Brève description du style classicisme. Caractéristiques du classicisme en tant que mouvement artistique. Principales caractéristiques du classicisme

1. Introduction.Le classicisme comme méthode artistique...................................2

2. Esthétique du classicisme.

2.1. Principes de base du classicisme................................…………….….....5

2.2. Image du monde, notion de personnalité dans l'art du classicisme......5

2.3. La nature esthétique du classicisme............................................................ ....... ........9

2.4. Le classicisme en peinture............................................................ .......................................15

2.5. Le classicisme en sculpture............................................................ ........ .......................16

2.6. Le classicisme en architecture............................................................ ...................... ....................18

2.7. Le classicisme en littérature.................................................. ...................... .......................20

2.8. Le classicisme en musique............................................................ .......................................................22

2.9. Le classicisme au théâtre................................................................ ..... ................................22

2.10. L'originalité du classicisme russe.................................................. ....... ....22

3. Conclusion……………………………………...…………………………...26

Bibliographie..............................…….………………………………….28

Applications ........................................................................................................29

1. Le classicisme comme méthode artistique

Le classicisme est l’une des méthodes artistiques qui ont réellement existé dans l’histoire de l’art. Parfois, il est désigné par les termes « direction » et « style ». Classicisme (français) classicisme, de lat. classique- exemplaire) - style artistique et direction esthétique dans l'art européen des XVIIe-XIXe siècles.

Le classicisme est basé sur les idées du rationalisme, qui se sont formées simultanément avec les mêmes idées dans la philosophie de Descartes. Une œuvre d'art, du point de vue du classicisme, doit être construite sur la base de canons stricts, révélant ainsi l'harmonie et la logique de l'univers lui-même. Le classicisme n'intéresse que l'éternel, l'immuable - dans chaque phénomène, il s'efforce de reconnaître uniquement les caractéristiques typologiques essentielles, en écartant les caractéristiques individuelles aléatoires. L'esthétique du classicisme attache une grande importance à la fonction sociale et éducative de l'art. Le classicisme reprend de nombreuses règles et canons de l'art ancien (Aristote, Horace).

Le classicisme établit une hiérarchie stricte de genres, qui sont divisés en hauts (ode, tragédie, épopée) et bas (comédie, satire, fable). Chaque genre a des caractéristiques strictement définies dont le mélange n'est pas autorisé.

Le concept de classicisme en tant que méthode créative présuppose dans son contenu une méthode historiquement déterminée de perception esthétique et de modélisation de la réalité dans des images artistiques : l'image du monde et le concept de personnalité, les plus courants pour la conscience esthétique de masse d'un historique donné. époque, s'incarnent dans des idées sur l'essence de l'art verbal, sa relation avec la réalité, ses propres lois internes.

Le classicisme naît et se forme dans certaines conditions historiques et culturelles. La croyance de recherche la plus répandue relie le classicisme aux conditions historiques de la transition de la fragmentation féodale à un État national-territorial unifié, dans la formation duquel le rôle centralisateur appartient à la monarchie absolue.

Le classicisme est une étape organique dans le développement de toute culture nationale, malgré le fait que différentes cultures nationales passent par l'étape classiciste à des moments différents, en raison de l'individualité de la version nationale de la formation d'un modèle social général d'un État centralisé.

Le cadre chronologique de l'existence du classicisme dans différentes cultures européennes est défini comme la seconde moitié du XVIIe - les trente premières années du XVIIIe siècle, malgré le fait que les premières tendances classicistes étaient perceptibles à la fin de la Renaissance, au tournant des XVIe-XVIIe siècles. Dans ces limites chronologiques, le classicisme français est considéré comme l'incarnation standard de la méthode. Étroitement liée à l'apogée de l'absolutisme français dans la seconde moitié du XVIIe siècle, elle a donné à la culture européenne non seulement de grands écrivains - Corneille, Racine, Molière, La Fontaine, Voltaire, mais aussi un grand théoricien de l'art classique - Nicolas Boileau-Dépreau . Étant lui-même un écrivain en exercice qui s'est fait connaître de son vivant grâce à ses satires, Boileau était principalement célèbre pour la création du code esthétique du classicisme - le poème didactique « Art poétique » (1674), dans lequel il a donné une conception théorique cohérente de la littérature. créativité, issue de la pratique littéraire de ses contemporains. Ainsi, le classicisme en France est devenu l’incarnation la plus consciente de la méthode. D'où sa valeur de référence.

Les conditions historiques de l'émergence du classicisme relient les problèmes esthétiques de la méthode à l'ère d'aggravation des relations entre l'individu et la société dans le processus de formation d'un État autocratique, qui, remplaçant la permissivité sociale de la féodalité, cherche à réguler par la loi et délimitent clairement les sphères de la vie publique et privée ainsi que les relations entre l'individu et l'État. Cela détermine l’aspect significatif de l’art. Ses principes fondamentaux sont motivés par le système de vues philosophiques de l'époque. Ils forment une image du monde et un concept de personnalité, et ces catégories s'incarnent dans un ensemble de techniques artistiques de créativité littéraire.

Les concepts philosophiques les plus généraux présents dans tous les mouvements philosophiques de la seconde moitié du XVIIe - fin du XVIIIe siècle. et directement liés à l'esthétique et à la poétique du classicisme sont les concepts de « rationalisme » et de « métaphysique », pertinents pour les enseignements philosophiques idéalistes et matérialistes de cette époque. Le fondateur de la doctrine philosophique du rationalisme est le mathématicien et philosophe français René Descartes (1596-1650). La thèse fondamentale de sa doctrine : « Je pense, donc j'existe » - a été réalisée dans de nombreux mouvements philosophiques de l'époque, unis par le nom commun « Cartésianisme » (de la version latine du nom Descartes - Cartesius). c'est une thèse idéaliste, puisqu'elle fait ressortir l'existence matérielle d'une idée. Cependant, le rationalisme, en tant qu'interprétation de la raison comme la capacité spirituelle première et la plus élevée de l'homme, est également caractéristique des mouvements philosophiques matérialistes de l'époque - comme, par exemple, le matérialisme métaphysique de l'école philosophique anglaise de Bacon-Locke, qui reconnaissait l'expérience comme source de connaissance, mais la plaçait au-dessous de l'activité généralisatrice et analytique de l'esprit, extrayant de la multitude de faits obtenus par l'expérience l'idée la plus élevée, un moyen de modeler le cosmos - la réalité la plus élevée - du chaos de objets matériels individuels.

Le concept de « métaphysique » s’applique également aux deux variétés de rationalisme – idéaliste et matérialiste. Génétiquement, il remonte à Aristote et, dans son enseignement philosophique, il désignait une branche de la connaissance qui explore les principes les plus élevés et immuables de toutes choses, inaccessibles aux sens et compris uniquement de manière rationnelle et spéculative. Descartes et Bacon ont utilisé le terme dans le sens aristotélicien. À l’époque moderne, le concept de « métaphysique » a acquis une signification supplémentaire et en est venu à désigner une manière de penser anti-dialectique qui perçoit les phénomènes et les objets sans leur relation et leur développement. Historiquement, cela caractérise très précisément les particularités de la pensée de l'ère analytique des XVIIe-XVIIIe siècles, la période de différenciation du savoir scientifique et de l'art, où chaque branche de la science, se démarquant du complexe syncrétique, acquiert son propre sujet distinct, mais en même temps il a perdu le lien avec d'autres branches du savoir.

2. Esthétique du classicisme

2.1. Principes de base du classicisme

1. Culte de la raison 2. Culte du devoir civique 3. Appel aux sujets médiévaux 4. Abstraction de la représentation de la vie quotidienne, de l'identité nationale historique 5. Imitation de modèles anciens 6. Harmonie compositionnelle, symétrie, unité d'une œuvre d'art 7. Les héros sont porteurs d'une caractéristique principale, donnée sans développement 8. L'antithèse comme technique principale de création d'une œuvre d'art

2.2. Image du monde, concept de personnalité

dans l'art du classicisme

L'image du monde générée par le type de conscience rationaliste divise clairement la réalité en deux niveaux : empirique et idéologique. Le monde empirique matériel externe, visible et tangible se compose de nombreux objets et phénomènes matériels distincts qui ne sont en aucun cas liés les uns aux autres - c'est un chaos d'entités privées individuelles. Cependant, au-dessus de cette multitude désordonnée d'objets individuels, il y a leur hypostase idéale - un tout harmonieux et harmonieux, une idée universelle de l'univers, qui comprend l'image idéale de tout objet matériel dans son aspect le plus élevé, purifié des particuliers, éternel et forme immuable : telle qu'elle devrait être selon le plan originel du Créateur. Cette idée universelle ne peut être comprise de manière rationnelle et analytique qu'en purifiant progressivement un objet ou un phénomène de ses formes et de son apparence spécifiques et en pénétrant dans son essence et son but idéaux.

Et puisque la conception précède la création et que la pensée est une condition et une source indispensables à l'existence, cette réalité idéale a le caractère primaire le plus élevé. Il est facile de remarquer que les principaux modèles d'une telle image à deux niveaux de la réalité sont très facilement projetés sur le principal problème sociologique de la période de transition de la fragmentation féodale à l'État autocratique - le problème de la relation entre l'individu et l'État. . Le monde des gens est un monde d'êtres humains privés, chaotique et désordonné, l'État est une idée globale et harmonieuse qui crée à partir du chaos un ordre mondial idéal harmonieux et harmonieux. C'est cette image philosophique du monde des XVIIe-XVIIIe siècles. a déterminé des aspects substantiels de l'esthétique du classicisme comme le concept de personnalité et la typologie du conflit, universellement caractéristiques (avec les variations historiques et culturelles nécessaires) du classicisme dans toute littérature européenne.

Dans le domaine des relations humaines avec le monde extérieur, le classicisme voit deux types de connexions et de positions - les deux mêmes niveaux à partir desquels se forme l'image philosophique du monde. Le premier niveau est ce qu’on appelle « l’homme naturel », un être biologique qui se tient aux côtés de tous les objets du monde matériel. Il s'agit d'une entité privée, possédée par des passions égoïstes, désordonnée et sans restriction dans son désir d'assurer son existence personnelle. À ce niveau des liens humains avec le monde, la catégorie principale qui détermine l'apparence spirituelle d'une personne est la passion - aveugle et effrénée dans son désir de réalisation au nom de la réalisation du bien individuel.

