sont heurtées. L'un d'eux cherchait à renforcer l'ancienne tradition par des réformes partielles, l'autre proposait et défendait de nouvelles formes associées à un système de vues esthétiques différent, une compréhension différente de l'art dans la vie.
Au milieu du XVIIe siècle, les marques de cinabre ont été introduites (des lettres placées au-dessus de la rangée principale de signes chantants et indiquant la hauteur exacte du son). Ce système est basé sur l'échelle dite quotidienne de douze marches diatoniques, divisées en quatre « concordes ». Parallèlement au développement et à la systématisation des fondements théoriques du chant Znamenny au XVIIe siècle, son enrichissement mélodique a eu lieu, de nouveaux chants et leurs variantes, styles de chant ou comme on les appelait alors chants - chant kiévan, chant bulgare, chant grec sont apparus. .
Dans la seconde moitié du XVIIe siècle, un nouveau style de polyphonie chorale a été créé - le chant partes, qui s'est initialement développé en Ukraine et en Biélorussie (N. Diletsky, I. Korenev). Les types de chant partes les plus simples étaient basés sur les mélodies du chant znamenny. La forme la plus élevée de chant partes était le concert choral a cappella pour 8 à 12 voix ou plus.
Au XVIIe siècle, le clavecin, l'orgue et d'autres instruments européens sont apparus à la cour et dans les maisons des boyards russes éclairés, et des chapelles instrumentales domestiques ont été créées. La musique occupe une grande place dans le théâtre de cour (1672 - 1676).
Certaines formes stylistiques et genres de la musique russe développés au XVIIe siècle ont continué à vivre au siècle suivant. Ainsi, le concert partes est resté le type de créativité le plus important des compositeurs russes jusqu'au milieu du XVIIIe siècle. Parmi ses nombreux maîtres figurent N. Kalachnikov, N. Bavykin, F. Redrikov.
Sous l’influence directe des tendances démocratiques progressistes de la pensée sociale et de la littérature russes, une école nationale de compositeurs s’est formée dans le dernier tiers du XVIIIe siècle. Ses représentants ont cherché à combiner dans leur travail les principes stylistiques et les formes du premier classicisme européen avec des thèmes et des images de la vie russe, avec la structure mélodique des chansons folkloriques russes. Les premiers recueils imprimés de chansons folkloriques sont apparus - Trutovsky, Lvov et Prach. De nombreux enregistrements de mélodies folkloriques qu'ils contiennent ont été utilisés par des compositeurs.
Le genre de l'opéra occupait la place la plus importante dans l'œuvre des compositeurs du XVIIIe siècle. Les compositeurs les plus éminents de cette époque étaient V.A. Pashkevich, E.I. Fomin, D.S. Bortnyansky, M. Berezovsky, I. Khandoshkin et d'autres.