Le deuxième niveau du concept de personnalité est celui que l'on appelle la « personne sociale », harmonieusement incluse dans la société dans son image idéale la plus élevée, consciente que son bien fait partie intégrante du bien du général. Un « homme social » est guidé dans sa vision du monde et ses actions non par les passions, mais par la raison, puisque la raison est la plus haute capacité spirituelle d'une personne, lui donnant la possibilité d'une autodétermination positive dans les conditions de la communauté humaine, basée sur la normes éthiques d’une vie communautaire cohérente. Ainsi, le concept de personnalité humaine dans l'idéologie du classicisme s'avère complexe et contradictoire : une personne naturelle (passionnée) et sociale (raisonnable) est un seul et même personnage, déchiré par des contradictions internes et en situation de choix.

D'où le conflit typologique de l'art du classicisme, qui découle directement d'une telle conception de la personnalité. Il est bien évident que la source d'une situation de conflit est précisément le caractère d'une personne. Le personnage est l'une des catégories esthétiques centrales du classicisme, et son interprétation diffère considérablement du sens que la conscience moderne et la critique littéraire donnent au terme « personnage ». Dans la compréhension de l'esthétique du classicisme, le caractère est précisément l'hypostase idéale d'une personne - c'est-à-dire non pas la composition individuelle d'une personnalité humaine spécifique, mais une certaine vision universelle de la nature humaine et de la psychologie, intemporelle dans son essence. Ce n'est que sous cette forme d'attribut éternel, immuable et universel que le caractère pourrait être un objet de l'art classique, attribué sans ambiguïté au niveau idéal le plus élevé de la réalité.

Les principales composantes du caractère sont les passions : l'amour, l'hypocrisie, le courage, l'avarice, le sens du devoir, l'envie, le patriotisme, etc. C'est par la prédominance d'une passion qu'un caractère se détermine : « amoureux », « avare », « envieux », « patriote ». Toutes ces définitions sont précisément des « personnages » dans la compréhension de la conscience esthétique classique.

Cependant, ces passions sont inégales les unes aux autres, bien que selon les conceptions philosophiques des XVIIe-XVIIIe siècles. toutes les passions sont égales, puisqu'elles sont toutes issues de la nature humaine, elles sont toutes naturelles, et aucune passion à elle seule ne peut décider quelle passion est conforme à la dignité éthique d'une personne et laquelle ne l'est pas. Ces décisions sont prises uniquement par la raison. Malgré le fait que toutes les passions sont également des catégories de vie spirituelle émotionnelle, certaines d'entre elles (comme l'amour, l'avarice, l'envie, l'hypocrisie, etc.) sont de moins en plus difficiles à accepter les préceptes de la raison et sont davantage associées au concept du bien égoïste. D'autres (courage, sens du devoir, honneur, patriotisme) sont davantage soumis à un contrôle rationnel et ne contredisent pas l'idée du bien commun, l'éthique des relations sociales.

Il s’avère donc que les passions rationnelles et déraisonnables, altruistes et égoïstes, personnelles et sociales, entrent en conflit. Et la raison est la plus haute capacité spirituelle d'une personne, un outil logique et analytique qui permet de contrôler les passions et de distinguer le bien du mal, la vérité du mensonge. Le type de conflit classique le plus courant est une situation de conflit entre une inclination personnelle (amour) et un sentiment de devoir envers la société et l'État, qui, pour une raison quelconque, exclut la possibilité de réaliser une passion amoureuse. Il est bien évident que, par nature, ce conflit est psychologique, même si une condition nécessaire à sa mise en œuvre est une situation dans laquelle les intérêts de l'homme et de la société se heurtent. Ces aspects idéologiques les plus importants de la pensée esthétique de l'époque ont trouvé leur expression dans le système d'idées sur les lois de la créativité artistique.

2.3. La nature esthétique du classicisme

Les principes esthétiques du classicisme ont subi des changements importants au cours de son existence. Un trait caractéristique de cette tendance est l’admiration pour l’Antiquité. L'art de la Grèce antique et de la Rome antique était considéré par les classiques comme un modèle idéal de créativité artistique. La « Poétique » d'Aristote et « L'Art de la poésie » d'Horace ont eu une énorme influence sur la formation des principes esthétiques du classicisme. Nous trouvons ici une tendance à créer des images sublimement héroïques, idéales, rationnellement claires et plastiquement complétées. En règle générale, dans l'art du classicisme, les idéaux politiques, moraux et esthétiques modernes s'incarnent dans des personnages, des conflits, des situations empruntés à l'arsenal de l'histoire ancienne, de la mythologie ou directement à l'art ancien.

L'esthétique du classicisme a guidé les poètes, les artistes et les compositeurs dans la création d'œuvres d'art caractérisées par la clarté, la logique, l'équilibre et l'harmonie stricts. Tout cela, selon les classiques, se reflétait pleinement dans la culture artistique ancienne. Pour eux, raison et antiquité sont synonymes. La nature rationaliste de l'esthétique du classicisme s'est manifestée dans la typification abstraite des images, la régulation stricte des genres, des formes, dans l'interprétation de l'héritage artistique antique, dans l'appel de l'art à la raison plutôt qu'aux sentiments, dans le désir de subordonner le processus créatif à des normes, règles et canons inébranlables (norme - du latin. norma – principe directeur, règle, modèle ; règle généralement acceptée, modèle de comportement ou d'action).

Tout comme les principes esthétiques de la Renaissance ont trouvé leur expression la plus typique en Italie, il en est de même en France au XVIIe siècle. – principes esthétiques du classicisme. Au 17ème siècle La culture artistique italienne a largement perdu son influence d'antan. Mais l’esprit novateur de l’art français apparaît clairement. A cette époque, un État absolutiste se forme en France, qui unit la société et centralise le pouvoir.

Le renforcement de l'absolutisme signifiait la victoire du principe de régulation universelle dans toutes les sphères de la vie, de l'économie à la vie spirituelle. La dette est le principal régulateur du comportement humain. L’État personnifie ce devoir et agit comme une sorte d’entité aliénée de l’individu. La soumission à l'État, l'accomplissement du devoir public sont la plus haute vertu d'un individu. L’homme n’est plus considéré comme libre, comme c’était le cas dans la vision du monde de la Renaissance, mais comme soumis à des normes et à des règles qui lui sont étrangères, limité par des forces échappant à son contrôle. La force régulatrice et limitante apparaît sous la forme de l’esprit impersonnel, auquel l’individu doit se soumettre et agir selon ses commandements et instructions.

La forte augmentation de la production a contribué au développement des sciences exactes : mathématiques, astronomie, physique, et cela, à son tour, a conduit à la victoire du rationalisme (du latin ratio - raison) - un courant philosophique qui reconnaît la raison comme base de la cognition et du comportement humain.

Les idées sur les lois de la créativité et la structure d'une œuvre d'art sont déterminées dans la même mesure par le type de vision du monde d'époque que l'image du monde et le concept de personnalité. La raison, en tant que capacité spirituelle la plus élevée de l'homme, est conçue non seulement comme un instrument de connaissance, mais aussi comme un organe de créativité et une source de plaisir esthétique. L’un des leitmotivs les plus marquants de « l’Art poétique » de Boileau est le caractère rationnel de l’activité esthétique :

Le classicisme français affirmait la personnalité de l'homme comme la valeur la plus élevée de l'existence, le libérant de l'influence religieuse et ecclésiale.

L'intérêt pour l'art de la Grèce antique et de Rome est apparu dès la Renaissance, qui, après des siècles du Moyen Âge, s'est tournée vers les formes, les motifs et les sujets de l'Antiquité. Le plus grand théoricien de la Renaissance, Léon Batista Alberti, au XVe siècle. exprime des idées qui préfigurent certains principes du classicisme et se manifestent pleinement dans la fresque de Raphaël « L’École d’Athènes » (1511).

La systématisation et la consolidation des réalisations des grands artistes de la Renaissance, notamment florentins dirigés par Raphaël et son élève Giulio Romano, formèrent le programme de l'école bolognaise de la fin du XVIe siècle, dont les représentants les plus typiques étaient les Carracci. frères. Dans leur influente Académie des Arts, les Bolonais prêchaient que le chemin vers les sommets de l'art passait par une étude scrupuleuse de l'héritage de Raphaël et de Michel-Ange, l'imitation de leur maîtrise de la ligne et de la composition.

À la suite d’Aristote, le classicisme considérait l’art comme une imitation de la nature :

Cependant, la nature n'était en aucun cas comprise comme une image visuelle du monde physique et moral, présentée aux sens, mais plutôt comme l'essence intelligible la plus élevée du monde et de l'homme : non pas un caractère spécifique, mais son idée, non un véritable historique. ou une intrigue moderne, mais une situation de conflit humain universelle, non pas un paysage donné, mais l'idée d'une combinaison harmonieuse de réalités naturelles dans une unité idéalement belle. Le classicisme a trouvé une unité si idéalement belle dans la littérature ancienne - c'est précisément cela qui était perçu par le classicisme comme le summum déjà atteint de l'activité esthétique, la norme éternelle et immuable de l'art, qui recréait dans ses modèles de genre cette nature idéale la plus élevée, physique et morale, que l'art doit imiter. Il se trouve que la thèse sur l'imitation de la nature s'est transformée en une prescription pour imiter l'art ancien, d'où vient le terme « classicisme » lui-même (du latin classicus - exemplaire, étudié en classe) :

Ainsi, la nature dans l'art classique apparaît moins reproduite que calquée sur un modèle élevé - « décorée » par l'activité analytique généralisatrice de l'esprit. Par analogie, on peut rappeler le parc dit « régulier » (c'est-à-dire « correct »), où les arbres sont taillés en forme de formes géométriques et plantés symétriquement, les allées ont la forme correcte, parsemées de galets multicolores. , et l'eau est enfermée dans des bassins et des fontaines en marbre. Ce style d'art du jardinage a atteint son apogée précisément à l'ère du classicisme. Le désir de présenter la nature comme « décorée » se traduit également par la prédominance absolue dans la littérature du classicisme de la poésie sur la prose : si la prose est identique à la simple nature matérielle, alors la poésie, en tant que forme littéraire, est certainement une nature « décorée » idéale. »

Dans toutes ces idées sur l'art, à savoir en tant qu'activité spirituelle rationnelle, ordonnée, standardisée, le principe hiérarchique de la pensée des XVIIe-XVIIIe siècles a été réalisé. En elle-même, la littérature s'est également avérée divisée en deux séries hiérarchiques, basse et haute, dont chacune était thématiquement et stylistiquement associée à un niveau de réalité - matériel ou idéal. Les genres faibles comprenaient la satire, la comédie et la fable ; au plus haut - ode, tragédie, épopée. Dans les genres bas, la réalité matérielle quotidienne est représentée et une personne privée apparaît dans les liens sociaux (alors que, bien sûr, la personne et la réalité sont toujours les mêmes catégories conceptuelles idéales). Dans les genres élevés, l'homme est présenté comme un être spirituel et social, dans l'aspect existentiel de son existence, seul et aux côtés des éternels fondamentaux des questions de l'existence. Par conséquent, pour les genres hauts et bas, non seulement la différenciation thématique, mais aussi la différenciation de classe, en fonction de l’appartenance du personnage à l’une ou l’autre couche sociale, se sont révélées pertinentes. Le héros des genres bas est un bourgeois ; grand héros - un personnage historique, un héros mythologique ou un personnage fictif de haut rang - généralement un dirigeant.

Dans les genres bas, les personnages humains sont formés par de basses passions quotidiennes (avarice, hypocrisie, hypocrisie, envie, etc.) ; dans les genres élevés, les passions acquièrent un caractère spirituel (amour, ambition, vindicte, sens du devoir, patriotisme, etc.). Et si les passions quotidiennes sont clairement déraisonnables et vicieuses, alors les passions existentielles sont divisées en raisonnables - sociales et déraisonnables - personnelles, et le statut éthique du héros dépend de son choix. Il est sans ambiguïté positif s'il préfère une passion raisonnable, et sans ambiguïté négatif s'il en choisit une déraisonnable. Le classicisme n'autorisait pas les demi-teintes dans l'évaluation éthique - et cela reflétait également le caractère rationaliste de la méthode, qui excluait toute confusion entre le haut et le bas, le tragique et le comique.

Étant donné que dans la théorie des genres du classicisme, les genres qui ont atteint le plus grand épanouissement dans la littérature ancienne étaient légitimés comme les principaux et que la créativité littéraire était considérée comme une imitation raisonnable de hauts modèles, le code esthétique du classicisme a acquis un caractère normatif. Cela signifie que le modèle de chaque genre a été établi une fois pour toutes dans un ensemble clair de règles, dont il était inacceptable de s'écarter, et que chaque texte spécifique a été évalué esthétiquement en fonction du degré de conformité à ce modèle de genre idéal.

La source des règles étaient des exemples anciens : l'épopée d'Homère et de Virgile, la tragédie d'Eschyle, Sophocle, Euripide et Sénèque, la comédie d'Aristophane, Ménandre, Térence et Plaute, l'ode de Pindare, la fable d'Ésope et Phèdre, la satire d'Horace et de Juvénal. Le cas le plus typique et le plus illustratif d’une telle régulation des genres est bien entendu celui des règles du genre classique phare, la tragédie, tirées à la fois des textes des tragédiens anciens et de la Poétique d’Aristote.

Pour la tragédie, une forme poétique a été canonisée (« vers alexandrin » - hexamètre iambique avec rime appariée), une structure obligatoire en cinq actes, trois unités - temps, lieu et action, un style élevé, une intrigue historique ou mythologique et un conflit, suggérant une situation obligatoire de choix entre passion raisonnable et déraisonnable, et le processus de choix lui-même était censé constituer l'action de la tragédie. C'est dans la section dramatique de l'esthétique du classicisme que le rationalisme, la hiérarchie et la normativité de la méthode s'expriment avec la plus grande complétude et la plus grande évidence :

Tout ce qui a été dit ci-dessus sur l'esthétique du classicisme et la poétique de la littérature classique en France s'applique également à presque toutes les variétés européennes de la méthode, puisque le classicisme français était historiquement l'incarnation la plus ancienne et esthétiquement la plus autoritaire de la méthode. Mais pour le classicisme russe, ces principes théoriques généraux ont trouvé une réfraction unique dans la pratique artistique, puisqu'ils étaient déterminés par les caractéristiques historiques et nationales de la formation de la nouvelle culture russe du XVIIIe siècle.

2.4. Le classicisme en peinture

Au début du XVIIe siècle, les jeunes étrangers affluaient à Rome pour se familiariser avec le patrimoine de l'Antiquité et de la Renaissance. La place la plus importante parmi eux était occupée par le Français Nicolas Poussin, dans ses peintures, principalement sur les thèmes de l'Antiquité antique et de la mythologie, qui a fourni des exemples inégalés de composition géométriquement précise et de relations réfléchies entre les groupes de couleurs. Un autre Français, Claude Lorrain, dans ses paysages antiques des environs de la « ville éternelle », organisait les tableaux de la nature en les harmonisant avec la lumière du soleil couchant et en introduisant des scènes architecturales particulières.

Le normativisme froidement rationnel de Poussin a gagné l'approbation de la cour de Versailles et a été poursuivi par des artistes de la cour comme Le Brun, qui a vu dans la peinture classique le langage artistique idéal pour louer l'état absolutiste du « roi soleil ». Bien que les clients privés privilégient diverses variantes du baroque et du rococo, la monarchie française maintient le classicisme à flot en finançant des institutions académiques telles que l'École des Beaux-Arts. Le Prix de Rome a offert aux étudiants les plus talentueux la possibilité de visiter Rome et de se familiariser directement avec les grandes œuvres de l'Antiquité.

La découverte de la « véritable » peinture ancienne lors des fouilles de Pompéi, la déification de l'Antiquité par le critique d'art allemand Winckelmann et le culte de Raphaël, prêché par l'artiste Mengs, qui lui était proche dans les vues, insufflèrent un nouveau souffle au classicisme en la seconde moitié du XVIIIe siècle (dans la littérature occidentale, cette étape est appelée néoclassicisme). Le plus grand représentant du « nouveau classicisme » était Jacques-Louis David ; son langage artistique extrêmement laconique et dramatique servit avec un égal succès à promouvoir les idéaux de la Révolution française (« La Mort de Marat ») et du Premier Empire (« La Dédicace de l’Empereur Napoléon Ier »).

Au XIXe siècle, la peinture classique entre dans une période de crise et devient un frein au développement de l’art, non seulement en France, mais aussi dans d’autres pays. La ligne artistique de David a été poursuivie avec succès par Ingres, qui, tout en conservant le langage du classicisme dans ses œuvres, s'est souvent tourné vers des sujets romantiques à saveur orientale (« Bains turcs ») ; ses œuvres de portraits sont marquées par une subtile idéalisation du modèle. Des artistes d'autres pays (comme par exemple Karl Bryullov) ont également imprégné des œuvres de forme classique de l'esprit du romantisme ; cette combinaison s'appelait académisme. De nombreuses académies d’art lui servent de vivier. Au milieu du XIXe siècle, la jeune génération tournée vers le réalisme, représentée en France par le cercle Courbet et en Russie par les Itinérants, s'insurge contre le conservatisme de l'establishment académique.

2.5. Le classicisme en sculpture

L'impulsion pour le développement de la sculpture classique au milieu du XVIIIe siècle a été les écrits de Winckelmann et les fouilles archéologiques des villes anciennes, qui ont élargi les connaissances des contemporains sur la sculpture ancienne. En France, des sculpteurs comme Pigalle et Houdon oscillaient à la limite du baroque et du classicisme. Le classicisme atteint sa plus haute incarnation dans le domaine de l'art plastique dans les œuvres héroïques et idylliques d'Antonio Canova, qui s'inspire principalement des statues de l'époque hellénistique (Praxitèle). En Russie, Fedot Shubin, Mikhail Kozlovsky, Boris Orlovsky et Ivan Martos se sont tournés vers l'esthétique du classicisme.

Les monuments publics, qui se sont répandus à l'époque du classicisme, ont donné aux sculpteurs l'occasion d'idéaliser la valeur militaire et la sagesse des hommes d'État. La fidélité au modèle ancien obligeait les sculpteurs à représenter des modèles nus, ce qui était en contradiction avec les normes morales acceptées. Pour résoudre cette contradiction, les figures modernes ont été initialement représentées par des sculpteurs classiques sous la forme d'anciens dieux nus : Souvorov en Mars et Polina Borghèse en Vénus. Sous Napoléon, le problème a été résolu en passant à la représentation de personnages modernes en toges anciennes (il s'agit des figures de Koutouzov et Barclay de Tolly devant la cathédrale de Kazan).

Les clients privés de l’époque classique préféraient immortaliser leur nom sur des pierres tombales. La popularité de cette forme sculpturale a été facilitée par l'aménagement de cimetières publics dans les principales villes d'Europe. Conformément à l’idéal classique, les personnages sur les pierres tombales sont généralement dans un état de profond repos. La sculpture du classicisme est généralement étrangère aux mouvements brusques et aux manifestations extérieures d'émotions comme la colère.

Le classicisme de l'Empire tardif, représenté principalement par le prolifique sculpteur danois Thorvaldsen, est imprégné d'un pathétique aride. La pureté des lignes, la retenue des gestes et les expressions impartiales sont particulièrement appréciées. Dans le choix des modèles, l’accent se déplace de l’hellénisme vers la période archaïque. Les images religieuses deviennent à la mode et, selon l’interprétation de Thorvaldsen, produisent une impression quelque peu effrayante sur le spectateur. La sculpture sur pierre tombale du classicisme tardif porte souvent une légère touche de sentimentalité.

2.6. Le classicisme en architecture

La principale caractéristique de l'architecture du classicisme était l'appel aux formes de l'architecture ancienne comme norme d'harmonie, de simplicité, de rigueur, de clarté logique et de monumentalité. L'architecture du classicisme dans son ensemble se caractérise par la régularité du tracé et la clarté des formes volumétriques. La base du langage architectural du classicisme était l'ordre, dans des proportions et des formes proches de l'Antiquité. Le classicisme se caractérise par des compositions axiales symétriques, une décoration sobre et un système régulier d'urbanisme.

Le langage architectural du classicisme a été formulé à la fin de la Renaissance par le grand maître vénitien Palladio et son disciple Scamozzi. Les Vénitiens ont absolutisé les principes de l’architecture des temples antiques à tel point qu’ils les ont même appliqués à la construction d’hôtels particuliers tels que la Villa Capra. Inigo Jones a amené le palladianisme au nord de l'Angleterre, où les architectes palladiens locaux ont suivi les principes palladiens avec plus ou moins de fidélité jusqu'au milieu du XVIIIe siècle.

À cette époque, la satiété de la « crème fouettée » du baroque tardif et du rococo commençait à s’accumuler parmi les intellectuels de l’Europe continentale. Né des architectes romains Bernini et Borromini, le baroque s'est éclairci pour devenir le rococo, un style à prédominance de chambre mettant l'accent sur la décoration intérieure et les arts décoratifs. Cette esthétique était peu utile pour résoudre de grands problèmes d’urbanisme. Déjà sous Louis XV (1715-74), des ensembles urbanistiques sont construits à Paris dans le style « roman antique », comme la place de la Concorde (architecte Jacques-Ange Gabriel) et l'église Saint-Sulpice, et sous Louis XVI (1774-92), un « noble laconisme » similaire est déjà en train de devenir la principale direction architecturale.

Les intérieurs les plus importants du style classique ont été conçus par l'Écossais Robert Adam, qui est revenu de Rome dans son pays natal en 1758. Il fut très impressionné à la fois par les recherches archéologiques des scientifiques italiens et par les fantaisies architecturales de Piranèse. Selon l’interprétation d’Adam, le classicisme était un style à peine inférieur au rococo dans la sophistication de ses intérieurs, ce qui lui a valu une popularité non seulement parmi les cercles démocratiques de la société, mais aussi parmi l’aristocratie. Comme ses collègues français, Adam prêchait un rejet total des détails dépourvus de fonction constructive.

Le Français Jacques-Germain Soufflot, lors de la construction de l'église Sainte-Geneviève à Paris, a démontré la capacité du classicisme à organiser de vastes espaces urbains. La grandeur massive de ses créations préfigurait la mégalomanie du style Empire napoléonien et du classicisme tardif. En Russie, Bajenov va dans la même direction que Soufflot. Les Français Claude-Nicolas Ledoux et Etienne-Louis Boullé sont allés encore plus loin dans le développement d'un style visionnaire radical en mettant l'accent sur la géométrisation abstraite des formes. Dans la France révolutionnaire, le pathétique civique ascétique de leurs projets était peu demandé ; L'innovation de Ledoux n'a été pleinement appréciée que par les modernistes du XXe siècle.

Les architectes de la France napoléonienne se sont inspirés des images majestueuses de gloire militaire laissées par la Rome impériale, comme l'arc de triomphe de Septime Sévère et la colonne Trajane. Sur ordre de Napoléon, ces images furent transférées à Paris sous la forme de l'arc de triomphe du Carrousel et de la colonne Vendôme. En ce qui concerne les monuments de grandeur militaire de l'époque des guerres napoléoniennes, le terme « style impérial » est utilisé - style Empire. En Russie, Carl Rossi, Andrei Voronikhin et Andreyan Zakharov se sont révélés être des maîtres exceptionnels du style Empire. En Grande-Bretagne, le style empire correspond à ce qu'on appelle. « Style Régence » (le plus grand représentant est John Nash).

L’esthétique du classicisme a favorisé les projets d’urbanisme à grande échelle et a conduit à la rationalisation du développement urbain à l’échelle de villes entières. En Russie, presque toutes les villes de province et de nombreuses villes de district ont été replanifiées conformément aux principes du rationalisme classique. Des villes comme Saint-Pétersbourg, Helsinki, Varsovie, Dublin, Édimbourg et bien d'autres sont devenues de véritables musées en plein air du classicisme. Un langage architectural unique, remontant à Palladio, dominait tout l'espace, de Minusinsk à Philadelphie. Le développement ordinaire a été réalisé conformément aux albums de projets standards.

Dans la période qui suit les guerres napoléoniennes, le classicisme doit cohabiter avec un éclectisme aux couleurs romantiques, notamment avec le retour de l'intérêt pour le Moyen Âge et la mode du néo-gothique architectural. En lien avec les découvertes de Champollion, les motifs égyptiens gagnent en popularité. L'intérêt pour l'architecture romaine antique est remplacé par le respect pour tout ce qui est grec ancien (« néo-grec »), ce qui s'est manifesté particulièrement clairement en Allemagne et aux États-Unis. Les architectes allemands Leo von Klenze et Karl Friedrich Schinkel ont respectivement construit Munich et Berlin avec de grandioses musées et autres bâtiments publics dans l'esprit du Parthénon. En France, la pureté du classicisme se dilue avec de libres emprunts au répertoire architectural de la Renaissance et du baroque (voir Beaux Arts).

2.7. Le classicisme en littérature

Le fondateur de la poétique du classicisme est le Français François Malherbe (1555-1628), qui procéda à une réforme de la langue et du vers français et développa des canons poétiques. Les principaux représentants du classicisme dans le théâtre étaient les tragédiens Corneille et Racine (1639-1699), dont le principal sujet de créativité était le conflit entre le devoir public et les passions personnelles. Les genres « bas » connaissent également un fort développement : fable (J. Lafontaine), satire (Boileau), comédie (Molière 1622-1673).

Boileau est devenu célèbre dans toute l'Europe comme le « législateur du Parnasse », le plus grand théoricien du classicisme, qui a exprimé ses vues dans le traité poétique « L'art poétique ». Sous son influence en Grande-Bretagne se trouvaient les poètes John Dryden et Alexander Pope, qui ont fait des alexandrins la principale forme de poésie anglaise. La prose anglaise de l'époque classique (Addison, Swift) se caractérise également par une syntaxe latinisée.

Le classicisme du XVIIIe siècle s'est développé sous l'influence des idées des Lumières. L'œuvre de Voltaire (1694-1778) est dirigée contre le fanatisme religieux, l'oppression absolutiste et est remplie du pathos de la liberté. Le but de la créativité est de changer le monde pour le meilleur, de construire la société elle-même selon les lois du classicisme. Du point de vue du classicisme, l'Anglais Samuel Johnson a passé en revue la littérature contemporaine, autour de laquelle s'est formé un brillant cercle de personnes partageant les mêmes idées, dont l'essayiste Boswell, l'historien Gibbon et l'acteur Garrick. Les œuvres dramatiques se caractérisent par trois unités : l'unité de temps (l'action se déroule un jour), l'unité de lieu (en un seul lieu) et l'unité d'action (un scénario).

En Russie, le classicisme est né au XVIIIe siècle, après les réformes de Pierre Ier. Lomonossov a procédé à une réforme du vers russe et développé la théorie des « trois calmes », qui était essentiellement une adaptation des règles classiques françaises à la langue russe. Les images du classicisme sont dépourvues de caractéristiques individuelles, car elles sont conçues principalement pour capturer des caractéristiques génériques stables qui ne se transmettent pas dans le temps, agissant comme l'incarnation de forces sociales ou spirituelles.

Le classicisme en Russie s'est développé sous la grande influence des Lumières - les idées d'égalité et de justice ont toujours été au centre de l'attention des écrivains classiques russes. Par conséquent, dans le classicisme russe, les genres qui nécessitent une évaluation obligatoire de la réalité historique par l'auteur ont connu un grand développement : comédie (D. I. Fonvizin), satire (A. D. Kantemir), fable (A. P. Sumarokov, I. I. Khemnitser), ode (Lomonossov, G. R. Derzhavin).

En lien avec l’appel proclamé de Rousseau au rapprochement avec la nature et au naturel, les phénomènes de crise se multiplient dans le classicisme à la fin du XVIIIe siècle ; L'absolutisation de la raison est remplacée par le culte des sentiments tendres : le sentimentalisme. Le passage du classicisme au préromantisme s'est reflété le plus clairement dans la littérature allemande de l'époque de Sturm et Drang, représentée par les noms de J. W. Goethe (1749-1832) et F. Schiller (1759-1805), qui, à la suite de Rousseau, considérait l'art comme la principale force de l'éducation.

2.8. Le classicisme en musique

Le concept de classicisme en musique est régulièrement associé aux œuvres de Haydn, Mozart et Beethoven, appelées Classiques viennois et déterminé l'orientation du développement ultérieur de la composition musicale.

Le concept de « musique du classicisme » ne doit pas être confondu avec le concept de « musique classique », qui a un sens plus général en tant que musique du passé qui a résisté à l'épreuve du temps.

La musique de l’ère classique glorifie les actions et les actes de l’homme, les émotions et les sentiments qu’il éprouve, ainsi que l’esprit humain attentif et holistique.

L'art théâtral du classicisme se caractérise par une structure solennelle et statique de représentations et une lecture mesurée de la poésie. Le XVIIIe siècle est souvent appelé « l’âge d’or » du théâtre. Le fondateur de la comédie classique européenne est le comédien, acteur et personnage de théâtre français, réformateur de l'art scénique Molière (nom : Jean-Baptiste Poquelin) (1622-1673). Molière voyage longtemps avec une troupe de théâtre à travers la province, où il se familiarise avec la technologie scénique et les goûts du public. En 1658, il reçut du roi l'autorisation de jouer avec sa troupe au théâtre de la cour de Paris. S'appuyant sur les traditions du théâtre populaire et les réalisations du classicisme, il a créé le genre de la comédie sociale, dans lequel l'humour burlesque et plébéien se conjugue avec grâce et talent artistique. Surmontant le schématisme des comédies dell'arte italiennes (commedia dell'arte italienne - comédie de masques ; les principaux masques sont Arlequin, Pulcinella, le vieux marchand Pantalone, etc.), Molière a créé des images réalistes. Il a ridiculisé les préjugés de classe. des aristocrates, l'étroitesse d'esprit de la bourgeoisie, l'hypocrisie des nobles ("Le commerçant de la noblesse", 1670). Avec une intransigeance particulière, Molière dénonce l'hypocrisie, se cachant derrière la piété et la vertu ostentatoire : « Tartuffe ou le Trompeur » (1664), « Don Juan » (1665), « Le Misanthrope » (1666). L'héritage artistique de Molière a eu une profonde influence sur le développement du drame et du théâtre mondial. L'incarnation la plus mature de la comédie de mœurs est reconnue comme « Le Barbier de Séville » (1775) et « Les Noces de Figaro » (1784) du grand dramaturge français Pierre Augustin Beaumarchais (1732-1799). Ils mettent en scène le conflit entre le tiers état et la noblesse. Les opéras de V.A. ont été écrits sur la base des intrigues des pièces de théâtre. Mozart (1786) et G. Rossini (1816).

2.10. L'originalité du classicisme russe

Le classicisme russe est né dans des conditions historiques similaires - sa condition préalable était le renforcement de l'État autocratique et de l'autodétermination nationale de la Russie à partir de l'époque de Pierre Ier. L'européanisme de l'idéologie des réformes de Pierre visait à ce que la culture russe maîtrise les réalisations des cultures européennes. Mais en même temps, le classicisme russe est apparu presque un siècle plus tard que le français : au milieu du XVIIIe siècle, alors que le classicisme russe commençait tout juste à se renforcer, il atteignit en France la deuxième étape de son existence. Le soi-disant « classicisme des Lumières » - une combinaison de principes créatifs classiques avec l'idéologie pré-révolutionnaire des Lumières - dans la littérature française a prospéré dans l'œuvre de Voltaire et a acquis un pathos anticlérical et socialement critique : plusieurs décennies avant le Grand Révolution française, l’époque de l’apologie de l’absolutisme était déjà une histoire lointaine. Le classicisme russe, en raison de son lien étroit avec la réforme culturelle laïque, s'est d'abord fixé des tâches éducatives, essayant d'éduquer ses lecteurs et d'instruire les monarques sur la voie du bien public, et d'autre part, a acquis le statut de direction dominante de la littérature russe vers cette époque où Pierre Ier n'était plus en vie et où le sort de ses réformes culturelles était compromis dans la seconde moitié des années 1720-1730.

Par conséquent, le classicisme russe commence « non pas par le fruit du printemps - l'ode, mais par le fruit de l'automne - la satire », et le pathétique social-critique lui est inhérent dès le début.

Le classicisme russe reflétait également un type de conflit complètement différent de celui du classicisme d’Europe occidentale. Si dans le classicisme français le principe socio-politique n'est que le terrain sur lequel se développe le conflit psychologique des passions rationnelles et déraisonnables et où s'effectue le processus de choix libre et conscient entre leurs diktats, alors en Russie, avec sa conciliarité traditionnellement antidémocratique et le pouvoir absolu de la société sur l'individu, la situation était complètement différente. Pour la mentalité russe, qui commençait tout juste à comprendre l'idéologie du personnalisme, la nécessité d'humilier l'individu devant la société, l'individu devant les autorités, n'était pas du tout une tragédie comme pour la vision du monde occidentale. Le choix, pertinent pour la conscience européenne en tant que possibilité de préférer une chose, s'est avéré imaginaire dans les conditions russes, son issue était prédéterminée en faveur de la société. Par conséquent, la situation de choix elle-même dans le classicisme russe a perdu sa fonction génératrice de conflits et a été remplacée par une autre.

Le problème central de la vie russe au XVIIIe siècle. Il y avait un problème de pouvoir et de succession : pas un seul empereur russe après la mort de Pierre Ier et avant l'avènement de Paul Ier en 1796 n'est arrivé au pouvoir par des moyens légaux. XVIIIe siècle - c'est une époque d'intrigues et de coups d'État de palais, qui ont trop souvent conduit à un pouvoir absolu et incontrôlé de personnes qui ne correspondaient pas du tout non seulement à l'idéal d'un monarque éclairé, mais aussi aux idées sur le rôle du monarque dans le État. Par conséquent, la littérature classique russe a immédiatement pris une direction politico-didactique et a reflété précisément ce problème comme le principal dilemme tragique de l'époque - l'incohérence du dirigeant avec les devoirs de l'autocrate, le conflit de l'expérience du pouvoir en tant que passion personnelle égoïste. avec l’idée d’un pouvoir exercé au profit de ses sujets.

Ainsi, le conflit classique russe, ayant conservé la situation de choix entre passion raisonnable et déraisonnable en tant que modèle d'intrigue externe, s'est entièrement réalisé comme étant de nature socio-politique. Le héros positif du classicisme russe n'abaisse pas sa passion individuelle au nom du bien commun, mais insiste sur ses droits naturels, défendant son personnalisme contre les attaques tyranniques. Et le plus important est que cette spécificité nationale de la méthode a été bien comprise par les écrivains eux-mêmes : si les intrigues des tragédies classiques françaises sont tirées principalement de la mythologie et de l'histoire anciennes, alors Sumarokov a écrit ses tragédies à partir d'intrigues de chroniques russes et même sur des parcelles d'une histoire russe pas si lointaine.

Enfin, une autre caractéristique spécifique du classicisme russe était qu’il ne s’appuyait pas sur une tradition de littérature nationale aussi riche et continue que n’importe quelle autre variété de méthode nationale européenne. Ce que toute littérature européenne possédait au moment de l'émergence de la théorie du classicisme - à savoir une langue littéraire avec un système stylistique ordonné, des principes de versification, un système défini de genres littéraires - tout cela devait être créé en russe. Par conséquent, dans le classicisme russe, la théorie littéraire était en avance sur la pratique littéraire. Les actes normatifs du classicisme russe - réforme de la versification, réforme du style et régulation du système des genres - ont été menés entre le milieu des années 1730 et la fin des années 1740. - c'est-à-dire principalement avant qu'un processus littéraire à part entière conforme à l'esthétique classique ne se soit déployé en Russie.

3. Conclusion

Pour les prémisses idéologiques du classicisme, il est essentiel que le désir de liberté de l’individu soit ici considéré comme aussi légitime que le besoin de la société d’encadrer cette liberté par des lois.

Le principe personnel continue de conserver cette signification sociale immédiate, cette valeur indépendante dont la Renaissance l'a d'abord doté. Cependant, en revanche, ce principe appartient désormais à l'individu, tout comme le rôle que la société reçoit désormais en tant qu'organisation sociale. Et cela implique que toute tentative d'un individu de défendre sa liberté malgré la société le menace de perdre la plénitude des liens de vie et de transformer la liberté en une subjectivité vide de tout support.

La catégorie de mesure est une catégorie fondamentale dans la poétique du classicisme. Son contenu est inhabituellement multiforme, a une nature à la fois spirituelle et plastique, est en contact, mais ne coïncide pas avec, un autre concept typique du classicisme - le concept de norme - et est étroitement lié à tous les aspects de l'idéal affirmé ici.

La raison classique, en tant que source et garante de l'équilibre de la nature et de la vie des hommes, porte le sceau de la foi poétique dans l'harmonie originelle de toutes choses, de la confiance dans le cours naturel des choses, de la confiance en la présence d'une correspondance globale. entre le mouvement du monde et la formation de la société, dans le caractère humaniste et humain de cette communication.

Je suis proche de la période du classicisme, de ses principes, de la poésie, de l'art, de la créativité en général. Les conclusions que le classicisme tire sur les gens, la société et le monde me semblent les seules vraies et rationnelles. Mesurer, comme ligne médiane entre les contraires, l'ordre des choses, des systèmes, et non le chaos ; une relation forte entre l'homme et la société contre leur rupture et leur inimitié, leur génie excessif et leur égoïsme ; l'harmonie contre les extrêmes - j'y vois les principes idéaux de l'existence, dont les fondements se reflètent dans les canons du classicisme.

Liste des sources

L’art du classicisme suivait des modèles anciens, c’est-à-dire classiques, qui étaient considérés comme la norme esthétique idéale. Contrairement aux maîtres du baroque, les créateurs du classicisme ont tenté de suivre les canons de beauté fermement établis. La nouvelle ère a développé des règles strictes qui déterminaient comment écrire de la poésie et des pièces de théâtre, comment créer des peintures, comment danser, etc. Les principes de base du classicisme sont le strict respect des normes établies et de la majesté.

Grâce aux efforts de l'Académie française, fondée en 1634, une langue littéraire unique s'est progressivement établie en France à la place de nombreux dialectes locaux, qui sont devenus le moyen le plus important non seulement de développer la culture, mais aussi de renforcer l'unité nationale. L'Académie dictait les normes linguistiques et les goûts artistiques, contribuant ainsi à la formation des canons généraux de la culture française. La formation du classicisme a également été facilitée par les activités de l'Académie de peinture et de sculpture, de l'Académie d'architecture et de l'Académie de musique, qui ont déterminé les normes de la créativité artistique dans les domaines artistiques concernés. Les canons artistiques de cette époque se sont formés sous l'influence du rationalisme philosophique, dont le fondateur était le remarquable penseur français de la première moitié du XVIIe siècle. R. Descartes.

Cartésianisme, comme on appelle la philosophie de Descartes, affirmait sa foi dans la toute-puissance de l'esprit humain et sa capacité à organiser toute la vie humaine sur des principes rationnels.

Le principal poète du classicisme et son théoricien dans le domaine de la poésie était N.Boileau, auteur du traité poétique « Art poétique » (1674).

Dramaturgie

Dans la dramaturgie, où le classicisme atteint sa plus grande complétude, le principe des « trois unités » est établi, ce qui signifie que toute l'intrigue se déroule en un seul lieu, en un seul moment et en une seule action. La tragédie était reconnue comme le genre le plus élevé de l'art théâtral. Dans le drame classique, les personnages étaient clairement distingués et contrastés les uns avec les autres : les personnages positifs n'incarnaient que des vertus, les négatifs devenaient la personnification du vice. En même temps, le bien devait toujours vaincre le mal.

Le fondateur de la tragédie française classique est P. Cornel, qui a non seulement écrit des pièces qui sont encore reconnues comme des chefs-d'œuvre du drame mondial, mais est également devenu l'un des principaux théoriciens de l'art théâtral.

Ballet

Le ballet a atteint la plus haute perfection à l’ère du classicisme, pour lequel le « Roi Soleil » avait un faible, apparaissant souvent lui-même sur scène. Le ballet, venu de l'Italie de la Renaissance, sous le patronage du roi de France, est devenu un type particulier d'art scénique. Vers la fin du XVIIe siècle. Ses canons ont été développés, faisant du ballet le plus classique de tous les types d’art classique.

Opéra

L'opéra est également venu d'Italie en France. La tradition nationale de l'opéra, née à la cour de Louis XIV, s'est également formée dans la lignée du classicisme.

Formé les canons classiques de la peinture N. Poussin. Peinture française du XVIIe siècle. a jeté les bases d'une grande tradition nationale dont le développement ultérieur a valu à la France une primauté indéniable dans le domaine des beaux-arts.

Portrait

Louis XIV mit le palais royal du Louvre à la disposition des serviteurs des muses, qui acquièrent sous lui sa majestueuse façade orientale. Paris et sa banlieue sous le règne du « Roi Soleil » étaient ornés de magnifiques monuments architecturaux. Les « Travaux de Construction de Sa Majesté » se sont transformés en une industrie à part entière, et tout ce qui est construit alors est, selon les mots du biographe de Louis XIV, « une exposition mondiale permanente des chefs-d’œuvre du goût classique français ».

Depuis l'époque de Louis XIV, la primauté de la France dans de nombreux domaines culturels est devenue généralement reconnue. Pendant longtemps, l'influence française a déterminé les principales orientations du développement de l'art mondial. Paris est devenue le centre de la vie artistique en Europe, un pionnier et un créateur de goût, qui est devenu un modèle dans d'autres pays. Matériel du site

Château et parc en-ensemble de Versailles

La réalisation exceptionnelle de cette époque est le grandiose ensemble palais et parc de Versailles. Les meilleurs architectes, sculpteurs et artistes de l'époque ont participé à sa construction. Les parcs de Versailles sont un exemple classique de l'art des parcs français. Contrairement au parc à l'anglaise, plus naturel, paysager dans la nature, incarnant la volonté d'harmonie avec la nature, le parc à la française se caractérise par un tracé régulier et une volonté de symétrie. Allées, parterres de fleurs, étangs, tout est aménagé selon les lois strictes de la géométrie. Même les arbres et les buissons sont taillés en forme de formes géométriques régulières. Les attractions de Versailles comprenaient également diverses fontaines, de riches sculptures et des intérieurs luxueux de palais. Selon l’historien français, aucun traité « n’a autant apporté à la gloire de notre pays que l’ensemble de Versailles ». « Unique en proportions, combinant le jeu de tous les arts, reflétant la culture d'une époque unique », Versailles émerveille toujours l'imagination des visiteurs.

Classicisme (français) classicisme, de lat. classique- exemplaire) - style artistique et direction esthétique dans l'art européen des XVIIe-XIXe siècles.

Le classicisme est basé sur les idées du rationalisme, qui se sont formées simultanément avec les mêmes idées dans la philosophie de Descartes. Une œuvre d'art, du point de vue du classicisme, doit être construite sur la base de canons stricts, révélant ainsi l'harmonie et la logique de l'univers lui-même. Le classicisme n'intéresse que l'éternel, l'immuable - dans chaque phénomène, il s'efforce de reconnaître uniquement les traits typologiques essentiels, en écartant les caractéristiques individuelles aléatoires. L'esthétique du classicisme attache une grande importance à la fonction sociale et éducative de l'art. Le classicisme reprend de nombreuses règles et canons de l'art ancien (Aristote, Horace).

Le classicisme établit une hiérarchie stricte de genres, qui sont divisés en hauts (ode, tragédie, épopée) et bas (comédie, satire, fable). Chaque genre a des caractéristiques strictement définies dont le mélange n'est pas autorisé.

Comment s'est formée une certaine direction en France au XVIIe siècle. Le classicisme français affirmait la personnalité de l'homme comme la valeur la plus élevée de l'existence, le libérant de l'influence religieuse et ecclésiale.

43. Caractéristiques du style rococo dans l'architecture et la musique

Le style architectural (plus précisément décoratif) rococo est apparu en France sous la Régence ( 1715 -1723 ) et atteint son apogée à Louis XV, s'est déplacé vers d'autres pays européens et l'a dominé jusqu'à 1780 Après avoir rejeté le faste froid, le faste lourd et ennuyeux de l'art du temps de Louis XIV et italien L’architecture baroque, rococo se veut légère, accueillante, ludique à tout prix ; elle ne se soucie pas de la combinaison organique et de la distribution des parties de la structure, ni de l'opportunité de leurs formes, mais en dispose avec un arbitraire total, allant jusqu'au caprice, évite la symétrie stricte, varie sans cesse les divisions et les détails ornementaux et ne lésine pas sur la dilapidation de ces dernières. Dans les créations de cette architecture, les lignes droites et les surfaces planes disparaissent presque, ou du moins sont masquées par un décor figuré ; aucun des ordres établis n'est exécuté sous sa forme pure ; les colonnes sont tantôt allongées, tantôt raccourcies et tordues de manière hélicoïdale ; leur majuscules déformées par des changements et des ajouts coquettes, les corniches sont placées au-dessus des corniches ; haut pilastres et d'énormes cariatides soutiennent des rebords insignifiants avec une corniche fortement saillante ; les toits sont ceinturés le long du bord balustradesà balustres en forme de bouteille et à socles placés à quelque distance les uns des autres, sur lesquels sont posés des vases ou des statues ; pignons, représentant des lignes convexes brisées et enfoncées, sont également couronnés de vases, pyramides, figures sculpturales, trophées et autres objets similaires. Partout, dans le cadre des fenêtres, des portes, des espaces muraux à l'intérieur du bâtiment, dans les abat-jour, des ornements complexes en stuc sont utilisés, constitués de boucles qui ressemblent vaguement à des feuilles de plantes, de boucliers convexes irrégulièrement entourés des mêmes boucles, masques, guirlandes de fleurs et festons, coquillages, pierres brutes (rocaille), etc. Malgré un tel manque de rationalité dans l'utilisation des éléments architecturaux, de tels caprices, sophistication et formes lourdes, le style rococo a laissé de nombreux monuments qui fascinent encore aujourd'hui par leur originalité, leur luxe et leur beauté joyeuse. , nous transportant de manière vivante à l'ère du blush et du blanc, des mouches et de la poudre perruques .

Musique : Dans sa « forme pure », le style musical rococo s'est manifesté dans les œuvres des « grands clavecinistes» François Couperin("Superbe et Jean-Philippe Rameau(pas moins génial, mais sans pareil" titre"). Leurs contemporains moins connus travaillaient exactement de la même manière : Louis-Claude Daquin, Antoine Forcret, André Campra, Joseph Baudin de Boismortier, Louis-Nicolas Clérambault, Jument Marine et plein d'autres. D'une seule voix, ils ont déclaré le grand Jean-Baptiste Lully.

Le style musical rococo se caractérise exactement par les mêmes caractéristiques que dans peinture et en architecture. Une abondance de petites décorations sonores et de boucles (les soi-disant "melisma", semblable aux lignes sinueuses des coquilles « rocaille » stylisées), la prédominance des formes petites (joaillières en détail) et de chambre, l'absence de contrastes vifs et d'effets dramatiques, la prédominance des mêmes thèmes et images familières des peintures de Boucher : ludique , coquette et galant. Et l'instrument lui-même, clavecin, qui connut son apogée de prospérité à l'époque du style galant et du rococo et popularité Qu’est-ce sinon l’expression la plus élevée de tous les traits d’un même style rococo ? Un instrument de chambre de petite (voire très petite) taille, au son doux qui s'estompe rapidement et nécessite un grand nombre de petites notes pour remplir l'espace. Il va sans dire que la décoration extérieure de l'instrument : élaborée, riche, pleine de petites décorations et de détails les plus fins complétait inévitablement l'unité de style.

Mais même sous de grandes formes ( opéras, ballets Et cantates) toutes ces caractéristiques se sont révélées pleinement. Oui, les grands opéras Ramo Et Campra sont également construits à partir de petits nombres reliés entre eux selon le principe de la suite, et représentent parfois même un enchantement suite, pratiquement sans rapport avec aucun général intelligible parcelle. Les œuvres les plus célèbres de ce type : « Inde galante" Ramo, " Fêtes vénitiennes" Et " L’Europe galante» Campra. Héros mythologique les intrigues des opéras étaient de vaillants messieurs et dames vêtus de magnifiques costumes selon le principe mascarade. Était également très populaire genre pastorales, avec le même galant bergers et des bergères, bien sûr, qui n'ont rien de commun avec les vraies types de paysans pâturage bétail. DANS musique instrumentale le même genre galant dominait, portrait-paysage, pastorale ou danse miniature(Pour clavecin,violes, parfois avec l'ajout flûtes, violons Et hautbois). Ils jouaient habituellement de la musique dans formulaire de suite, qui au fil du temps a progressivement gagné en nombre de pièces et s'est enrichi de nombreux détails. Classique baroque la suite, qui se composait généralement de 3 à 5 danses avec des noms de genre simples, a d'abord été enrichie de nouvelles danses françaises « insérées », comme paspier, bourrée,menuet, pavane, gaillarde, puis a commencé à en inclure des gratuits, fantaisie parties avec paysage, genre ou même personnel des noms. Dans une époque relativement courte, le rococo lui-même genre de suite a d'abord été porté par les clavecinistes et les maîtres des genres instrumentaux à son plus haut développement, puis à l'épuisement et au déclin, après quoi il a simplement quitté le milieu musical professionnel pendant une bonne centaine d'années. Puisque la musique était jouée lors des réunions sociales et pendant les repas, diverses inventions, imitations de carnaval et techniques de divertissement spirituelles pour le divertissement étaient particulièrement appréciées. aristocratique les auditeurs. Des pièces sonores brillantes, par exemple le « Poulet » de Rameau (pour clavecin) ou les « Petits moulins à vent » de Couperin (également, d'ailleurs, des parties d'une suite pour clavecin) jouissaient d'une popularité constante. Ce succès a donné lieu à de nombreuses imitations, répétitions et réplications dans les œuvres d'autres auteurs, ce qui était généralement caractéristique de l'époque. Baroque en général. Parfois, les effets divertissants se déplaçaient directement dans la sphère musicale, parodiant ou imitant un collègue compositeur ou imitant certaines des habitudes professionnelles des musiciens eux-mêmes. À cet égard, il est particulièrement significatif "Sonate-quatuor" Guillaume Guillemin, portant le sous-titre « Conversations galantes et divertissantes entre flûte traversière, violon, basse de viole et violoncelle » ( 1743 ). DANS salons le plus souvent, des chansons d'amour langoureuses ou ludiques étaient interprétées, ainsi que des chansons populaires airs des opéras Rameau, Campra et Lully, arrangés pour clavecin ou petite chambre ensemble.

Détails Catégorie : Variété de styles et de mouvements dans l'art et leurs caractéristiques Publié le 05/03/2015 10:28 Vues : 10592

"Classe!" - nous parlons de ce qui nous suscite de l'admiration ou correspond à notre appréciation positive d'un objet ou d'un phénomène.
Traduit du latin le mot classique et signifie « exemplaire ».

Classicismenommé le style artistique et la direction esthétique de la culture européenne des XVIIe-XIXe siècles.

Et comme échantillon ? Le classicisme a développé des canons selon lesquels toute œuvre d'art doit être construite. Canon- il s'agit d'une certaine norme, d'un ensemble de techniques ou de règles artistiques obligatoires à une certaine époque.
Le classicisme est un mouvement artistique strict ; il ne s’intéressait qu’à l’essentiel, à l’éternel, au typique ; les signes ou manifestations accidentels ne l’intéressaient pas.
En ce sens, le classicisme remplissait les fonctions éducatives de l’art.

Bâtiments du Sénat et du Synode à Saint-Pétersbourg. Architecte K. Rossi
Est-ce bien ou mal quand il y a des canons en art ? Quand est-il possible de faire cela et rien d’autre ? Ne vous précipitez pas vers une conclusion négative ! Les canons permettaient de rationaliser le travail d'un certain type d'art, de donner une direction, de montrer des exemples et de balayer tout ce qui est insignifiant et peu profond.
Mais les canons ne peuvent pas être un guide éternel et immuable de la créativité : à un moment donné, ils deviennent obsolètes. C'est ce qui s'est passé au début du XXe siècle. dans les arts visuels et dans la musique : des normes enracinées depuis plusieurs siècles sont devenues obsolètes et déchirées.
Cependant, nous avons déjà pris de l’avance. Revenons au classicisme et examinons de plus près la hiérarchie des genres du classicisme. Disons simplement que le classicisme en tant que mouvement spécifique s'est formé en France au XVIIe siècle. La particularité du classicisme français était qu'il affirmait la personnalité de l'homme comme la plus haute valeur de l'existence. À bien des égards, le classicisme s’appuyait sur l’art ancien, y voyant un modèle esthétique idéal.

Hiérarchie des genres du classicisme

Le classicisme a établi une hiérarchie stricte de genres, divisés en hauts et bas. Chaque genre possède certaines caractéristiques qu’il ne faut pas mélanger.
Considérons la hiérarchie des genres à l'aide d'exemples de différents types d'art.

Littérature

Nicolas Boileau est considéré comme le plus grand théoricien du classicisme, mais le fondateur est François Malherbe, qui a procédé à une réforme de la langue et du vers français et développé des canons poétiques. N. Boileau a exprimé son point de vue sur la théorie du classicisme dans le traité poétique « Art poétique ».

Buste de Nicolas Boileau par F. Girardon. Paris, Persienne
En dramaturgie, il fallait observer trois unités: unité de temps (l'action doit se dérouler sur une journée), unité de lieu (en un seul lieu) et unité d'action (l'œuvre doit avoir un seul scénario). Les principaux représentants du classicisme dramatique étaient les tragédiens français Corneille et Racine. L'idée principale de leur travail était le conflit entre le devoir public et les passions personnelles.
Le but du classicisme est de changer le monde pour le mieux.

En Russie

En Russie, l'émergence et le développement du classicisme sont principalement associés au nom de M.V. Lomonossov.

M. V. Lomonossov au monument « 1000e anniversaire de la Russie » à Veliky Novgorod. Sculpteurs M.O. Mikeshin, I.N. Schroeder, architecte V.A. Hartmann
Il procède à une réforme du vers russe et développe la théorie des « trois calmes ».

« Théorie des trois calmes » M.V. Lomonossov

La doctrine des trois styles, c'est-à-dire la classification des styles en rhétorique et en poétique, distinguant les styles haut, moyen et bas (simple), est connue depuis longtemps. Il était utilisé dans la littérature romaine antique, médiévale et européenne moderne.
Mais Lomonossov a utilisé la doctrine des trois styles pour construire un système stylistique Langue russe et littérature russe. Trois « styles » selon Lomonossov :
1. Grand – solennel, majestueux. Genres : ode, poèmes héroïques, tragédies.
2. Intermédiaire – élégies, drames, satires, églogues, essais amicaux.
3. Low - comédies, lettres, chansons, fables.
Le classicisme en Russie s'est développé sous l'influence des Lumières : les idées d'égalité et de justice. Par conséquent, dans le classicisme russe, on supposait généralement une évaluation obligatoire de la réalité historique par l'auteur. On retrouve cela dans les comédies de D.I. Fonvizin, satires d'A.D. Kantemir, fables d'A.P. Sumarokova, I.I. Khemnitser, ode M.V. Lomonosov, G.R. Derjavina.
Fin du XVIIIe siècle. La tendance à considérer l’art comme la principale force d’éducation d’une personne s’est intensifiée. À cet égard, le mouvement littéraire sentimentalisme a émergé, dans lequel le sentiment (et non la raison) était déclaré comme l'élément principal de la nature humaine. L'écrivain français Jean-Jacques Rousseau appelait à se rapprocher de la nature et du naturel. Cet appel a été suivi par l'écrivain russe N.M. Karamzine – souvenons-nous de son fameux « Pauvre Liza » !
Mais des œuvres allant dans le sens du classicisme ont également été créées au XIXe siècle. Par exemple, « Woe from Wit » d'A.S. Griboïedova. Bien que cette comédie contienne déjà des éléments de romantisme et de réalisme.

Peinture

Puisque la définition du « classicisme » est traduite par « exemplaire », alors une sorte d'exemple lui est naturel. Et les partisans du classicisme l'ont vu dans l'art ancien. C'était l'exemple le plus élevé. On s'appuie également sur les traditions de la Haute Renaissance, qui trouve également son modèle dans l'Antiquité. L'art du classicisme reflétait les idées d'une structure harmonieuse de la société, mais reflétait les conflits entre l'individu et la société, l'idéal et la réalité, les sentiments et la raison, qui indiquent la complexité de l'art du classicisme.
Les formes artistiques du classicisme se caractérisent par une organisation stricte, l'équilibre, la clarté et l'harmonie des images. L'intrigue doit se développer logiquement, la composition de l'intrigue doit être claire et équilibrée, le volume doit être clair, le rôle de la couleur doit être subordonné à l'aide du clair-obscur et à l'utilisation de couleurs locales. C'est par exemple ce qu'écrit N. Poussin.

Nicolas Poussin (1594-1665)

N. Poussin «Autoportrait» (1649)
Artiste français qui est à l'origine de la peinture classiciste. Presque toutes ses peintures ont été créées sur des sujets historiques et mythologiques. Ses compositions sont toujours claires et rythmées.

N. Poussin « Danse sur la musique du temps » (vers 1638)
Le tableau représente une ronde allégorique de la vie. Encerclant (de gauche à droite) : Plaisir, Diligence, Richesse, Pauvreté. À côté de la statue en pierre à deux têtes du dieu romain Janus est assis un bébé qui souffle des bulles de savon, symbole de la vie humaine au rythme effréné. Le jeune visage de Janus aux deux visages regarde vers l'avenir, et le vieux visage regarde vers le passé. Le vieil homme ailé à la barbe grise, sur la musique duquel tourne la danse en rond, est Father Time. A ses pieds est assis un bébé tenant un sablier, rappelant le mouvement rapide du temps.
Le char du dieu solaire Apollon s'élance dans le ciel, accompagné des déesses des saisons. Aurore, déesse de l'aube, vole devant le char, dispersant des fleurs sur son passage.

V. Borovikovsky « Portrait de G.R. Derjavine" (1795)

V. Borovikovsky « Portrait de G.R. Derjavin", Galerie nationale Tretiakov
L'artiste a capturé dans le portrait un homme qu'il connaissait bien et dont il appréciait l'opinion. Il s'agit d'un portrait cérémonial traditionnel du classicisme. Derjavin est sénateur, membre de l'Académie russe, homme d'État, son uniforme et ses récompenses en parlent.
Mais en même temps, il est aussi un poète renommé, passionné par la créativité, les idéaux éducatifs et la vie sociale. Ceci est indiqué par un bureau jonché de manuscrits ; ensemble d'encres de luxe; étagères avec des livres en arrière-plan.
L'image de G. R. Derzhavin est reconnaissable. Mais son monde intérieur n'est pas montré. Les idées de Rousseau, déjà activement débattues dans la société, ne sont pas encore apparues dans les travaux de V. Borovikovsky, cela arrivera plus tard.
Dans le 19ème siècle La peinture classique entre dans une période de crise et devient un frein au développement de l’art. Les artistes, préservant le langage du classicisme, commencent à se tourner vers des sujets romantiques. Parmi les artistes russes, c'est avant tout Karl Bryullov. Son travail s'est produit à une époque où les œuvres de forme classique étaient remplies de l'esprit du romantisme ; cette combinaison s'appelait l'académisme. Au milieu du 19ème siècle. La jeune génération, attirée par le réalisme, commence à se rebeller, représentée en France par le cercle Courbet et en Russie par les Vagabonds.

Sculpture

La sculpture de l’ère du classicisme considérait également l’Antiquité comme modèle. Cela a également été facilité par les fouilles archéologiques des villes anciennes, à la suite desquelles de nombreuses sculptures hellénistiques sont devenues connues.
Le classicisme atteint sa plus haute incarnation dans les œuvres d'Antonio Canova.

Antonio Canova (1757-1822)

A. Canova «Autoportrait» (1792)
Sculpteur italien, représentant du classicisme dans la sculpture européenne. Les plus grandes collections de ses œuvres se trouvent au Louvre de Paris et à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.

A. Canova « Les Trois Grâces ». Saint-Pétersbourg, Ermitage
Le groupe sculptural « Les Trois Grâces » appartient à la période tardive de l’œuvre d’Antonio Canova. Le sculpteur a incarné ses idées sur la beauté dans les images des Grâces - d'anciennes déesses personnifiant la beauté et le charme féminins. La composition de cette sculpture est inhabituelle : les grâces se tiennent côte à côte, les deux les plus extérieures se font face (et non au spectateur) et l'ami se tient au centre. Les trois figures féminines élancées fusionnent dans une étreinte, elles sont unies par un entrelacs de bras et un foulard tombant de la main d'une des grâces. La composition de Canova est compacte et équilibrée.
En Russie, l'esthétique du classicisme inclut Fedot Shubin, Mikhail Kozlovsky, Boris Orlovsky, Ivan Martos.
Fedot Ivanovitch Choubine(1740-1805) travaillait principalement le marbre, se tournant parfois vers le bronze. La plupart de ses portraits sculpturaux sont exécutés sous forme de bustes : bustes du vice-chancelier A. M. Golitsyn, du comte P. A. Rumyantsev-Zadunaisky, Potemkin-Tavrichesky, M. V. Lomonossov, Paul Ier, P. V. Zavadovsky, une statue de Catherine II -législateurs et autres.

F. Shubin. Buste de Paul Ier
Shubin est également connu comme décorateur : il a créé 58 portraits historiques en marbre pour le palais de Chesme, 42 sculptures pour le palais de marbre, etc. Il était également un maître sculpteur d'os sculptés de Kholmogory.
À l'ère du classicisme, les monuments publics se sont répandus, dans lesquels la valeur militaire et la sagesse des hommes d'État étaient idéalisées. Mais dans la tradition ancienne, il était d'usage de représenter les modèles nus, mais les normes morales modernes du classicisme ne le permettaient pas. C'est pourquoi les personnages ont commencé à être représentés sous la forme d'anciens dieux nus : par exemple, Suvorov - sous la forme de Mars. Plus tard, ils ont commencé à être représentés dans des toges antiques.

Monument à Koutouzov à Saint-Pétersbourg devant la cathédrale de Kazan. Sculpteur B.I. Orlovsky, architecte K.A. Ton
Le classicisme de l'Empire tardif est représenté par le sculpteur danois Bertel Thorvaldsen.

B. Thorvaldsen. Monument à Nicolas Copernic à Varsovie

Architecture

L'architecture du classicisme s'est également concentrée sur les formes de l'architecture ancienne comme normes d'harmonie, de simplicité, de rigueur, de clarté logique et de monumentalité. La base du langage architectural du classicisme était l'ordre, dans des proportions et des formes proches de l'Antiquité. Commande– un type de composition architecturale qui utilise certains éléments. Comprend un système de proportions, prescrit la composition et la forme des éléments, ainsi que leur position relative. Le classicisme se caractérise par des compositions axiales symétriques, une décoration sobre et un système régulier d'urbanisme.

Manoir londonien d'Osterley Park. Architecte Robert Adam
En Russie, les représentants du classicisme en architecture étaient V.I. Bajenov, Karl Rossi, Andrey Voronikhin et Andreyan Zakharov.

Carl Bartalomeo-Rossi(1775-1849) - Architecte russe d'origine italienne, auteur de nombreux bâtiments et ensembles architecturaux à Saint-Pétersbourg et ses environs.
Les compétences architecturales et urbanistiques exceptionnelles de la Russie sont incarnées dans les ensembles du palais Mikhaïlovski avec le jardin et la place adjacents (1819-1825), la place du Palais avec le grandiose bâtiment voûté de l'état-major général et un arc de triomphe (1819-1829). , la place du Sénat avec les bâtiments du Sénat et du Synode (1829 -1834), la place Alexandrinskaya avec les bâtiments du théâtre Alexandrinsky (1827-1832), le nouveau bâtiment de la bibliothèque publique impériale et deux bâtiments agrandis homogènes de la rue Teatralnaya (aujourd'hui Architecte rue Rossi).

Le bâtiment de l'état-major sur la place du Palais

Musique

Le concept de classicisme en musique est associé aux œuvres de Haydn, Mozart et Beethoven, appelées les classiques viennois. Ce sont eux qui ont déterminé l'orientation du développement ultérieur de la musique européenne.

Thomas Hardy "Portrait de Joseph Haydn" (1792)

Barbara Kraft "Portrait posthume de Wolfgang Amadeus Mozart" (1819)

Karl Stieler "Portrait de Ludwig van Beethoven" (1820)
L'esthétique du classicisme, basée sur la confiance dans la rationalité et l'harmonie de l'ordre mondial, incarnait ces mêmes principes dans la musique. Ce qu'on lui demandait était : l'équilibre des parties de l'œuvre, une finition soignée des détails, le développement des canons de base de la forme musicale. Au cours de cette période, la forme sonate fut finalement formée et la composition classique des parties de sonate et de symphonie fut déterminée.
Bien entendu, le chemin de la musique vers le classicisme n’a pas été simple ni sans ambiguïté. Il y a eu la première étape du classicisme - la Renaissance du XVIIe siècle. Certains musicologues considèrent même la période baroque comme une manifestation particulière du classicisme. Ainsi, l'œuvre d'I.S. peut également être classée comme classicisme. Bach, G. Handel, K. Gluck avec ses opéras réformateurs. Mais les plus hautes réalisations du classicisme musical sont toujours associées aux travaux des représentants de l'école classique viennoise : J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart et L. van Beethoven.

Note

Il faut distinguer les concepts "musique du classicisme" Et "musique classique". Le concept de « musique classique » est beaucoup plus large. Elle comprend non seulement la musique de l’époque classique, mais aussi la musique du passé en général, qui a résisté à l’épreuve du temps et est reconnue comme exemplaire.

En littérature, le classicisme est né et s'est répandu en France au XVIIe siècle. Nicolas Boileau est considéré comme un théoricien du classicisme, qui a défini les principes de base du style dans l'article « Art poétique ». Le nom vient du latin « classicus » - exemplaire, qui met l'accent sur la base artistique du style - les images et les formes de l'Antiquité, auxquelles ils ont commencé à s'intéresser particulièrement à la fin de la Renaissance. L'émergence du classicisme est associée à la formation des principes d'un État centralisé et des idées d'un absolutisme « éclairé ».

Le classicisme glorifie le concept de raison, estimant que ce n'est qu'avec l'aide de l'esprit qu'on peut obtenir et organiser une image du monde. Par conséquent, l'essentiel dans une œuvre devient son idée (c'est-à-dire que la pensée principale et la forme de l'œuvre doivent être en harmonie), et l'essentiel dans le conflit entre la raison et les sentiments est la raison et le devoir.

Les principes de base du classicisme, caractéristiques de la littérature tant étrangère que nationale :

• Formes et images de la littérature ancienne (grecque et romaine) : tragédie, ode, comédie, formes épiques, poétiques, odiques et satiriques.
• Une division claire des genres en « haut » et « bas ». Les « hauts » comprennent l'ode, la tragédie et l'épopée, les « bas », en règle générale, sont drôles - comédie, satire, fable.
• Une division distinctive des héros en bons et mauvais.
• Respect du principe de la trinité temps, lieu, action.

Le classicisme dans la littérature russe

XVIIIe siècle

En Russie, le classicisme est apparu bien plus tard que dans les pays européens, puisqu'il a été « importé » avec les œuvres et les Lumières européennes. L'existence du style sur le sol russe est généralement placée dans le cadre suivant :

1. Fin des années 1720, la littérature de l’époque de Pierre le Grand, littérature laïque, différente de la littérature ecclésiale qui dominait auparavant en Russie.

Le style a commencé à se développer d’abord dans les œuvres traduites, puis dans les œuvres originales. Les noms de A.D. Kantemir, A.P. Sumarokov et V.K. Trediakovsky (réformateurs et développeurs du langage littéraire, ils ont travaillé sur des formes poétiques - odes et satires) sont associés au développement de la tradition classique russe.

1. 1730-1770 - l'apogée du style et son évolution. Associé au nom de M.V. Lomonosov, qui a écrit des tragédies, des odes et des poèmes.
2. Le dernier quart du XVIIIe siècle voit l'émergence du sentimentalisme et le début de la crise du classicisme. L'époque du classicisme tardif est associée au nom de D. I. Fonvizin, l'auteur de tragédies, de drames et de comédies ; G. R. Derzhavin (formes poétiques), A. N. Radishchev (prose et œuvres poétiques).

(A. N. Radishchev, D. I. Fonvizin, P. Ya. Chaadaev)

D. I. Fonvizin et A. N. Radishchev sont devenus non seulement des développeurs, mais aussi des destructeurs de l'unité stylistique du classicisme : Fonvizin dans les comédies viole le principe de la trinité, introduisant une ambiguïté dans l'évaluation des héros. Radichtchev devient le précurseur et le développeur du sentimentalisme, apportant du psychologisme au récit, rejetant ses conventions.

(Représentants du classicisme)

19ème siècle

On pense que le classicisme a existé par inertie jusque dans les années 1820, mais à la fin du classicisme, les œuvres créées dans son cadre n'étaient classiques que formellement, ou ses principes étaient délibérément utilisés pour créer un effet comique.

Le classicisme russe du début du XIXe siècle s'éloigne de ses traits marquants : affirmation de la primauté de la raison, pathos civique, opposition à l'arbitraire de la religion, contre son oppression sur la raison, critique de la monarchie.

Le classicisme dans la littérature étrangère

Le classicisme initial était basé sur les développements théoriques d'auteurs anciens - Aristote et Horace (« Poétique » et « Épître à Piso »).

Dans la littérature européenne, aux principes identiques, le style met fin à son existence dans les années 1720. Représentants du classicisme en France : François Malherbe (œuvres poétiques, réforme du langage poétique), J. Lafontaine (œuvres satiriques, fable), J.-B. Molière (comédie), Voltaire (drame), J.-J. Rousseau (écrivain en prose classique tardif, précurseur du sentimentalisme).

Il y a deux étapes dans le développement du classicisme européen :

• Le développement et l'épanouissement de la monarchie, contribuant au développement positif de l'économie, de la science et de la culture. A ce stade, les représentants du classicisme voient leur tâche comme glorifier le monarque, établir son inviolabilité (François Malherbe, Pierre Corneille, genres phares - ode, poème, épopée).
• La crise de la monarchie, la découverte des failles du système politique. Les écrivains ne glorifient pas la monarchie, mais la critiquent. (J. Lafontaine, J.-B. Molière, Voltaire, genres phares - comédie, satire, épigramme).